Arts visuels Saguenay

Bienvenue

2010-02-02T07:16:00.000-08:00

Arts visuels Saguenay

Ce site est consacré à des créateurs ou gens actifs en arts visuels
au Saguenay (quelques-uns au Lac-Saint-Jean)
entre 1994 et 2003

Il regroupe mes articles sur les arts visuels publiés dans Le Quotidien ou Progrès Dimanche
Dans la majorité des cas ce sont des comptes rendus d'expositions, mais il y a aussi quelques interviews et quelques nouvelles
La plupart des textes sont tronqués parce qu'ils sont très longs. Il suffit de cliquer le lien "voir la suite", à la fin du texte, pour lire l'article complet
À droite, index des artistes avec, entre parenthèses, le nombre d'occurrences pour chacun, ainsi que celui des galeries et des années
Les textes originaux sont ceux que j'ai sauvegardés sur mon disque dur
J'ai refait les titres et corrigé quelques fautes d'orthographe
Dans certains cas, quand deux ou trois artistes sont mentionnés dans un même texte, j'ai scindé celui-ci en deux textes distincts
Il peut donc y avoir de légères différences entre un article sur ce site et celui qui a été effectivement publié dans les journaux

Améliorations projetées:

ajout de textes publiés sur mon blogue depuis 2005
ajout de liens et images concernant les artistes

Merci de revenir régulièrement
Denise Pelletier

Note 1: Pour les arts de la scène, j'ai créé un site (billetsdeconcert.com) à partir de ma collection de billets de spectacle. Il renvoie à des textes publiés dans Le Quotidien, Progrès-Dimanche et sur mon blogue Spécial du jour à propos de spectacles présentés depuis 1993, au Saguenay notamment

Note 2: Plusieurs créateurs sont mentionnés dans le répertoire de l'excellent portail régional Arts et culture

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Thérèse Fortin

2003-12-23T05:02:00.000-08:00

Un parcours et un style atypiques
décembre 2003

par Denise Pelletier

(DP) - L’artiste peintre Thérèse Fortin est revenue vivre dans sa région natale, après plusieurs années passées à Québec. Juste au moment de quitter Québec, elle y a réalisé un projet d’une envergure exceptionnelle, soit un immense triptyque peint avec la participation de 1500 personnes, à l’occasion du cinquième anniversaire de la Commission scolaire de la Capitale.
Cela s’est fait en août dernier, sous un immense chapiteau: huit personnes ont aidé Thérèse Fortin à disposer ses mélanges de couleurs et ses spatules sur des tables et à les distribuer aux participants, cadres et employés de la commission scolaire, afin qu’ils puissent apposer des taches sur la grande toile de 15 pieds par six pieds mise à leur disposition.
Thérèse Fortin a travaillé ensuite pendant six jours à repérer, parmi ces taches, des motifs, des thèmes, des personnages. A partir de ses observations, elle a retravaillé la toile afin d’en dégager trois sujets: un saxophoniste, une étudiante en menuiserie et un joueur de soccer, des thèmes qui illustrent fort bien la diversité des activités étudiantes. Elle a ensuite séparé sa toile en trois tableaux distincts, et le triptyque est maintenant exposé au siège social de la commission scolaire de la Capitale.

Thérèse Fortin est devenue une spécialiste de la création d’oeuvres collectives selon ce même procédé. Elle en a réalisé une à Chicoutimi il y a un an et demi, avec un groupe de femmes invitées par l’AFEAS Notre-Dame de Grâce, et une autre au Château Frontenac avec 400 participants.
Dans sa création personnelle, elle procède selon la même technique, qu’elle a baptisée l’émergisme, et qui consiste à peindre d’abord des taches de façon spontanée, pour ensuite en faire ensuite émerger un sujet figuratif, en ajoutant des traits, en soulignant certaines formes et en atténuant d’autres. Elle travaille à l’huile et à la spatule, dans des tons de jaune, orange, rouge, brun, projetant des gouttes de couleur sur certaines sections de la toile de façon à créer un effet de mouvement.
Thérèse Fortin continue à produire, dans l’atelier situé tout juste en face de la maison qu’elle habite maintenant à Rivière-Éternité. Après une carrière dans le domaine des communications, elle est retournée à la peinture, un art qu’elle aime depuis son enfance, il y a une quinzaine d’années et s’y consacre à plein temps.

États-Unis
Curieusement, c’est aux États-Unis, davantage qu’au Québec, que ses oeuvres trouvent preneurs. En particulier à la Joy Gallery de Key West, en Floride, qui la représente depuis sa participation, en 1997, au Festival d’art de l’endroit. Thérèse Fortin a connu sa meilleure année en 2001, vendant plus d’une quarantaine de toiles. Entre autres, une de ses oeuvres, intitulée «Champagne», où on distingue une jeune femme assise près d’une table sur laquelle est placée une coupe de champagne («ma meilleure toile», dit l’artiste) a été achetée par un avocat new-yorkais en vue (il est entre autres l’avocat du Metropolitan Opera) qui l’a installée dans son bureau. Par la suite, celui-ci, qui ne la connaissait pas, lui a envoyé un courriel pour lui demander «où on pouvait la trouver à New York», et, apprenant qu’elle n’y était pas, lui a fait savoir qu’elle devait absolument se rendre dans la Grosse Pomme.
D’ailleurs elle le fera, et se rendra à Chicago et à New York pour y rencontrer des collectionneurs et des agents potentiels, après quoi elle retournera à Key West pour le vernissage d’une nouvelle exposition en mars 2004. Elle exposera aussi à la Galerie Horizon de Sorel Tracy, du 8 au 28 février, une offre qui lui est parvenue par Internet.
Cependant, conséquence des attentats du 11 septembre 2001 à New York, le marché de l’art est devenu très difficile: les Américains et les touristes de l’extérieur ont pour ainsi dire cessé de voyager, et tout à coup Key West n’était plus une destination recherchée, souligne Thérèse Fortin, qui a subi pendant deux ans le contrecoup de cette situation, qui commence très lentement à se redresser. Quant au Québec, elle y vend assez peu de toiles: «mon art est inhabituel, il sort peut-être trop des sentiers battus», croit-elle.

Adrienne Luce

2003-12-12T07:54:00.000-08:00

La symbolique des loups
décembre 2003 (performance)

par Denise Pelletier
(DP) - Parmi les performances inscrites au programme du colloque Géopoétiques, arts et mémoire de la terre, celle d’Adrienne Luce, particulièrement fascinante, constitue un bel exemple des conceptions de Kenneth White sur la convergence entre la terre, la nature, et l’homme. L’artiste, native de Gaspésie et installée à Chicoutimi où elle poursuit une maîtrise en art à l’UQAC, a travaillé sur l’interaction entre l’humain et l’animal. Sa performance commençait à l’intérieur de la galerie, par une projection vidéo. L’artiste imitait ensuite le hurlement du loup, auquel répondait sa petite chienne, nommée Puce. Puis elle se déplaçait à l’extérieur, près du Pavillon des arts, où l’attendait Rebelle, la louve, tenue en laisse et attentivement surveillée par son maître, Yves Huot.
L’artiste a ensuite enterré sous la neige du pain garni de sardines (le mets préféré de Rebelle): la louve, libérée de ses entraves et attirée par l’odeur, s’étant approchée d’elle, Adrienne Luce a mangé des tranches de pain en compagnie de l’animal. Puis elle s’est étendue par terre et a placé, sur ses mains, sa poitrine et son front, des morceaux de viande rouge que la louve a délicatement cueillis avec sa gueule pour les dévorer.
Cette performance s’inscrit dans le cadre d’une recherche sur les loups que mène Adrienne Luce depuis quelques années. Le geste d’enterrer la nourriture, comme le fait la femelle alpha de la meute pour apprendre aux petits à la trouver, prend valeur de symbole: celui de la relation mère-enfant par le biais de la nourriture, celui de la table comme lieu de rassemblement. La captivité dans laquelle est maintenue Rebelle lui fait penser à celle qui retient les ouvriers à l’usine. Finalement, elle voit dans sa performance, où elle doit faire preuve d’une grande humilité devant la louve, un geste réparateur de la fracture entre l’homme et l’animal, née des préjugés qui ont eu cours au fil des siècles sur le loup, considéré comme un dangereux prédateur, foncièrement méchant.
Adrienne Luce dit avoir développé un fort attachement à la région du Saguenay-Lac-Saint-Jean, qui lui permet de développer in situ sa pratique portant sur l’art et la nature, et de poursuivre la réflexion sur le littoral qui est l’objet de son mémoire de maîtrise.

Elmyna Bouchard

2003-11-13T09:44:00.000-08:00

Lauréate du Prix de la Fondation Monique et Robert Parizeau
novembre 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Elmyna Bouchard, une artiste originaire du Lac-Saint-Jean qui oeuvre dans le secteur de l’estampe, est la lauréate 2003 du Prix de la Fondation Monique et Robert Parizeau. Lancé en 2002 en partenariat avec le Musée national des beaux-arts du Québec, ce concours sur invitation a pour but d'apporter un appui aux artistes qui oeuvrent dans le secteur de l'estampe au Québec. Le concours 2003 conviait des artistes de moins de quarante ans ayant déjà un parcours solide.
La Fondation Monique et Robert Parizeau a remis à Elmyna Bouchard un montant de 50 000 $, réparti de la façon suivante: une bourse de 20 000 $ du Musée national des beaux-arts du Québec, une somme de 15 000 $ destinée à l'achat d'estampes de la lauréate par le comité d'acquisition du Musée, et un montant de 15 000 $ permettant au Musée de réaliser un ouvrage sur l'oeuvre de la lauréate, publié en français, avec des traductions en anglais et en espagnol.
Le lancement de la publication sur le travail de Ludmila Armata, première lauréate du Prix de la Fondation Monique et Robert Parizeau en 2002, a d’ailleurs été effectué lors de la remise du prix 2003.
Née en 1965 à Saint-Coeur de Marie, Elmyna Bouchard a obtenu un baccalauréat en Arts plastiques à l'Université du Québec à Chicoutimi. Lauréate de la Biennale du dessin, de l'estampe et du papier du Québec (Alma, 2001), de la Biennale internationale d'estampe contemporaine de Trois-Rivières (2001) et du Concours d'estampe Loto-Québec (2000), elle a à son actif de nombreuses expositions individuelles, dont les plus récentes sont «Du temps pour soi II» à la Galerie Madeleine Lacerte de Québec et «Estampes», à la Galerie La Digue à Marseille. Elle a aussi participé à de nombreuses expositions collectives au Canada et en Europe, et un grand nombre de ses oeuvres font partie de plusieurs collections comme celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de Loto-Québec, d'Alcan. Elle vit maintenant à Montréal.
Avec ses oeuvres les plus récentes, Elmyna Bouchard organise - comme l'explique l'historienne de l'art Hedwige Asselin en 2001 - "ses souvenirs d'enfance d'une façon légère, avec des signes d'une grande simplicité. Sans ordre apparent, les objets planent dans les airs, tout à fait libres (et) projettent une impression de passage du temps et de l'histoire d'un lieu personnel. "
Elmyna Bouchard fait preuve également d’une grande maîtrise technique, employant parfois jusqu'à trois techniques d'estampe différentes pour une seule oeuvre.

Richard Déraps

2003-09-04T18:05:00.000-07:00

L'humour appliqué à des sujets sérieux
septembre 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Des états d’humour plutôt que des états d’âme: voilà ce que veut transmettre Richard Déraps à travers ses illustrations et dessins peuplés de personnages grotesques ou loufoques. Par ses dessins aux couleurs souvent criardes, rehaussés d’objets collés ou juxtaposés tels des clins d’oeil complices, il livre ses commentaires sarcastiques sur divers sujets qui l’intéressent ou le préoccupent.
Des sujets de réflexion, ce professeur en publicité du programme Art et technologie des médias au Cégep de Jonquière n’en manque pas. Et il tient à traiter tous ces thèmes, même les plus graves, sous un angle humoristique. L’humour c’est sa ligne directrice, son point de vue sur l’homme et ses contradictions, sur les drames du monde et les bizarreries de la vie quotidienne. Il pourrait constituer aussi, dans certains cas, une cuirasse, un système de défense contre les aberrations de l’histoire et de la société.
Au Centre des arts et de la culture de Chicoutimi, Richard Déraps nous fait faire le «tour du propriétaire» de cette exposition qu’il y présente jusqu’au 28 septembre. Elle se divise en deux volets: d’une part des affiches promotionnelles du Salon du livre du Saguenay-Lac-Saint-Jean et du concours Lecteur, lectrice de l’année, réalisées entre 1995 et 2001. Dans ce cas, l’effet comique est obtenu en prenant les thèmes au pied de la lettre.

D’autre part, Richard Déraps présente 26 illustrations originales dessinées au cours des dix dernières années, davantage orientées vers le sarcasme et l’humour noir. Plusieurs sont enrichies de collages, d’éléments de décor en trois dimensions, et même de graffiti écrits directement sur le mur de la salle d’exposition. Par exemple, de vrais volants de badminton accompagnent le dessin intitulé «Jésus 16-Judas 3» et de vraies petites lumières de Noël illuminent le dessin intitulé «Nez Rouge».Son «Lancelot zébré» est un chevalier monté sur un zèbre et dont la lance est un crayon. «Le bouton rouge» est bardé d’un système de protection comme ceux que l’on trouve dans les musées. Garantie supplémentaire de sécurité: quatre vraies trappes à souris, fixées aux quatre coins du cadre! Dans «Le petit fume», une main d’adulte secoue la cendre d’une cigarette au-dessus de la tête d’un enfant. «Le Hold-up» se déroule au «Provisouère»: le voleur est un enfant qui ordonne au caissier: «Envoye le cash, un 8/49, deux lunes de miel, pis dis-le pas à ma mère!» Une recette de «rôti de porc avec petates jaune orange», une illustration d’un séjour à Olacher (Old Orchard), une grenouille qui mange des livres: autant d’exemples accrochés par l’artiste à ce fil conducteur essentiel qu’est pour lui l’humour.
Richard Déraps conçoit des personnages bigarrés, bizarroïdes, dotés de membres ou de parties du corps empruntés à d’autres animaux ou à des objets (des héros qui ont des livres à la place de la tête, par exemple, ou cet homme qui allonge une langue d’oiseau pour gober une mouche). Édentés ou au contraire «pleins de dents», nantis de langues rouges et pointues, affublés d’une peau pâle et plissée comme celle d’un poulet déplumé: «Mes bonshommes ne sont pas beaux», reconnaît d’ailleurs volontiers l’artiste, mais selon lui, leur étrangeté même est susceptible de les rendre attachants.
BD et liberté
Le dessin est un espace de liberté dans lequel Richard Déraps laisse libre cours à la créativité. L’idée originale naît souvent d’un mot ou d’une association de mots: le texte écrit, que ce soit le titre ou une inscription sur le dessin même, joue un rôle important, dans sa création comme en publicité. Ensuite, il s’amuse à explorer ce mot, cette idée, au moyen de techniques simples et variées: crayons de bois, de cire, de feutre, pastel, aérographe, collage. Et l’infographie, réservée en général aux retouches.
Ses oeuvres aux couleurs vives et disparates s’apparentent bien entendu à la bande dessinée, dont il est un fidèle lecteur. Il dit avoir été à l’école de «la Rubrique-à-brac», du bédéiste français Marcel Gotlib: «C’est mon type d’humour». Il a beaucoup aimé la revue Croc en son temps, et il apprécie la technique de l’illustrateur Vittorio, qui a conçu notamment le petit personnage vert du festival Juste pour rire. Il admire aussi le style du peintre Arthur Villeneuve, assez proche de la bande dessinée par certains aspects.

Galerie Séquence

2003-08-21T18:12:00.000-07:00

Les 20 ans de Séquence
août 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Curieusement, cette année, beaucoup d’artistes et d’organismes culturels du Saguenay-Lac-Saint-Jean célèbrent leurs 20 ans de carrière ou d’existence. C’est sans doute un signe que l’année 1983 a été particulièrement effervescente dans le domaine de la création. Parmi ces «vingtenaires», Séquence, centre d’artistes qui marque cet anniversaire par une multitude d’événements et de manifestations qui, sous le titre de Trafic’art, durent un mois et demi, jusqu’au 5 octobre.
Gilles Sénéchal, un des fondateurs de Séquence, dont il assume la direction artistique depuis 20 ans, et Lucien Frenette, directeur administratif et associé à Séquence depuis 1985, ont bien voulu nous raconter l’histoire de ce lieu, à la fois galerie, centre de diffusion et de production en art actuel et organisme de soutien aux artistes et à la création.
A l’origine, dans les années 70, un collectif d’artistes de la région s’est formé pour présenter expositions et activités à la maison du Cran, sur la rue Jean-Allard à Jonquière, et a pris le nom de Galerie de l’Arche. Parmi eux, entre autres, Richard Langevin, aujourd’hui conjoint et gérant de Diane Dufresne, qui était alors étudiant au Cégep de Jonquière. Autour de lui, Carol Proulx, Michel Gauthier, Carole Gauthier.
C’était l’époque des premiers collectifs, des rassemblements d’artistes qui prenaient forme un peu partout au Québec. La Galerie de l’Arche a été l’un des premiers centres multidisciplinaires, présentant des activités en musique, poésie, cinéma. Ainsi, le réalisateur Alain Corneau a produit un film sur le symposium international d’art environnemental.
Toutefois, 50% des expositions présentées par la galerie de l’Arche étaient en photographie. Le groupe a donc décidé, pour ainsi dire, de développer la photo, de mettre davantage l’accent sur ce médium qui était la haute technologie de l’époque, souligne Gilles Sénéchal. Il fut donc décidé qu’il y aurait changement de nom et d’orientation, et après mûre réflexion, on a opté pour la galerie Séquence, qui est d’ailleurs toujours le nom officiel du centre. La première exposition fut présentée au CNE en 1983, sous le titre Communiqu’art. On y trouvait entre autres des oeuvres des photographes Gilles Sénéchal, Michel Gauthier, Marcel Cloutier, Paul Cimon. Pendant la première année, Séquence a occupé la petite galerie située dans le hall du Centre national d’exposition, pour ensuite déménager au coin St-Dominique et Jean Allard.
A cette époque, une nouvelle tendance est venue s’ajouter à la tradition socio-documentaire de la photographie: celle de la recherche esthétique et visuelle, et Séquence faisait place aux deux types de pratique, rappelle Gilles Sénéchal. En 1987, Séquence organisait le colloque «Marques et contrastes», autour d’une exposition collective qui réunissait à l’Université du Québec à Chicoutimi une douzaine d’artistes photographes parmi les plus actifs de l’époque. Séquence a par la suite publié les actes de ce colloque, l’un des premiers du genre à se tenir au Canada, et qui fut suivi par de nombreux autres.

Déménagement
Puis en 1988, Séquence quittait Jonquière pour s’installer à Chicoutimi, avenue du Séminaire, au troisième étage de l’ancienne école St-François Xavier. Un très gros changement de lieu, marqué aussi par l’élargissement de la mission, notamment l’intégration à la programmation de la vidéo d’art, qui en était alors à ses premiers balbutiements. Parmi les premiers vidéastes exposants, le Jeannois François Girard, aujourd’hui connu internationalement pour son film «Le Violon rouge».
Ce fut une période d’éclatement de la multidisciplinarité, alors que sculpture, peinture, installation, performance se greffaient à la photographie pour explorer diverses avenues de création.
Malgré la difficulté de faire connaître l’art actuel, et même si, à cause de son emplacement, la galerie était peu accessible au grand public, les gens de Séquence persévéraient, «et les artistes venaient à nous car ils voulaient être diffusés», rappelle Gilles Sénéchal. Quelques expositions à caractère ludique, requérant la participation du public, soulevèrent beaucoup d’intérêt, notamment «Portraitisés», en 1990, où on avait demandé à des personnalités connues de concevoir une présentation pour leur propre photographie.
A cette époque aussi, Séquence a développé d’autres formes de collaboration avec les artistes, assurant par exemple un lien entre eux et la Banque d’oeuvres d’art du conseil des arts du Canada: c’est ainsi que cette dernière, sur la recommandation de Séquence, a acquis le Tapis stressé, de Jean-Jules Soucy, et des oeuvres de quelques autres artistes de la région. Plusieurs projets ont aussi été élaborés en collaboration avec les professeurs et créateurs de l’Université du Québec à Chicoutimi, souligne Lucien Frenette.

Rue Racine
Puis ce fut encore un déménagement, en 1997, dans l’immeuble du 132 Racine est, que la Ville (Chicoutimi) avait acquis et vendu pour un montant symbolique de 1$ à la galerie, qui doit en assurer la gestion et l’aménagement. Désormais plus proche des gens, plus intégrée au tissu urbain, Séquence poursuit sa mission de diffusion de l’art et de soutien aux artistes. Certaines expositions attirent davantage l’attention comme Fauna Secreta, des artistes catalans Joan Fontcuberta et Pere Formiguera, qui a attiré près de 8000 personnes à l’été 1999: un record de fréquentation pour Séquence, dont le but principal n’est pas d’attirer les foules, précise cependant Lucien Frenette.

Galerie Séquence

2003-08-20T18:17:00.000-07:00

Séquence: bien enracinée, mais fragile
août 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Séquence aujourd’hui, c’est donc le résultat de 20 ans de travail de la part de toute une communauté artistique. Soutenu financièrement par le Conseil des arts du Canada et le Conseil des arts et lettres du Québec, le centre administre un budget annuel de 350 000$ à 500 000$, dont les deux tiers vont aux projets, et le reste au fonctionnement. L’immeuble de la rue Racine compte trois salles d’exposition au rez-de-chaussée, et, aux deux autres étages, des bureaux et des salles polyvalentes qui peuvent servir à la production vidéo, à la création, à l’élaboration d’installations et de performances. Trois employés permanents et une vingtaine de collaborateurs occasionnels y travaillent.
Tout cela semble bien beau, mais en fait c’est fragile, car les revenus ne sont jamais garantis d’une année à l’autre, précise le directeur administratif Lucien Frenette.

Par ailleurs, la mission de Séquence demeure exigeante: même si certaines expositions sont plus accessibles et attirent davantage de gens, comme «Fauna secreta», «Portraitisés» et l’exposition sur le thème de l’homme nu, «notre vocation n’est pas de devenir populaires. Les organismes qui nous soutiennent, comme le CALQ et le CAC, nous assignent un créneau bien précis: celui de l’art d’avant-garde et de la recherche», dit le directeur artistique Gilles Sénéchal. Et cela demeure un défi: il faut convaincre les gens, simples curieux ou amateurs d’art, d’ouvrir leur esprit, d’entrer dans l’univers d’un artiste, sans préjugé et sans attente précise.
Pour les années qui viennent, la direction de Séquence poursuivra donc les actions engagées, en mettant l’accent sur quelques points importants. Par exemple le développement d’une meilleure synergie entre la galerie et le milieu régional. «Nous sommes reconnus à l’extérieur, par les ministères et les autres centres d’artistes, mais pas assez dans la région. Les dirigeants, que ce soit les élus municipaux ou les responsables d’organismes socio-économiques, ne saisissent pas toute l’importance de la diversité culturelle dans une région. Ils n’apportent pas beaucoup de soutien et plusieurs artistes s’en vont, dit le directeur, citant comme exemple le départ récent de trois jeunes créateurs prometteurs: Hugo Lachance, Fred Laforge et Stéphan Bernier.
Cette incompréhension déteint sur le public, avec parfois des conséquences graves: «quand le maire tourne en dérision les gestionnaires de la Pulperie en disant que les artistes ne savent pas compter, ça anéantit tous les efforts, tous les progrès accomplis au cours des dernières années par des créateurs et des responsables d’organismes», selon Gilles Sénéchal.
Cette meilleure communication, on cherchera à l’atteindre par les expositions, mais aussi par le développement de la formule de résidence qui permet à un artiste ou à un groupe d’artistes de séjourner dans la ville pour réaliser un projet: ils sont donc ainsi en relation avec le milieu culturel et avec tout le public.
Autre moyen: la réalisation de projets originaux et d’expériences qui mettent le public directement en contact avec la création, par exemple le projet Artbus, où les oeuvres sont placées dans les autobus de la ville, et l’an dernier, les Mille Mémoires, alors que de jeunes artistes ont réalisé des oeuvres et effectué des manoeuvres dans les lieux fréquentés par le public. Publications et projets à long terme, par exemple avec le créateur Rober Racine, sont aussi au programme.
Au point de vue des idées, Séquence continuera à favoriser les artistes qui interrogent le médium, photographique, vidéographique ou autre. Après Trafic’art, la galerie présentera une exposition de l’artiste Raymonde April. Au printemps ou à l’été prochain, la commissaire Nicole Gingras sera invitée à monter «l’exposition des 20 ans», qui mettra en évidence différentes avenues explorées par les artistes d’aujourd’hui.

Carole Desgagnés

2003-05-22T08:01:00.000-07:00

La sculpture des sentiments
mai 2003

par Denise Pelletier

PÉRIBONKA(DP) - Carole Desgagnés a grandi entourée d’oeuvres d’art: ses parents avaient un boutique d’encadrement, sa mère aimait la peinture et achetait des tableaux d’artistes connus. «Il y avait beaucoup de belles choses autour de moi», dit-elle. Il n’est peut-être pas étonnant alors de la retrouver aujourd’hui au Musée Louis-Hémon, où elle présente une exposition de sculptures intitulée «Sentiments dévoilés». Fidèle à ses origines et à ses racines, l’artiste habite encore Dolbeau-Mistassini, sa ville natale: c’est là qu’elle a choisi de vivre et de travailler.
Attirée dès son enfance par les arts visuels, Carole Desgagnés faisait de la peinture et du dessin, mais pas de sculpture même si elle aimait beaucoup aller voir les expositions d’oeuvres de Rodin et de Laliberté. Elle ne pensait pas non plus en faire un métier, mais elle s’est inscrite au certificat en arts visuels à l’UQAC en 1989, pour élargir ses horizons, expérimenter davantage la création.
Dès les premiers cours, elle a été mise en contact avec la sculpture. Et ce fut une véritable révélation. «La sculpture correspondait exactement à ce que je recherchais. Je pouvais enfin faire passer directement au bout de mes doigts tout ce que je ressentais. En peinture, je m’étais toujours sentie limitée, je n’étais jamais satisfaite de mes tableaux, tandis qu’en sculpture, j’exprimais mes émotions de façon concrète, immédiate. Si je pouvais, je ne ferais que ça, du matin au soir».

Un rêve pour cette mère de cinq enfants qui s’est aussi illustrée dans le domaine de l’athlétisme, ayant remporté quelques courses à pied disputées dans la région. Son mari, Denis Bouchard, et trois de ses enfants sont des adeptes de ski de fond et d’athlétisme et participent à des compétitions.
Sa famille respecte d’ailleurs son besoin de solitude. Quand elle travaille dans son atelier, installé dans la boutique de fartage au sous-sol de la maison familiale, elle a besoin de solitude: «parfois ils viennent me voir, me souhaiter bonne nuit ou me dire un mot, mais ils comprennent que j’ai besoin de tranquillité pour créer et ils font ça très discrètement», dit-elle. De même, son conjoint et ses enfants acceptent volontiers ses nombreux déplacements hors de la ville.
Tout en continuant à s’occuper de sa famille, et aussi de la garderie en milieu familial qui lui permet de gagner sa vie, elle a donc complété son certificat par les soirs, suivant les cours qui se donnaient à Dolbeau et à Alma.
Ayant découvert que la sculpture était son moyen d’expression, et encouragée dans cette voie par son professeur Ronald Thibert, Carole Desgagnés a décidé d’aller plus loin dans cette voie. Après l’obtention de son certificat en 1993, elle a effectué un stage intensif auprès du sculpteur Daniel Beauchamp, de Québec. Le directeur de la galerie d’art la Marée montante, à l’île d’Orléans, l’a «adoptée»: il vend ses oeuvres à la galerie et il est aussi son agent. L’agent est une personne essentielle quand on vit dans une région éloignée et qu’on n’est pas encore très connu dans le milieu de l’art. C’est lui qui permet à Carole Desgagnés de participer à quelques symposiums chaque année, dans diverses régions du Québec. Trois ou quatre, pas plus, il faut éviter la saturation et la surproduction. Et surtout respecter son propre rythme, dit l’artiste.
Ce parcours explique sans doute pourquoi elle est plus connue à l’extérieur de la région qu’ici même, où pourtant elle a participé à des expositions de groupes et remporté des prix, notamment deux prix de sculpture au Concours régional des arts visuels en 1996.
Carole Desgagnés a d’abord sculpté le plâtre, puis elle est passée à la céramique, dans laquelle elle a réalisé les 22 pièces qu’elle présente au musée Louis-Hémon jusqu’au 30 juin, dans ce qui constitue sa première véritable exposition solo. Celle-là, elle voulait la présenter dans sa région, et dans une galerie d’art reconnue.
Presque toutes ses pièces représentent des personnages, et surtout des groupes. Son inspiration lui vient de sources très variées: elle a toujours avec elle un calepin dans lequel elle prend des notes inspirées par tout ce qu’elle voit et entend: un mouvement, un mot, une phrase, un refrain entendu à la radio, ou encore la forme des nuages. Des idées qui ensuite s’incarnent tout naturellement dans des formes humaines auxquelles l’artiste confère des attitudes évocatrices. Le titre de chaque sculpture fait référence à l’idée qui lui a donné naissance. Ainsi, l’oeuvre intitulée «la Douleur» montre quatre formes féminines qui semblent pleurer et se consoler. Dans «l’Indifférence», on peut voir un couple dont les bustes s’éloignent dans un mouvement apparemment violent, alors que le bas de leur corps est rapproché. «La Vie» représente les têtes d’une mère et d’un enfant, «le Reboiseur» est penché vers la terre, «la Chaîne de la paix» est représentée par six personnages et pas moins de 13 personnages de tailles variées sont regroupés dans la sculpture intitulée «la Société». «Les Passionnés» représente un groupe de musiciens tenant leurs instruments et «Tendres émotions» une mère et ses enfants.
Chaque sculpture est accompagnée d’un texte écrit par l’artiste: «quand la pièce est terminée, je la range pendant quelque temps, puis je la reprends et j’écris quelques lignes, quelque chose qui n’est pas dans l’oeuvre, mais que je vois comme un complément», explique-t-elle. En revanche, elle ne sculpte jamais les traits des visages: c’est un espace qu’elle laisse à l’imagination de celui qui regarde la sculpture.
Quelques oeuvres sont de taille plus petite, presque des miniatures, et quelques autres représentent des animaux, des canards par exemple. De plus, il y avait une pièce en aluminium, intitulée Solidarité, elle n’y est plus, cependant, ayant été acquise par ... Alcan!

Carole Desgagnés

2003-05-21T08:07:00.000-07:00

Toute la terre au bout des doigts
mai 2003

par Denise Pelletier

PÉRIBONKA(DP) - Sculpter avec les mains: c’est un véritable plaisir pour Carole Desgagnés, qui modèle toutes ses pièces avec ses mains et ses doigts, se servant d’outils à l’occasion pour ajouter quelques détails. Ce contact direct entre le corps et l’oeuvre lui procure des sensations extraordinaires.
La technique est assez simple: modelage en argile des pièces à l’intérieur desquelles elle insère des cônes de papier pour les conserver creuses. Puis c’est la cuisson et la finition, soit l’application d’une patine, là encore avec les doigts, qui donne à toutes ses pièces l’aspect du bronze.
Cette patine représente une transition entre les sculptures déjà réalisées et l’étape suivante que veut franchir Carole Desgagnés, soit la création de pièces coulées en bronze. Le travail de base ne sera pas tellement différent de celui qu’elle connaît, puisque les pièces devront là encore être réalisée d’abord en argile. Il faudra ensuite les envoyer dans une fonderie, soit la fonderie d’art d’Inverness, où des spécialistes réaliseront des moules en élastomère où seront coulées les pièces en bronze, à raison de huit à 12 exemplaires de chaque pièce, après quoi le moule sera détruit.
L’artiste ne croit pas cependant que cette nouvelle technique l’amènera à modifier son style, ses sujets, ni ses sources d’inspiration: «je suis reconnue dans ce style-là, c’est moi, ça me ressemble, et je crois qu’il faut continuer ainsi, dit-elle.
Il faut beaucoup de patience et de persévérance pour faire son chemin comme artiste, et Carole Desgagnés n’en manque pas. Elle éprouve toujours le feu sacré pour la sculpture, elle se sent le goût et la force de continuer. «De plus en plus», précise-t-elle. Et cela même si le parcours doit s’effectuer lentement: «mon agent me dit d’aller doucement, de ne pas me forcer à produire, afin d’acquérir une base solide». Et la réputation se construit peu à peu, par la participation aux symposiums, l’inscription au Catalogue des artistes canadiens en galerie, et l’acquisition de ses oeuvres, en galerie, par des gens qui viennent de partout, entre autres des États-Unis et d’Europe. Plusieurs d’entre eux laissent un petit mot à l’intention de l’artiste: elle constate alors qu’il y a eu un contact, un échange de pensées et d’émotions, ce qui est à la fois touchant et stimulant.
Actuellement et jusqu’à l’ouverture de la saison estivale vers la mi-juin, le musée Louis-Hémon est ouvert au public en semaine seulement, soit du lundi au vendredi de 9h à 16h. Mais il sera exceptionnellement ouvert le samedi 1er juin de 14h à 16h: Carole Desgagnés sera alors sur place pour accueillir les visiteurs désireux de voir son exposition «Sentiments dévoilés», en cours jusqu’au 30 juin.

Freda Guttman

2003-05-12T09:49:00.000-07:00

Réfléchir (sur) les dérives du monde
mai 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Images déformées, reconstruites, réfléchies: le visiteur qui entre à la galerie Séquence pour voir l’exposition de Freda Guttman, intitulée «Notes from the 20th» et présentée jusqu’au 8 juin, est aussitôt saisi du besoin de regarder. De regarder ces disques qui tournent autour de cylindres, et finalement les cylindres eux-mêmes car c’est sur leur surface réfléchissante qu’il est finalement possible de discerner les images que veut transmettre l’artiste, d’origine juive, qui vit et travaille à Montréal.
Les images photographiques placées sur les plateaux tournants ont été déformées, étirées dans tous les sens dirait-on par un procédé appelé anamorphose: si on les regarde directement, on ne peut pas vraiment voir ce qu’elles représentent. Il faut plutôt observer leur reflet dans le cylindre et on constate alors que ces images montrant par exemple Hitler avec des jeunes, illustrent la montée du fascisme.

D’autres éléments que ces «tables tournantes» font également partie de l’installation de Freda Guttman. Entre autres un élément qui faisait partie d’une autre installation de Freda Guttman, intitulée «Cassandre: un opéra enquatre actes», et présentée à Séquence il y a quelques années, soit un film noir et blanc au rythme saccadé et irrégulier projeté sur le mur: sans paroles, il est très émouvant justement par l’ampleur du non-dit qui s’en dégage, et auquel on accède en observant attentivement les images.
Deux enfants de huit à dix ans courent vers un homme, très certainement leur père. Vêtements et coiffures indiquent que c’est une famille juive. Le père ouvre les bras, accueille d’abord la fillette, puis repousse celle-ci pour entourer le garçon de ses bras. La scène est reprise quelques fois, sous un angle différent qui permet de percevoir comment la petite fille (Freda Guttman elle-même) a pu vivre cet épisode, se sentir rejetée au profit du frère, exclue du monde des hommes, rejetée on ne sait dans quel abîme psychique.
Quand on connaît les travaux menés par Freda Guttman depuis une trentaine d’années on comprend que cet événement a probablement constitué un épisode fondateur de son existence: c’est à partir de celui-ci qu’elle a érigé sa compréhension du monde. Sentant le besoin de la partager, elle l’a explorée et exprimée à travers la création artistique.
Compréhension fondée sur le travail de la mémoire, qui consiste en l’occurrence à associer étroitement les références autobiographiques et personnelles et les données historiques (guerre, holocauste, fascisme, racisme) auxquelles la relie cet épisode. Celui-ci a certes été à l’origine des prises de position dont elle fait état dans ses propos et dans son travail, en faveur de la paix et du féminisme, contre l’exclusion sociale par exemple.
Dans un cabinet au fond de la première salle reposent des objets en porcelaine blanche, que l’on prend d’abord pour des ossements humains, mais qui, vus de près, se révèlent être des représentations de bras de phonographes, évoquant aussi les becs de douche par lesquels étaient envoyés les gaz mortels dans les camps de concentration. Quelques photos et une autre installation regroupant des images découpées en triangles et également déformées, complètent l’exposition.
Intéressante à plus d’un titre, celle-ci se présente comme le résultat d’un travail artistique et esthétique réalisé sur une matière émotionnelle et personnelle. Ainsi, le visiteur accède à l’intimité d’une artiste, d’une femme, d’un être humain qui lui fait partager sa démarche de recherche, d’exploration et d’appropriation des origines.

Yves Tremblay

2003-02-27T05:07:00.000-08:00

Objets récupérés assemblés en réseaux
février 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Truffé d’allégories, de métaphores, de glissements de sens, le discours d’Yves Tremblay ressemble à son Estacade, où sont à l’oeuvre des courants dont la force soulève parfois la surface et laisse entrevoir l’énorme pression à laquelle est soumis l’ensemble.
Cette Estacade, c’est le titre de l’installation qu’il présente à Espace virtuel jusqu’au 14 mars, est constituée d’un grand nombre d’éléments identiques qui convergent ou s’opposent selon la direction d’où on la regarde. Ces éléments ce sont des mandrins, ces tubes creux qui supportent les rouleaux de papier, dans l’industrie: ils ne servaient plus à rien, il y en avait 2500, on les lui a offerts. Tout de suite, Yves Tremblay y a vu ... y a vu des tas de choses. Cellules, molécules, unités appartenant à une plantation, à une société, à tout organisme qui est à la fois la somme - et plus que la somme - de ses parties.
Et il s’est mis à jouer avec tout ça, d’abord dans son atelier chez TouTTout, puis sur place, dans la galerie, se tenant à l’extérieur de la ceinture de l’estacade pour en déplacer les éléments avec un grand bâton, tel un draveur poussant ses «pitounes». C’est l’image qu’y a vue Christine Martel, auteure en résidence qui écrit des textes en s’inspirant du travail d’Yves Tremblay.

L’estacade forme donc un champ posé par terre, à la fois plat et en trois dimensions, dont les mandrins, tels des électrons libres, semblent s’attirer ou se repousser mutuellement, créant des courants, des pressions, qui, à la manière d’une ébullition, provoquent quelques soulèvements de la surface. Quelques-uns de ces mandrins, qui ressemblent à de petites rondelles creuses et moulées, sont recouverts d’une rondelle plate qui sert de bouchon. Un manche de pelle émerge quelque part de cette surface, laissant entrevoir par un jeu de reflets ce qu’il y a au-dessous: profondeurs obscures agitées de mouvements mystérieux et peut-être inquiétants.
Et le long du mur, un ensemble de baguettes de bois qui appartenaient à l’origine à ces appareils d’exercice au mur installés dans les gymnases: posées à la verticale, elles supportent chacune l’extrémité d’une tige de métal courbée dans diverses directions. Yves Tremblay y voit un système d’écriture, comme un ensemble de plumes ou crayons dont on attend qu’ils forment des mots, ou encore comme les aiguilles d’un sismographe témoignant des mouvements de l’oeuvre ou de l’âme.
«Un système blond et paresseux»: telle est l’une des descriptions que donne l’artiste de son installation. Des trames et des lignes se dessinent, et, par le jeu de l’éclairage, sont ou non perceptibles selon le point de vue de celui qui regarde, ce qui fait de la présence physique du visiteur, et de l’interaction entre celui-ci et l’oeuvre, un élément important de l’exposition.
À l’entrée de la salle, une petite installation appelée «dépôt d’armes»: des bocaux dans lesquels plongent des pièces qui ressemblent à des fusils ou à des couteaux, mais qui sont en réalité des éléments métalliques de grilles de chauffage, le tout est recouvert de corde tricotée formant un filet. C’est un «ensemble cheap», c’est flou, on ne sait pas à prime abord ce que c’est, si ce sont vraiment des armes, dit Yves Tremblay.
C’est en donnant des pistes d’interprétation de son oeuvre que l’artiste se manifeste comme partie prenante du monde où il vit, comme un homme sensibilisé aux questions d’environnement, de politique, de choix de société. Son Estacade, comme plusieurs autres installations qu’il a réalisées au cours des années, c’est l’absurde érigé en système, un phénomène présent sous diverses formes dans la société actuelle.
L’homme a tendance à produire des systèmes complexes et sophistiqués dans lesquels il se piège lui-même, selon lui, qui en donne pour exemple la question du clonage. La propagande, prenant la forme d’un savant enrobage médiatique, issu d’articles scientifiques, photos, témoignages, veut faire croire que le clonage est un projet, une expérience nécessaire et utile. Mais quand on examine bien la question, on s’aperçoit que le clonage n’a et ne peut avoir à peu près aucune utilité réelle pour l’homme. La dynamique qui active tout le débat est donc très pauvre: «c’est gros bête et idiot, comme cette Estacade», dit-il.
Inertie politique à Saguenay
Bien qu’il n’ait rien perdu de sa passion pour l’art, Yves Tremblay déplore la situation actuelle de la culture à Saguenay. «Les gens font semblant de comprendre et de prendre des décisions, mais ça traîne en longueur. Il n’y a pas de volonté politique de faire bouger les choses, et pourtant les artistes, les organismes ont besoin d’aide pour produire et se développer».
«Le public et même les décideurs ont une vision folklorique et médiatique de la culture, c’est devenu une mono-culture, on parle toujours des mêmes événements, des vedettes, c’est un truc à argent qui marque un appauvrissement des idées et de la créativité», dit-t-il. Il a d’ailleurs sous-titré son installation «Art/Gens».

Yves Tremblay

2003-02-26T05:13:00.000-08:00

Neige usée: le début d'un riche parcours
février 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Depuis plus de 20 ans, Yves Tremblay est présent et actif dans le paysage saguenéen de l’art visuel. Ses études en art au Cégep puis à l’UQAC témoignent de ce goût quasi inné qu’il avait de produire des images. Il a commencé par le dessin, au Cégep, pour se diriger ensuite vers la sculpture, à l’université. Pendant ses études universitaires, il a pris conscience des rapports entre l’oeuvre et l’espace et il s’est intéressé à l’idée d’habiter celui-ci: dessiner l’espace plutôt que d’y installer des dessins, en somme.
C’est à l’occasion du Symposium de sculpture environnementale de 1980 au Saguenay, dont il avait, avec Jean-Jules Soucy, conçu la signalétique, qu’il a commencé à analyser le rôle de l’artiste. Ses réflexions l’ont conduit à relever un défi: vivre de son art dans sa région natale, le Saguenay.
Décision dans laquelle il a été conforté à l’occasion de sa première véritable oeuvre publique: il avait sculpté, en lettres géantes, les mots «Neige Usée» sur les dépôts de neige usée accumulés sur la zone portuaire de Chicoutimi.

Ce travail, réalisé en collaboration avec Guy Blackburn, avec lequel il avait fondé le groupe Insertion, a provoqué de vives discussions et une remise en question parmi les responsables municipaux et dans le public. Les gens furent sensibilisés à l’incohérence de cette pratique consistant à édifier des monuments de laideur et de saleté qui donnaient au «front de mer» de Chicoutimi des allures de dépotoir.
«Ça bougeait et ça bouillonnait à l’époque dans le milieu culturel saguenéen et ce projet nous a donné confiance, nous a montré qu’on pouvait être des artistes professionnels et avoir une certaine influence dans notre milieu», dit-il.
Après une première exposition solo en 1985, «L’atelier courbe» à Langage plus, Yves Tremblay a poursuivi son travail, et réalisé, au fil des années, des installations en utilisant souvent des matériaux de récupération industriels ou d’usage quotidien, explorant sans relâche les rapports entre la culture et la société, entre l’artiste et son milieu, posant des questions sur l’art, son rôle, sa nature.
Parmi ses nombreuses réalisations, on peut citer «Éléphant blanc» à Langage plus, «Plafond d’administration» à la galerie Le Lieu de Québec, «Abri de fortune» au Lobe, «Bagages de main» à Sopot en Pologne, «Jachère» à Marseille.
Des projets individuels, mais aussi plusieurs oeuvres collectives réalisés d’abord avec le groupe Insertion, puis avec TouTTout. Yves Tremblay trouve important de travailler avec d’autres artistes, et le regroupement des ateliers TouTTout, avec des artistes de tout âge et de diverses tendances, lui semble particulièrement stimulant: «c’est bon de voir que nous, les plus anciens, représentons quelque chose pour les artistes de la relève», dit-il. Il participe ainsi au projet Autour de la légèreté, qui permet aux artistes de TouTTout de produire des oeuvres et installations dans plusieurs villes et de recevoir les artistes de l’extérieur.

Ane-Marie Fortin

2003-02-13T07:55:00.000-08:00

La puissance narrative des objets
février 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Des objets blancs ou roses, des formes rondes, gonflées, des surfaces douces: tout cela évoque les courbes du corps féminin, la matrice, le sein.
Et pourtant, ce n’était pas du tout la thématique choisie par Ane-Marie Fortin: «je n’avais pas vu cet aspect, je l’ai découvert après coup en regardant mes oeuvres», dit l’artiste à propos de l’exposition qu’elle présente à la galerie l’Oeuvre de l’autre jusqu’au 27 février. Preuve que des forces insconscientes sont à l’oeuvre dans tout processus de création.
Son propos était plutôt de réaliser un «détournement d’objets», en s’intéressant à leur aspect formel et en évacuant totalement leur aspect utilitaire.
C’est bien d’ailleurs ce qu’elle a fait et le résultat, cette exposition intitulée «À l’insu des objets», est à la fois original, fascinant et esthétiquement séduisant. Ses objets de base: un lavabo, des gobelets, des ballons (ballounes) gonflés ou non. Ils ont servi de supports (présents ou non dans l’oeuvre finale) pour des moulages en plâtre ou en cire, résultat d’un véritable processus de transformation, de redéfinition et de détournement.
«C’est l’aspect formel des objets qui m’inspire», souligne l’artiste, qui met en valeur leur plasticité et leur potentiel esthétique. Elle travaille sur les contrastes et les contraires: négatif et positif, plein et creux, endroit et envers, traités par la répétition et les séries qui deviennent des oeuvres accrochées au mur, disposées par terre ou suspendues par des fils.

Ainsi, quelques centaines de gobelets de forme conique sont insérés dans une série de cadres fixés au mur pour constituer une sorte de mosaïque: on les voit du dessus, par l’ouverture. Par terre, une deuxième série montre le bout pointu d’autres verres du même type, dont les pointes sont de couleur orange.
Orange aussi les bouts (mais ce sont des ballons en réalité) de quelques tiges de bois fixées au mur, auxquelles sont suspendus des ballons non gonflés, ou plutôt des moulages de ballons non gonflés. Cela occupe presque tout un mur, certains ballons sont suspendus à ces tiges, d’autres sont couchés par terre et empilés tête-bêche.
L’artiste a aussi fixé sur un plan vertical des hauts de ballons qui, avec leur bout noué, font inévitablement penser à des seins, comme en écho à l’oeuvre placée à l’entrée de la galerie, qui aligne des ventouses de débouche-tuyaux colorées en rouge, rose chair et orange. Il y a aussi de gros «oeufs» tout blancs et creux comme des vases, posés nonchalamment sur le flanc.
L’oeuvre la plus fascinante est une série de neuf lavabos (moulés à partir du thermoformage d’un vrai lavabo) accrochés au mur: du drain de chacun d’eux sort une forme (en pulpe de papier) qui devient de plus en plus volumineuse du premier au dernier lavabo. Elle semble enfler et gonfler comme un pain qui lève pour occuper complètement la dernière cuvette.
Toutes ces séries n’ont pas l’uniformité des objets usinés: imperfections et irrégularités, dans la fabrication ou la disposition, indiquent que la «chaîne de montage» est de nature artistique, mue par un élan créateur qui traite chaque pièce comme un élément unique, sans rien à voir avec la fabrication industrielle.
Native de Québec, Ane-Marie Fortin a d’abord complété un bac en art à l’Université de Montréal, puis elle a travaillé un an en France. «Cela m’a permis de prendre du recul face à mon art, et j’ai voulu ensuite travailler dans un contexte différent de ceux que j’avais connus», dit-elle. D’où l’idée de s’installer à Chicoutimi pendant deux ans pour y faire sa maîtrise. Elle a consacré beaucoup de temps à la réalisation de ce superbe travail, effectué dans le cadre de sa maîtrise en arts à l’UQAC. Après quoi elle retourne à Montréal, où elle compte produire, faire connaître son travail, et éventuellement entreprendre des études de doctorat.

Lucie Lapointe

2003-01-09T17:53:00.000-08:00

Traduire la vie en couleurs
janvier 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Petite fille, Lucie Lapointe dessinait tout le temps. Elle «barbouillait» ses cahiers de classe et toutes les feuilles de papier qui lui tombaient sous la main. Elle était l’élève «bonne en dessin» à qui on demandait régulièrement d’illustrer les travaux et présentations scolaires.
Pas étonnant donc qu’elle soit aujourd’hui artiste peintre. Ni qu’elle y puise bonheur, joie, réconfort. «J’adore la peinture, c’est une vraie passion», dit cette artiste lors d’une rencontre qui a lieu dans sa maison de l’arrondissement Jonquière. Ce qu’elle veut faire à travers ses toiles, c’est traduire en couleurs la beauté de la vie. Et cette beauté, elle la trouve surtout chez les enfants, ceux qu’elle voit aujourd’hui et ceux de ses souvenirs. Des enfants qui jouent, un bébé avec sa mère, deux petits avec leur père, tout cela émerveille celle qui se qualifie de «mère poule avancée». Elle aime observer longuement de telles scènes quand elle en trouve sur sa route.
Les couleurs vibrantes de ses toiles, la juxtaposition de teintes chaudes et froides, réalisées par coups de pinceau amples et tout en courbes, expriment cette passion. Ainsi que le choix de ses sujets: ses scènes se passent exclusivement à l’extérieur, il
y a presque toujours des enfants, parfois des adultes, évoqués dans des activités de tous les jours: jeux, glissades, courses, parcours vers l’école, promenades. Et dans des postures et attitudes qui suggèrent discrètement l’existence de liens affectifs entre les uns et les autres. La pêche blanche, le ski, la balançoire, le patin, le vélo, la promenade en forêt, peuvent devenir sujets selon les saisons de l’année.
Banales en elles-mêmes, ces activités prennent des couleurs, une vie, une lumineuse intensité grâce au regard de Lucie Lapointe, qui, en travaillant sur sa toile, cherche à transmettre l’émotion qu’elle éprouve au cours de ses observations.
Elle ne recherche surtout pas, cependant, la reproduction exacte et réaliste des éléments observés: elle réorganise les paysages, y plantant des arbres et des maisons à son gré, y installant les personnages de son choix, issus de son imagination, de sa mémoire, de son émotion. Ses maisons colorées et fantaisistes, aux murs souples et aux angles adoucis, pourraient facilement illustrer des contes pour enfants.
Elle ne donne pas de traits aux visages, représentés par une surface de couleur chair. Cela permet aux gens d’y imaginer les traits de leur choix, et quand quelqu’un lui dit qu’il se reconnaît ou qu’il reconnaît son entourage dans une toile, «c’est ma plus belle récompense», dit-elle.
Dans son atelier, elle décroche complètement du monde extérieur: «je suis dans un autre univers, je pense seulement à transmettre un monde ludique, un monde de beauté», dit-elle. Elle veut faire saisir la beauté intérieure de ses personnages, qui respirent la joie de vivre, la sérénité et l’amour. Même la pluie est joyeuse chez Lucie Lapointe, que l’on ne verra jamais peindre des scènes de chasse, des tableaux dramatiques, ni quoi que ce soit qui évoque le mal physique ou moral, la mort.
Cet atelier, minuscule mais fonctionnel, est doté de tout l’équipement nécessaire: couleurs, chevalet, toiles, oeuvres déjà réalisées. Et un ordinateur, outil essentiel qui intervient en aval et en amont de son travail de peintre.
Elle promène sa caméra numérique dans les paysages et les lieux qui l’intéressent, qui l’attirent. La semaine précédant notre rencontre, par exemple, elle avait pris d’innombrables photos à Sainte-Rose-du Nord. Ces clichés remplacent avantageusement les croquis qu’elle faisait autrefois, car elles lui permettent d’augmenter le nombre de prises de vues susceptibles de l’inspirer, mais son travail de peinture, lui, n’a pas changé.
Très organisée, l’artiste s’impose un horaire régulier: elle peint le matin et l’après-midi, du lundi au vendredi, s’accordant des congés les fins de semaine, et pendant de courtes périodes aux Fêtes et à l’été. Et quand elle se rend dans son atelier, l’atmosphère est différente selon les jours: «parfois, je sais exactement ce que je vais peindre, et à d’autres moments, je commence sans trop savoir où je m’en vais».
Sortir
Si elle aime beaucoup peindre en atelier, Lucie Lapointe sait qu’elle a aussi besoin de «sortir» pour des activités qui lui permettent de rencontrer d’autres peintres, et aussi son «public». Membre du regroupement les artistes de la Maestria, elle participe à trois ou quatre symposiums par année, aussi bien au Saguenay-Lac-Saint-Jean qu’à l’extérieur de la région. L’an passé, elle était présidente d’honneur du symposium de Danville, près d’Asbestos et de celui de l’Ascension. Elle a été invitée aux symposiums de Shawinigan et d’Anse Saint-Jean, au Festival de la Montgolfière du Saguenay-Lac-Saint-Jean, et à celui de Challenge Saguenay, entre autres événements.
Lucie Lapointe peint à l’acrylique depuis l’an dernier. Elle utilisait l’huile jusque-là, mais elle a été victime de la toxicité du médium. Obligée d’y renoncer, elle s’en trouve plutôt heureuse aujourd’hui. «J’ai eu une petite période d’adaptation, car l’approche est différente, mais j’aime la transparence de l’acrylique, la profondeur qui s’en dégage. Je suis en lune de miel avec mon médium», dit-elle, ajoutant qu’elle ne reviendrait pas à l’huile, même si elle le pouvait.

Lucie Lapointe

2003-01-08T17:57:00.000-08:00

Attendre sagement son heure
janvier 2003

par Denise Pelletier

(DP) - Quand elle avait sept ans, Lucie Lapointe a visité l’atelier d’un artiste peintre avec ses parents, et ce fut une véritable révélation. Fortement impressionnée, elle a compris qu’elle voulait elle aussi faire cela, créer des images colorées qui «parlent» à ceux qui les regardent. Tous ces dessins qu’elle faisait quasi machinalement depuis des années allaient lui servir, enfin.
Cependant, elle a sagement attendu son heure, tout en continuant à dessiner chaque fois qu’elle en avait l’occasion. L’heure est venue ... en plusieurs étapes. D’abord à 19 ans, pendant une courte période où elle s’est retrouvée sans travail: elle est allée acheter des toiles et des tubes de couleurs et a peint pendant deux mois. Ce qui a confirmé son goût et sa passion pour la peinture.
Mais ensuite, elle a décidé de remettre à plus son projet de devenir peintre. Elle a travaillé un peu, puis elle s’est occupée de ses enfants. Dès qu’ils furent à l’école, elle a recommencé à peindre, cette fois plus sérieusement: pendant quatre ans, elle s’est formée. Elle a suivi quelques ateliers avec Jean-Paul Lapointe et Marcel Fecteau, et pour le reste, elle y est allée avec sa sensibilité, d’abord à tâtons, puis,
l’expérience venant, avec de plus en plus d’assurance. Elle s’est présentée à la foire des artistes Alcan: elle n’a pas gagné de prix la première année, mais elle a récidivé et remporté des prix lors d’éditions subséquentes de cette manifestation, et Alcan lui a commandé l’illustration de ses cartes de Noël pendant six ans. Peu à peu, les événements, expositions, récompenses s’accumulent.
Elle est représentée aujourd’hui dans une demi-douzaine de galeries. Une de ses oeuvres était reproduite sur les cartes de Noël de la Banque Nationale en 2002, tirées à plus de 100 000 exemplaires. Et pour Noël 2003, elle illustrera une carte de souhaits de l’UNICEF, ce qui représente un grand nombre d’exemplaires (elle ne sait pas combien) distribués à travers le monde. Elle a aussi une oeuvre dans le calendrier 2003 de la galerie Jeanine Blais, et dans l’agenda Utilis.
Une caractéristique très originale de Lucie Lapointe: elle accepte les commandes pour des «portraits de famille». Parfois elle visite la famille en question, mais pas toujours: le client lui explique ce qu’il veut sur la toile en lui énumérant les personnages, enfants, parents, grands-parents et autres, l’activité ou les activités dans lesquelles on voudrait les voir évoluer. A partir de là l’artiste, guidée par son inspiration, imagine la scène, compose l’image et réalise le tableau. «Les gens sont toujours très satisfaits, certains sont même très émus en découvrant ma toile», dit-elle.
Très intéressée par l’ordinateur (elle a d’ailleurs déjà travaillé dans un service informatique), Lucie Lapointe se sert de cet outil pour à peu près tout: elle y transmet ses photos numériques, des photos de ses oeuvres, tout son courrier, les modèles de contrats et de reçus, bref c’est un outil essentiel pour elle.
Au cours de l’année dernière, elle a entre autres créé son propre site Internet, que l’on trouve à www.lucielapointe.com. «Je l’ai fait par les soirs, dans mes temps libres, cela m’a pris quatre mois parce que je n’avais pas d’expérience, mais j’ai beaucoup aimé ce travail», dit-elle. Elle y a placé divers renseignements: description de son parcours, de ses choix esthétiques, ainsi que ses coordonnées et des photographies de ses oeuvres. Résultat: on la contacte de partout, de France notamment: la négociation et la signature du contrat d’achat se déroulent parfois entièrement par courriel.

Nathalie Maranda

2002-12-04T05:33:00.000-08:00

L'art pour dénoncer la barbarie
décembre 2002

par Denise Pelletier

(DP) - L'installation que présente Nathalie Maranda au Centre national d'exposition jusqu'au 26 janvier, intitulée «L'arrache-coeur», apparaît à prime abord comme un ensemble comprenant deux immenses mosaïques accrochées aux murs, de chaque côté d'un couloir dans lequel le visiteur doit entrer pour voir ce qui s'y trouve.
A première vue, l'objet ou le sujet traité par l'artiste dans ces quelque 300 petits tableaux de bois, de cuir, de papier aux teintes sombres, entourés de cadres métalliques et répartis en deux groupes, n'apparaît pas clairement. On distingue des fragments colorés, des taches, des froissements, des pigments, des creux et des soulèvements. Mais la constance de la forme apparaissant au centre de chaque tableau finit par s'imposer: ce sont indéniablement des représentations ou évocations du sexe féminin.
Et c'est bien là le propos de l'artiste, qui veut, comme l'indiquent les textes accompagnant l'exposition, témoigner des mutilations sexuelles dont ont été victimes jusqu'à maintenant 120 millions de femmes à travers le monde. Rituels destinés à préserver la virginité des filles, l'excision et l'infibulation touchent chaque année plus de deux millions de femmes. Chaque jour, dit-on, 6000 fillettes et jeunes filles subissent ces coutumes barbares.

Symbolique
Cependant, l'évocation de ces pratiques dans l'oeuvre de Nathalie Maranda n'a rien de choquant: tout est traité de façon symbolique, totalement transfiguré par une
pratique artistique qui fait aussi référence à la richesse symbolique et au pouvoir de fécondation du corps féminin. Ce qui aura peut-être pour effet de rendre le visiteur plus réceptif au message que ne l'auraient fait des images violentes et réalistes, par exemple.
Les deux mosaïques, placées sur deux murs se faisant face, sont faites de petits tableaux carrés réalisés à l'aide de bois et de papier, de coups de crayons ou de pinceau aux teintes sombres ayant souvent des reflets métalliques qui pourraient évoquer la peau, ses différents états et ses couleurs possibles. Au milieu de chaque image est piquée une épingle.
Au centre de la salle, un long couloir aux murs recouverts de rouge et d'or a été construit de toutes pièces: on y entre comme dans un sombre monastère, traversant la pénombre pour arriver devant une installation éclairée obliquement. Des papillons colorés, 1500 dit-on, sont épinglés sur le mur du fond ou sur le sol, évoquant «ces femmes charcutées au fil du temps». Un petit ventilateur fait discrètement palpiter les ailes de certains d'entre eux, comme s'ils étaient encore vivants. La construction est fort belle esthétiquement, d'ailleurs.
Véritable mémorial, «L'arrache-coeur» de Nathalie Maranda est une oeuvre à voir, qui plaît à l'oeil et qui fait réfléchir sur les turpitudes de l'humanité. L'artiste de Montréal explore depuis dix ans les multiples facettes de l'être humain dans un rapport de complémentarité. Orientée vers l'abstraction, sa démarche artistique affiche par ailleurs une préoccupation constante pour le corps.

Daniel Dutil

2002-10-10T18:42:00.000-07:00

La deuxième vie des pierres
octobre 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Reprendre une exposition, 25 ans plus tard: c'est une occasion qui se présente rarement aux créateurs en arts visuels. Et c'est une des raisons pour lesquelles Daniel Dutil se réjouit d'avoir pu, pendant l'été et jusqu'à aujourd'hui, faire un tel exercice à la Pulperie.
La direction de la Pulperie et le conservateur Alayn Ouellet lui ont en effet proposé de présenter à nouveau l'installation «Pierres», qu'il avait créée en 1976 à l'UQAC. Il l'a fait en y apportant les modifications entraînées par le lieu d'exposition et aussi par les développements de la technologie, nous explique-t-il lors d'une rencontre dans l'édifice 1921 de La Pulperie, sur les lieux de l'installation.
Il a d'abord rebaptisé son oeuvre «Remind/Re-wind, Réflexion sur Pierre», allusion au temps passé et à l'aller-retour temporel que représente l'exercice. L'installation comprend des photos qui furent prises près du pavillon de l'Université du Québec à Chicoutimi, qui venait juste d'ouvrir ses portes, dans le stationnement qui n'était pas encore pavé. Le photographe avait dirigé son objectif vers le sol, et les photos montrent des parcelles de cette surface, étroitement cadrées. Sur un fond de pierre concassée, on peut apercevoir des traces laissées par les humains ou par la nature: touffe d'herbe, emballages de cigarettes (l'un de marque Caporal) ou de gomme à mâcher (Juicy Fruit), morceaux de tissu, canette en métal, aile de bicyclette, coquillage. Elles sont posées par terre, sur de la pierre concassées dans laquelle le visiteur marche, en séries de carreaux juxtaposés.
«C'était une oeuvre charnière pour moi, parce que c’était la première fois que je quittais la photo traditionnelle pour intégrer d'autres médiums, pour occuper davantage l’espace et introduire la notion d’interactivité dans mon travail», dit Daniel Dutil. Celui-ci a d'ailleurs réalisé une autre installation in situ lors de la première réouverture de la Pulperie, en 1996, ouverture qui fut vite suivie d'une fermeture ... pour cause de déluge.

Le mouvement dans l'oeuvre était à l'époque assuré par des projecteurs, mais en 2002, cette tâche est confiée à quatre caméras vidéo qui captent les mouvements des visiteurs parcourant l'espace de l'exposition et les diffusent en temps réel sur quatre écrans posés à plat dans un boîtier. On doit donc se pencher au-dessus des images pour les voir, doublant ainsi la contre-plongée réalisée par le photographe pour les capter.
La projection devient l'élément interactif de l'installation: le spectateur se fond dans l'oeuvre, il est intégré, tissé dans le sol qu'il est en train de fouler, comme les objets sont devenus peu à peu partie intégrante de la pierre, souligne Daniel Dutil. Selon lui, les nombreux visiteurs qui sont passés à la Pulperie au cours de l'été ont très bien réagi à cette installation. Ils ont accepté de se prêter au jeu, certains l'ont fait rapidement et se sont contentés de quelques pas dans la pierre concassée, d'autres se sont attardés plus longuement, effectuant des expériences pour vérifier comment les différents mouvements étaient captés et reproduits. «Ce n'est pas comme de regarder un tableau dans une exposition, on devient partie de l'oeuvre», dit Daniel Dutil, et le message est perçu différemment selon les personnes qui le reçoivent. Il a pu constater que l'oeuvre prend vraiment vie quand les visiteurs sont nombreux: une dizaine de personnes qui bougent, marchent, qui parlent aussi, ajoutant le son à l'image: de quoi réveiller les vieilles pierres!
L'oeuvre a bien vieilli, constate Daniel dutil, qui a utilisé les mêmes négatifs qu'il y a 25 ans, prenant soin toutefois de numériser les photos. Le propos semble encore pertinent et l’exposition pourrait même circuler ailleurs au Québec. L’exposition sert aussi à montrer que déjà il y a 25 ans, l’art contemporain existait dans la région. C'était le début d’une pratique qui s'est considérablement développée, à travers une série d'actions et de propositions présentées par Daniel Dutil et par d’autres artistes, de telle sorte qu’aujourd'hui le public, bien plus fréquemment mis en contact avec l'art contemporain, est à même de le comprendre mieux.
Daniel Dutil fait partie de ce groupe de créateurs qui ont choisi de vivre et de créer en région. Peut-être qu’à Montréal ou dans les grands centres, les artistes peuvent avoir plus de visibilité, être présents davantage dans les médias, mais ce n’est pas ce qu’il recherche. Entre l'enseignement des arts au Cégep de Chicoutimi, la réalisation d’installations, d’expositions photographiques, et d'oeuvres permanentes dans le cadre du programme du un pour cent, il se dit parfaitement heureux.
Toujours très intéressé par le développement de l'art, il s’occupe entre autres activement de la galerie Séquence, à titre de président du Conseil d’administration.

Nicolas de La Sablonnière

2002-10-10T05:39:00.000-07:00

Chaque toile est une aventure unique
octobre 2002

par Denise Pelletier

(DP) - De la Sablonnière: le nom semble familier aux gens du Saguenay, où cette famille est nombreuse. L'un des membres de cette famille, Nicolas de son prénom, est peintre. Il a déjà participé à une exposition collective dans son Saguenay natal, exposé à quelques reprises à Montréal où il vit maintenant, mais c'est la première fois qu'il présente une exposition solo dans sa région. Cela se passe au Côté-Cour de Jonquière, l'exposition est une présentation de Médium: marge, collectif qui s'est donné comme objectif de soutenir et de diffuser le travail des artistes de la relève.
Après avoir exploré et étudié divers moyens d'expression artistique, incluant le cinéma, Nicolas de La Sablonnière en a conclu que c'était la peinture et rien d'autre qui l'intéressait. La peinture à l'huile, précise-t-il lors d'un entretien sur les lieux mêmes de l'exposition. C'est cette discipline et ce médium qui lui permettent le mieux d'exprimer ce qu'il a à dire. «Mon sujet c'est l'être humain, mais j'évite de m'attacher à une thématique», dit-il en présentant la vingtaine de toiles accrochées aux murs du Côté-Cour, qui, en effet, abordent des sujets fort variés.
Peindre une toile, pour lui, c'est comme se jeter dans le feu: «je pars à la recherche de ce qui se passe à l'intérieur de moi-même et je laisse arriver les choses, sans m'imposer aucune contrainte», explique-t-il. Ses toiles sont parsemées d'éléments symboliques, qu'il combine volontiers avec des images réalistes.
Il choisit les couleurs, habituellement nombreuses et vives, qui s'agencent avec les différents éléments de la toile, là encore de façon instinctive. Chaque toile représente une aventure différente, unique, elle peut être terminée en 10 heures ou en 200 heures, selon sa taille et son sujet.
Nicolas de la Sablonnière a étudié en art mais, «déçu de l'école», il a préféré créer sa propre méthode et acquérir une discipline personnelle qui lui permettra éventuellement de vivre de son art. Il a aussi inventé sa propre technique, en fonction de ses besoins, et c'est un aspect du travail tout à fait intéressant, selon lui: c'est stimulant de constater que l'expérience et l'expérimentation lui apportent des compétences dont il peut ensuite se servir en toute bonne conscience, puisque cela lui appartient en propre.
Si l'avenir est pour lui indissociable de la peinture, il envisage des façons originales de la présenter, différentes de la traditionnelle exposition en galerie. Il a dans ses cartons un projet qu'il partagera avec Sébastien Bouchard, un peintre du Lac-Saint-Jean auquel il s'est associé. Le duo porte le nom de Fatrasie, mot qui désignait au Moyen Age une pièce de vers satiriques caractérisée par l'incohérence de la pensée ou du langage. Le nom a été choisi par les deux artistes pour ses affinités avec leurs créations baroques, tragiques et comiques.
Le projet consiste à monter une exposition qui sera d'abord montrée dans une galerie de Québec, puis installée dans une caravane à bord de laquelle les deux artistes sillonneront le Québec. Ils s'installeront dans différentes villes et inviteront le public à se rendre dans leur salle d'exposition itinérante.

Styles
Présentées en différents formats, les toiles de Nicolas de la Sablonnière sont tributaires de quelques styles différents. Réalisme et couleurs unifiées dans des portraits, comme «Le pêcheur», «Gene Zireff» et «Lesslyid Divass». Surréalisme par l'éclatement des couleurs, et le fourmillement d'objets qui s'entremêlent et se superposent dans «Le salami, la mouche et le champignon», «Le karnaval de Tanzanie» ou «Le chant du siège» entre autres. La manière est cubiste à tendance symboliste, imprégnée de traits hérités de la tradition classique québécoise. L'exposition se poursuit jusqu'au 28 octobre.

Daniel Dutil

2002-10-09T18:43:00.000-07:00

Un parcours le long du Saguenay
octobre 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Saguenéen d’adoption, Daniel Dutil n’a nullement l’intention de quitter la région une fois la retraite venue. Partir de chez lui, à Jonquière, pour se rendre à Chicoutimi en longeant le boulevard Saguenay, observer les différentes variations de la lumière (son matériau de base après tout) sur le Saguenay selon l’heure, le jour, le temps ou le vent qu’il fait, il s’y est habitué et pourrait difficilement s’en passer.
Il a découvert la photographie quand un professeur du secondaire lui a mis une caméra entre les mains et donné quelques conseils pour réaliser des images. Le temps du collégial venu, il a décidé de quitter son Lac Saguay natal pour s'inscrire au nouveau cours de technologie des communications, l'ancêtre du programme d'Art et technologie des médias, qui venait d'être ouvert au Cégep de Jonquière. C'était il y a 30 ans: il a pris l’autobus pour Jonquière, où il n'avait jamais mis les pieds. Il voulait bien sûr développer ses connaissances en photo. Il a suivi notamment des cours donnés par Hans Kreber, qui a été son guide et son mentor. C'était la photo d’illustration publicitaire qui l'attirait alors.
Il a d’ailleurs travaillé un temps pour le publicitaire Claude Cossette, à Québec. Il a été animateur culturel au CNE, puis il s'est inscrit au Baccalauréat en enseignement des Arts Plastiques à l'UQAC, où il a aussi fait une maîtrise quelques années plus tard.
«J'ai eu beaucoup de contacts avec diverses formes d’art, et d’échanges avec des créateurs, et ma vision de la photo a commencé à changer. J’ai eu envie de la développer dans l’espace, d’explorer d’autres dimensions, d’intégrer la vidéo et la sculpture à mes créations». Et c’est ainsi qu'est née sa première installation: «Pierres», en 1976.
Il a été l'année suivante engagé comme professeur au Département des Arts du Cégep de Chicoutimi, où il enseigne toujours. Il a été aussi pendant plusieurs années chargé de cours en photographie et sculpture à l'UQAC et demeure fort actif dans le milieu de l'enseignement des arts collégial et universitaire. Le contact avec les étudiants est important: il lui permet d’équilibrer deux aspects de sa pratique, création et enseignement. «Les étudiants nous font progresser, c’est comme une formation continue», dit-il.
Depuis 25 ans, Daniel Dutil a offert une dizaine d'installations et d'expositions individuelles, et participé à près de 50 expositions collectives, dans la région et à l'extérieur. Il a aussi réalisé une quinzaine d'oeuvres publiques extérieures ou intégrées à des bâtiments ou à des sites. On lui doit par exemple la sculpture et verrière «Aire de transit lumière-matière», au Centre National d'exposition. Ainsi que d'autres sculptures murales ou verrières, entre autres à l'École Ste-Monique, à la bibliothèque de St-Félicien, au pavillon Wilbrod-Dufour d'Alma, à l'école St-Laurent de Jonquière et à l'école des Jolis-Prés de Laterrière. Et il a d'autres projets en tête.
Très actif dans le milieu de l'art régional, Daniel Dutil a participé à nombre d'activités d'intervention sociale et culturelle, à titre de concepteur et d'initiateur ou encore comme membre d'organisations, de galeries et pour la réalisation de divers projets collectifs.

Jérôme Bouchard

2002-08-21T18:54:00.000-07:00

Des images pour Baie-Saint-Paul
août 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Régulièrement depuis 20 ans, des artistes saguenéens et jeannois participent au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, dont le directeur artistique est l'artiste et professeur d'art saguenéen Paul Lussier. C'est encore le cas cette année, alors que Jérôme Bouchard y est présent comme artiste sélectionné, et que Bruno Tremblay est l’un des artistes invités. En entrevue à nos bureaux, les deux créateurs nous expliquent la démarche qu’ils accomplissent pendant l’événement, commencé le 2 août et qui doit se terminer le 2 septembre.
(...)
Le parcours de Jérôme Bouchard est totalement différent puisqu’il se destinait d’abord ... à la musique. Il a remporté le concours Cégep Rock avec son groupe, les Messagers alunés du Cégep d’Alma, et c'est d'abord pour la musique que ce Félicinois d'origine est allé s’établir à Montréal, après avoir obtenu son diplôme en Art et technologies informatisées du Cégep d'Alma. Ses quelques incursions dans le domaine des arts visuels lui ont valu une certaine reconnaissance, notamment le prix Jeune artiste de la Biennale du dessin, de l'estampe et du papier matière du Québec, à Alma en 2001.
Deux semaines avant le début du Symposium, il s’est promené dans la ville de Baie St-Paul afin d’y recueillir des photos pour constituer une banque d'images. Plusieurs photos entre autres, d’une religieuse âgée, ce qui confère, selon lui, un côté mythique à son travail, puis d'autres personnes et des objets du quotidien. Sur place pendant le symposium, il numérise ses images et les transfère sur des toiles où il effectue des interventions picturales. Il crée des scènes d'ambiance en mettant un corps en relation avec des objets, de façon à faire ressortir la complexité de leurs rapports, à changer le regard et la perspective.
Tout comme celui de Bruno Tremblay, son travail fait appel à une certaine interaction entre lui et le milieu, par les photos d'origine, et aussi par le traitement et l'intégration des tensions pouvant surgir à la faveur des échanges avec les visiteurs.

Jérôme Bouchard termine actuellement un bac en arts visuels à l'Université de Montréal et compte ensuite produire beaucoup en atelier. Attiré aussi par la bande dessinée, il n'a pas pour autant délaissé la musique, la composition et l'échantillonnage et il a mis en chantier un projet de disque.
Les deux créateurs, dont le travail repose en bonne partie sur la notion de série, s'accordent pour dire que dans un événement comme celui de Baie Saint-Paul, qui doit se terminer le 2 septembre, il est impossible de tout prévoir: les artistes soumettent un projet, une proposition de travail, mais sur place, tout peut changer: on ne peut pas tout prévoir et il faut rester ouvert, disent-il. Ils estiment aussi que la présentation, pendant l'été à Baie St-Paul, de l'exposition «Le miroir aux alouettes», regroupant des oeuvres des 13 artistes du Symposium, est une initiative fort louable, qui permet aux visiteurs de mieux apprécier leur rencontre avec les artistes.

Bruno Tremblay

2002-08-21T18:49:00.000-07:00

Symposium de Baie-Saint-Paul: une invitation stimulante
août 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Régulièrement depuis 20 ans, des artistes saguenéens et jeannois participent au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, dont le directeur artistique est l'artiste et professeur d'art saguenéen Paul Lussier. C'est encore le cas cette année, alors que Jérôme Bouchard y est présent comme artiste sélectionné, et que Bruno Tremblay est l’un des artistes invités. En entrevue à nos bureaux, les deux créateurs nous expliquent la démarche qu’ils accomplissent pendant l’événement, commencé le 2 août et qui doit se terminer le 2 septembre.
Bruno Tremblay, peintre de formation, utilise maintenant la photo pour constituer le matériau de base de son travail. Il photographie les visiteurs qui acceptent de se prêter au jeu en se plaçant derrière un écran spécial, technique qui permettra de ne conserver qu'une ombre, une silhouette, une ligne évoquant un profil. Avec ces formes, qu'il place, déplace, juxtapose, superpose, il réalise des montages d'images en noir et blanc plutôt abstraites.
Il les imprime et les plonge ensuite dans l’encaustique, une technique qui caractérise son travail depuis quelques années déjà. «J’utilise un papier mat spécial qui peut boire la cire, ce qui permet d'obtenir des effets brillants et translucides», dit-il, expliquant qu’il cherche à proposer un questionnement sur les médiums et sur l'espace, assorti d'un propos humaniste.
Par ailleurs, travailler au Symposium de Baie St-Paul constitue une expérience tout à fait intéressante pour lui comme pour les autres créateurs: «les visiteurs sont nombreux, et quand j'aurais le goût de travailler seul en atelier plutôt que de leur parler, j'essaie d'intégrer à mon travail la tension suscitée par ce «désir», dit Bruno Tremblay, qui augmente le niveau d’interaction en demandant aux passants de lui «prêter» leur silhouette.
Natif de La Baie, Bruno Tremblay a terminé sa maîtrise en arts plastique à l’UQAC, puis s'est établi à Montréal. L'an dernier, il obtenait une bourse du CALQ pour une résidence d’artiste à Bâle, en Suisse. Il a exposé le travail effectué pendant cette période à la galerie Séquence au printemps dernier, sous le titre Entre temps, puis décidé de retourner à Bâle, pour y poursuivre notamment une collaboration avec l’artiste Philipp Gasser, continuer à travailler en atelier, rechercher des moyens pour diffuser son travail, et produire en s’inspirant peut-être de l’expérience esthétique et artistique vécue à Baie St-Paul.

Roberto Pellegrinuzzi

2002-07-04T05:54:00.000-07:00

Quand le visage devient paysage
juillet 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Roberto Pellegrinuzzi a installé ses oeuvres photographiques à la galerie Séquence pour l'été. Cet artiste québécois reconnu internationalement explore depuis plusieurs années la technique, le discours et le sujet photographiques, qu'il réunit dans une vision poétique originale.
Parmi les quelques volets de son travail présentés dans les trois salles de la galerie, le plus frappant est la série «Les écorchés», notamment les deux montages représentant des visages en très, très gros plan. Chaque image a été réalisée à partir de 63 négatifs différents captés en direct en déplaçant légèrement l'objectif sur le visage de ses sujets, Claire et Pierre.
Ce déplacement a été fait de la façon la plus fluide possible, mais les mouvements de la caméra et des sujets, inévitables étant donné le long temps requis pour réaliser les photos, se retrouvent dans les raccords imparfaits entre les images et deviennent partie intégrante de l'oeuvre. Ce qui confère au travail, présenté sous forme d'impression numérique réalisée à partir des négatifs, une dimension humaine: l'exposition en extrême gros plan de chaque détail de ces deux visages met en lumière la fragilité, celle de l'artiste et celle des sujets.
Le visage de chacun de ceux-ci devient ainsi une sorte de paysage que l'on parcourt des yeux, détaillant, comme s'il s'agissait de montagnes, de vallées ou d'arbres,
le nez, les joues, le front, les lèvres. Poils et cheveux semblent plantés comme des arbres tandis que la peau traversée de sillons évoque un sol infertile et poreux.
D'autant plus «paysages» que les yeux des modèles sont fermés, et qu'il n'y a donc aucune possibilité de communication par le regard: ce regard ne va que dans un seul sens, du spectateur à la photo ... et c'est l'artiste qui en a décidé ainsi! La même série comprend aussi des photos partielles de visages: un oeil, ouvert cette fois, ou une bouche, toujours présentés en gros plans révélateurs de dimensions inconnues.

Inversion
Dans la série «Migration», le photographe explore la notion de l'inversion en nous proposant, toujours par le biais de l'impression numérique, des images par séquences de deux, où l'une est inverse de l'autre, dans la forme, la position, ou la couleur. Têtes qui se «font face» par le sommet, mains dont on voit la paume dans un cas, et le dos dans l'autre.
La migration d'une image à son contraire est indiquée par de multiples points colorés qui émaillent chaque photo ainsi que l'espace qui va de l'une à l'autre, tel un chemin tracé par l'artiste qui signe ainsi son travail à l'intention du spectateur.
La visite de cette exposition, présentée jusqu'au 25 août, constitue une excellente occasion de découvrir le travail d'un créateur sensible et original, qui imprime sa marque dans le courant actuel de la photographie québécoise. Le texte de Véronique Villeneuve que l'on trouve dans le livret d'accompagnement permet par ailleurs au visiteur de situer les oeuvres qu'il voit à Séquence dans le contexte plus général du travail de l'artiste.
Roberto Pellegrinuzzi est né à Montréal en 1958 et vit aujourd'hui à St-Jean-Port-Joli et à Montréal. Il a vécu pendant quelques années à Alma, au Lac-Saint-Jean. Il a exposé en solo entre autres à Athènes, à Rome, à Paris, à Toronto et à Montréal et participé à de nombreuses expositions collectives dans différents pays du monde.

Natasha Hébert

2002-05-23T18:01:00.000-07:00

Des femmes, des rencontres, sources de création
mai 2002

(DP) - L'exposition Amazonas Urbanas, de Natasha Hébert, comprend d'abord plusieurs grandes toiles accrochées au mur, et, au mur également, une série de sculptures réalisées à partir de bois de grève. Au fond de la salle, deux grandes voiles blanches triangulaires vont du plafond au plancher, surplombant un quai central formé de plates-formes de bois qui supportent différents objets.
Cette structure centrale évoque indéniablement le processus, le travail, les étapes qui mènent à la réalisation des oeuvres: on y trouve, posées comme au hasard et sans ordre défini, des photos abstraites portant divers motifs, deux grandes toiles non encadrées dont le bord supérieur est replié, qui évoquent, en deux séries de teintes, les amazones de Barcelone présentes au mur, une autre toile toute froissée. Et différents matériaux éparpillés, bouts de tuyaux, morceaux de plâtre et de métal, que l'artiste a récupérés en fouillant dans les poubelles du CNE (bien garnies en cette période de travaux de construction) quelque temps avant le vernissage.

L'exposition se présente donc comme un grand récit peuplé de petits récits. Ces récits se lisent dans les toiles à l'acrylique intégrant des éléments photographiques: chacune d'elles a été inspirée par une femme, amie ou étrangère avec qui il y a eu une brève rencontre, un voyage, une amitié, explique Natasha Hébert en entrevue.
Un trajet en voiture donne «Dans les yeux de la Mercedes»: Mercedes, c'est donc une voiture, et aussi une péruvienne qui vit à Barcelone, avec laquelle l'artiste a fait un voyage en voiture. Le périple lui a inspiré l'idée de deux femmes «jouant à Thelma et Louise», et, sur la toile, un visage en gros plan, yeux et bouche occupés par des photos de pare-brise et de verre brisé.
«Il pleuvait sur Bruxelles» lui a été inspirée par une femme, Carole, qui visitait régulièrement à l'hôpital sa mère atteinte du cancer: l'artiste a laissé la peinture couler sur la toile, comme la pluie, et la couleur de certaines de ces coulées évoque celle du chocolat ... belge.
Natasha Hébert a aussi représenté Nicole, une femme de Rivière-du-Loup, sous les traits d'une «sirène dans sa robe de poisson»: la robe en question, longue et moulante, est réalisée avec un collage de photos d'étalages de poissonniers. Il faudrait aussi parler de son «Amazone à bottes sur fond d'extase», qui laisse entrevoir les éléments d'une grande botte aux tons cuivrés se détachant sur des formes ovoïdes de couleur pastel, et de «Kate la sorcière d'Oxford dans son maillot prada»: où le texte raconte l'histoire d'une femme qui transporte ses vêtements et objets griffés dans un sac de plastique blanc, histoire de ne pas attirer les regards, ni l'attention d'éventuels voleurs. La «joggeuse vénitienne sur plaques d'humidité» est une très belle composition aux couleurs complexes d'où se dégage une atmosphère étrange, mystérieuse, inquiétante.
Deux paires de souliers à hauts talons posées sur des socles, tapissées de motifs photographiques et décorées de carreaux de céramique et de morceaux de verre, sont aussi des sculptures à leur façon. La paire rouge est baptisée «Chaussures de ville pour amazone urbaine», et la bleue, dont les bords sont garnis de chaînes de vélo, «Chaussures sport pour amazone urbaine»: mais on n'imagine personne courant avec de telles chaussures au pied! Clin d'oeil, irruption de l'humour, qui n'est absent ni des oeuvres ni des textes de cette exposition.
Humour également dans la série de cornes, petites sculptures accrochées au mur: pour «corne branchée pour soirée interminable», le bois de grève sort d'un morceau de disque vinyle surmonté d'un disque laser. une longue branche passe entre entre deux plus courtes pour former le «tricorne amoureux», et dans «corne pour taureaux d'intérieur», la double corne est aplatie, recouverte de motifs de céramique turquoise et fixée sur le goulot cassé d'une bouteille.

Natasha Hébert

2002-05-23T17:56:00.000-07:00

Errances urbaines et photomontage
mai 2002

par Denise Pelletier

(DP) - De ses voyages, errances et rencontres dans les grandes cités du monde et dans les petites villes du Québec, Natasha Hébert rapporte des «amazones urbaines». Elle les a d'ailleurs installées en quelque sorte dans son alma mater, le Centre national d'exposition où, quand elle était jeune, elle a suivi des cours de musique et d'arts plastiques. C'est aussi là qu'elle a vu sa première exposition en art contemporain.
«Le centre culturel a joué un rôle important dans mes choix de vie, explique l'artiste née à Arvida, qui présente donc au CNE pendant tout l'été une exposition-installation intitulée «Amazonas urbanas».
Mais qui est donc Natasha Hébert, cette jeune artiste qui a vécu et voyagé dans les grandes villes du monde? Nous le lui avons tout simplement demandé, lors d'une entrevue réalisée sur les lieux même de son exposition.
Sensibilisée depuis son enfance à la création artistique et attirée par ce domaine, elle a étudié en arts au Cégep, puis en histoire de l'art à l'Université Laval. Elle s'est ensuite installée à Rivière-du-Loup, où elle a dirigé le centre culturel, et enseigné les arts au Cégep pendant quatre ans.
Mais il y a trois ans, elle en a eu assez de cette petite vie tranquille, qui semblait vouée à l'accumulation d'objets et de possessions. Elle a donné, vendu, bradé, réduit tous ses avoirs au contenu d'une petite valise, où d'ailleurs l'objet le plus important est un appareil photo, et elle est partie, comme ça.

Sans plan précis, elle voulait faire des rencontres, des recherches qui éventuellement alimenteraient sa création artistique. Elle a séjourné un an en Belgique, et deux ans à Barcelone, la capitale catalane. Elle a pris des photos, des notes, écrit des textes. Visitant des expositions, des ateliers, des manifestations en arts visuels, rencontrant des artistes, elle a pu gagner sa vie en rédigeant des articles pour des publications, surtout québécoises, spécialisées en arts.

Amazones
Pour trouver ses amazones urbaines, Natasha Hébert marche dans les rues des villes: elle rencontre des gens, leur fait raconter leur histoire, prend des photos, et même des empreintes comme elle l'a fait à Barcelone. Elle a en effet étendu des toiles directement sur certaines parties de rues et de trottoirs, recueillant par impression les motifs quadrillés ou en losange qui les constituent, qu'elle a ensuite intégrés à certaines toiles.
Arriver dans une grande ville et y établir des contacts, ce n'est pas évident, mais Natasha Hébert est devenue spécialiste en la matière: que la ville soit grande ou petite, le système est partout le même, il y a la gare, le centre, les transports en commun. «Comme je voulais absolument travailler, je n'avais pas le choix de parler aux gens», dit-elle. Et c'est fou ce qu'ils ont à raconter, les gens. Des anecdotes, des aventures, des vies entières, grands drames ou épisodes cocasses, des histoires brèves ou interminables d'amour, de haine, de passion. Natasha Hébert écoute, répond, laisse agir son imagination, y ajoute ses propres réflexions ou idées, et voilà une matière riche et foisonnante qui sera à la source d'oeuvres diverses.
Elle a passé l'hiver dernier à Montréal, où elle a travaillé en atelier à partir des photos rapportées de ses voyages pour produire l'exposition «Amazonas urbanas». Toutes ces oeuvres constituent un jeu sur les sens, mélangeant les allusions, les connotations, les éléments qui rappellent une ville, une femme ou un type de femme, une histoire, des idées, une philosophie, et surtout une vision particulière, explique Natasha Hébert. Les femmes sont vues comme des guerrières modernes, ayant chacune un caractère: agressif, tendre, craintif, audacieux. «Mujeres como ciudades», des femmes comme des villes, a-t-elle inscrit sur la toile présentée à l'entrée de la salle.

Projets
Elle n'est pas l'artiste d'un seul médium. Le photomontage était nouveau pour elle, elle a écrit des textes pour accompagner ses toiles, mais elle compte bientôt publier un livre, lui aussi inspiré par ses rencontres urbaines, qu'elle va intituler «Chroniques d'une amazone urbaine»: c'est à cela qu'elle compte travailler pendant l'été qui vient.
Pour l'art pictural, elle envisage d'explorer dans une prochaine étape les intérieurs urbains, plutôt que les espaces extérieurs: des chambres, des lieux fermés. Il y a déjà plusieurs éléments abstraits dans ses toiles, mais ils occuperont encore davantage d'espace dans ses oeuvres futures: «l'abstrait s'en vient», dit-elle, ajoutant qu'elle compte aussi dans quelque temps aborder le travail à l'huile.
On termine l'entretien en parlant de New York, le sujet de l'une de ses toiles dominée par des tons de bleu pâle et tendre. «Privée de ses tours phalliques, New York féminisée s'éveille et s'étire au premier matin», a écrit Natasha Hébert, qui a visité la ville quelque temps après le 11 septembre. «New York est très proche du Québec mais on ne s'en rend pas compte. C'est une ville qui nous appartient, on la nourrit également: il suffirait de s'ouvrir un peu l'esprit et les échanges pourraient être très riches», croit-elle.

Julie Doucet

2002-04-25T19:06:00.000-07:00

Des collages qui dérangent
avril 2002

par Denise Pelletier

(DP) - Julie Doucet, c’est peut-être un nom qui ne dit rien, même à ceux qui se prétendent branchés en arts visuels, et pourtant, à sa manière c’est une star. Celle qui expose actuellement (jusqu’au 4 mai) à la galerie Le Lobe est en effet une célébrité dans le monde de la bande dessinée en Europe et au Québec.
Mais une bande dessinée qui est à des années-lumière de Charlie Brown, de Tintin et des Schtroumpfs: c’est trash, glauque, choquant, porno et dérangeant. Qu’il suffise de mentionner les titres de ses oeuvres les plus célèbres: «Dirty Plotte» et «Ciboire de Criss!», publiés l’un en anglais à Montréal, l'autre en France.
Mais ce n'est pas ce type de travail qu’elle présente au Lobe, voilà pourquoi nous pouvons en parler dans les pages de votre hebdomadaire dominical ... et familial. Cette exposition marque une rupture de l'artiste avec l’univers des comics, afin de vivre autre chose, d'explorer une autre forme d’art.
Si elle s’est déjà frottée à l’estampe, Julie Doucet aborde ici pour la première fois de façon officielle l’univers du collage. Pendant sa résidence, elle s’est d’abord procuré des journaux, catalogues, livres datant des années 60 et 70, dans les marchés aux puces et autres boutiques trouvées au Saguenay. Puis elle a découpé, associé des éléments figuratifs tels corps féminins, parties d’édifices ou de paysages urbains. Elle a aussi découpé et rassemblé par collage tous les textes qui accompagnent ses images.

Ses compositions s'articulent autour de poitrines et de troncs de femmes, seins nus à l'occasion mais le plus souvent emprisonnés dans des corsets, soutien-gorge, jupons et maillots contraignants et imposants. Les corps se détachent sur fonds urbains, édifices, parterres, constructions diverses, représentés une échelle différente. Ce trompe-l’oeil par collision d'échelles met en lumière l'aspect factice de l'univers évoqué. L'ensemble offre la vision féministe et critique d’un lieu et d'une époque - l'Amérique des années 50, 60, 70 - où les rôles, féminin et masculin, étaient définis par des impératifs sociaux et moraux complètement déconnectés des aspirations, des sentiments et des désirs réels des individus.
Le visiteur ne s’y trompe pas: si l’univers évoqué par les collages de Julie Doucet est ancien, il perdure aujourd’hui dans plusieurs aspects de la vie, et c’est à cela que l'artiste fait toucher, en mélangeant habilement corps féminins, édifices, imagerie reliée aux vêtements, à la mode, aux soins du corps, à la médecine, à la publicité, au sexe. De tout cela émane une ironie grinçante et délirante, confirmée en amplifiée par les descriptions textuelles associées aux images. Par exemple, dans une série consacrée à la «mode», les textes, associés à des images de vêtements ridicules ou improbables, se lisent ainsi: «chapeau kangourou en hip slip orange clair», «pantalon chien moulant à carreaux marron et beige», ou encore «polo crapaud japonais avec un frou-frou en cuir beige».
L'exposition comprend aussi une installation: un assemblage de dés à jouer réalisés à partir de boîtes de carton découpées et assemblées, sur lesquelles l'artiste a posé des pastilles contenant des textes.
Sarcastique, impertinente, poétique et délirante, la vision du monde de Julie Doucet a quelque chose de rafraîchissant et de vrai. Mentionnons qu’on peut voir aussi à la galerie des exemplaires de bandes dessinées et livres publiés par l'artiste. Même s’il s’agit d’éditions limitées et confidentielles, on peut les trouver à Saguenay, à la boutique spécialisée jiix!, située sur la rue Racine à Chicoutimi.

Jean-Philippe Lemay

2002-03-20T19:00:00.000-08:00

Procédé ancien, contenu moderne
mars 2002

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Jean-Philippe Lemay fait appel aux procédés les plus anciens de la photographie pour évoquer des paysages urbains et des espaces occupés par l'architecture moderne. Pour celui qui regarde, le contraste entre la technique et le sujet crée un point d'intérêt, dessine un espace de fascination qui suscite la réflexion. D'ailleurs le titre même de l'exposition, «Procédé et perception», présentée par Jean-Philippe Lemay à la galerie Séquence jusqu'au 7 avril, met immédiatement le visiteur sur la piste.
Il propose donc des photographies, en séries de deux ou trois la plupart du temps, aux teintes sépia et offrant des images déformées, comme si on les voyait à travers des verres grossissants. Les images ont été captées dans les rues ou environs de Montréal, on peut à l'occasion y reconnaître un édifice, ou une rue, le magasin Archambault ou les locaux de l'Office national du film, par exemple.
Dans plusieurs cas, la série comprend une photographie imprimée sur une longue bande horizontale, où la représentation est assez fidèle, associée à deux photos plus petites, de forme circulaire souvent. Celles-ci reprennent des détails de la plus grande, mais déformés, grossis, dédoublés ou inversés, intégrant quelques espaces noirs, tels des points aveugles, véritables angles morts entre procédé et perception.
Pour obtenir et traiter ces images, Jean-Philippe Lemay a fabriqué lui-même ses appareils en fonction du résultat recherché (distorsion, diffusion, inversion), selon le principe de la camera obscura, une simple boîte noire avec une petite ouverture qui laisse passer un rayon de lumière pointant vers un support sensible. Celui-ci est en l'occurrence une émulsion liquide, le Van Dyke Brown, posée sur un papier chiffon, ce qui donne aux images leur teinte sépia et cette lumière diffuse qui laisse les contours flous.
Tout ceci apparente le travail du photographe à celui d'un sculpteur, sculpteur de caméras qui à leur tour sculptent les images, comme dans un retour - ou recours - au contact direct entre la matière et le créateur. Celui-ci, considéré comme un jeune artiste émergent, sent donc le besoin d'explorer (peut-être d'abord, avant de passer à autre chose) la base même de son art, et de se colleter avec les mêmes difficultés qu'ont connues les pionniers de la photo. Tout en y apportant les idées et les concepts d'aujourd'hui, qui confèrent à son travail une optique moderne, même s'il ignore délibérément l'ordinateur et les procédés de traitement numérique qui permettent de trafiquer les images.
«Procédé et perception » est donc une exposition intéressante à la fois par la démarche de l'artiste et par les résultats obtenus. Jean-Philippe Lemay vit à Lanoraie et travaille à Montréal. Bachelier en arts visuels à l'UQAM en 1999, il recevait en 2001 le prix Artiste de la relève lors du concours Grands Prix Desjardins de la culture de Lanaudière. Il a déjà présenté quelques expositions solo et participé à plusieurs expositions collectives.

Nathalie Derome

2002-03-01T18:10:00.000-08:00

Toucher à tout, y compris à l'art visuel
mars 2002

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Artiste multidisciplinaire, parolière et chanteuse, comédienne, performeuse, poète: on aurait pu croire que Nathalie Derome avait abordé toutes les disciplines.
Toutes? Non, elle n’avait pas encore travaillé en arts visuels. Elle a bien fabriqué des objets, patenté des instruments, utilisé des bidules en tous genres pour ses performances, mais travailler en galerie, pendant quelques semaines, afin de réaliser une installation, elle ne l'avait pas encore fait.
Et c’est à Chicoutimi, plus précisément à la galerie Le Lobe que s’est réalisée cette première pour Nathalie Derome, qui termine aujourd'hui une résidence de création de quelques semaines. Quand nous l'avons rencontrée il y a quelques jours, presque tout ce qu'elle avait construit et aménagé dans la galerie avait été enlevé pour faire place au cabaret du festival Regard sur la relève du cinéma québécois au Saguenay, qui se tient là chaque soir depuis jeudi.
Cette disparition ne semblait pas trop affecter l’artiste qui avait eu cependant le temps de présenter une performance dans l'espace qu’elle avait aménagé. Elle trouvait tout aussi intéressant de parler de cette installation, de la raconter, que de prolonger la vie de ses créations.

Installation
Elle a cependant pris contact, pendant son séjour au Lobe, avec la pratique en arts visuels, notamment en discutant avec les artistes des ateliers TouttouT qui vivent et travaillent sur place. «Avoir du temps, un espace pour créer, imaginer des oeuvres dans la durée, c'était nouveau pour moi», dit-elle.
Elle avait construit son installation en aménageant, dans cet espace tout blanc, des zones à l'aide de matériel trouvé sur place: photos, livres, papier, crayons. Elle a collé au mur de petits papiers sur lesquels elle avait écrit de courtes histoires. Disposé des lampes, des feuilles, des fils, des cordes, et autres objets hétéroclites de façon à leur donner un sens. Garni un fauteuil de papier métallique.
Les quelques rares traces de son travail demeurées intactes ont été intégrées à l'aménagement du cabaret, mais ce n’est pas encore cette fois que Nathalie Derome va créer une oeuvre durable: l’éphémère n’a rien perdu de la fascination qu’il exerce sur elle.

Musique ce soir
Et tout cela se termine ce soir par une autre performance, musicale celle-là, que donne Nathalie Derome avec deux musiciens, Maryse Poulin et Olivier Tardif. Ne pas s'attendre à un récital de chansons: il y aura de la création sonore sur des instruments inventés et bricolés, des styles connus comme le rock et la ballade, ou inconnus et inventés. Des pièces très courtes, d’autres plus longues, des faciles, des songées, du comique, du punk, du jazz, du prosaïque et du poétique. Bref, encore une fois, cela risque de ne ressembler à rien de connu. C’est présenté ce soir à 23h, dans le cadre des soirées cabaret du Festival Regard sur la relève du cinéma québécois au Saguenay.
Dès son enfance, puis tout au long de ses études en théâtre, Nathalie Derome contestait les contraintes du théâtre traditionnel. «Je n'aimais pas ces personnages figés, ces castings qui confinent les femmes à certains types de rôles, j’ai toujours voulu briser les cadres, non pas simplement pour critiquer, mais montrer qu’on peut faire autre chose».

Inclassable
Elle a, donc, fait autre chose, des trucs marginaux, underground, qui ont cependant trouvé peu à peu leur voie et leur public. Nathalie Derome est aujourd’hui connue et respectée, du moins dans le monde de l'art actuel québécois et étranger, comme artiste inclassable qui questionne sans cesse dans sa pratique les codes de la représentation et les cadres de l'art traditionnel.
L’an dernier, elle a monté un spectacle solo intitulé «Du temps d’antennes», axé sur la musique, les chansons, les bruits, dans un décor comprenant des morceaux de miroir et des souliers collés au plafond. Elle l’a présenté 22 fois, un nombre assez extraordinaire pour une création de ce genre.
C’était un spectacle intimiste, fait en solo, dans lequel elle explorait le territoire et le son. Nathalie Derome aimerait réaliser sa prochaine création avec d’autres artistes, et travailler cette fois sur l’éclairage et le regard.
Pour arriver à être diffusé, connu, à vivre de la performance et de l'art marginal, il faut beaucoup de patience et de travail. Mais «tout dépend de nos valeurs, ce n'est pas un choix raisonné, c’est une passion qui s’impose», dit-elle.

Stéphan Bernier

2002-01-24T06:03:00.000-08:00

Viande froide et recherche créatrice
janvier 2002

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Des soldats de plastique vert littéralement plantés à l'horizontale dans un tableau: quoi de plus fort pour parler de la guerre, de sa futilité et de ses conséquences tragiques que cette véritable forêt d'uniformes et de fusils, évoquant entre autres la perte d'individualité de ces soldats-jouets englués, anonymes et interchangeables devenus chair à canon.
Quoi de plus fort? Peut-être bien le tableau voisin, qui ressemble à une image abstraite réalisée dans une toile délicatement tissée. Quand on lit la description de l'oeuvre, on constate qu'elle est constituée de viande cousue et d'acrylique, ce qui nous ramène donc à la notion de chair à canon.
D'ailleurs l'exposition s'intitule «Viande froide», c'est celle que présente Stéphan Bernier à l'Oeuvre de l'autre jusqu'au 31 janvier. La viande, sous forme de tranches de steak, rôti de boeuf, langues et oreilles de porc - et sang de caille - est un
élément essentiel de cette exposition d'un jeune artiste qui a manifestement, entre ses oeuvres anciennes et ses plus récentes (parmi lesquelles ce diptyque aux soldats de plastique intitulé «Rouge/Vert»), connu une évolution tant technique que conceptuelle.
Un autre diptyque, également récent, montre d'un côté le portrait d'un homme, dans lequel on peut reconnaître, si on regarde bien, les traits du président Georges Bush, et de l'autre des bandes horizontales rouges et blanches qui évoquent celles du drapeau américain. Là encore, ces oeuvres intègrent de la viande cousue et découpée, combinée à de la peinture acrylique. Le traitement appliqué aux matériaux de base confère à l'image définitive des qualités formelles: la viande se transforme en une sorte de dentelle aérienne, éthérée, belle à regarder.
D'autres oeuvres de Stéphan Bernier (réalisées avant l'été 2001) sont plus difficiles d'accès parce qu'elles heurtent davantage l'esprit et le coeur. Par exemple une sculpture intitulée «Le baiser», qui consiste en un rôti de boeuf ficelé, suspendu, duquel sort une langue de porc. Même si le tout a été recouvert de laque, impossible de ne pas ressentir un malaise devant cette association entre un morceau de viande et un acte généralement idéalisé dans l'ensemble des constructions fictionnelles. Malaise plus présent encore quand on regarde la grande toile couverte de taches de sang de caille et le document vidéo qui l'accompagne, montrant des cailles mortes, ou encore la grande estampe infographique intitulée «Steak aux poils».
La viande et le sang sont pour l'artiste l'expression d'une distance qu'il veut prendre par rapport aux «canons» traditionnels des arts visuels. Il se propose de mettre en évidence, à travers la beauté de l'imperfection, le «goût inavoué de la mort dissimulé dans le spectacle». Et il y parvient, pour l'essentiel.
Le visiteur doit donc aborder l'exposition avec une grande ouverture d'esprit, car certaines images peuvent heurter son sens esthétique et même son sens moral. Il faut y voir les avatars d'une recherche créatrice qui parcourt plusieurs avenues. Stéphan Bernier exprime, dans ses oeuvres, ses réflexions sur le morbide, sur la conscience sociale de la mort, sur l'angoisse de sa propre fin.
Ses travaux les plus récents donnent l'impression qu'il est sur le point de trouver une voie prometteuse, qui consisterait à pousser à ses limites le jeu esthétique de transformation d'une matière délétère ou mortifère. Les idées de morbidité, de liens entre la mort et la création, pour être exprimées plus subtilement, n'en deviennent que plus percutantes.

Rita Lapierre-Otis

2002-01-17T05:49:00.000-08:00

Mouvances organiques et estampes végétales
janvier 2002

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Organique, végétal, esthétique, intimiste: tels sont les mots qui nous viennent à l'esprit quand on visite l'exposition «Lieu d'impressions, Lieu en mouvance», présentée au Centre national d'exposition (jusqu'au 17 février), de Rita Lapierre-Otis. Il s'agit de son travail de fin de maîtrise en arts plastiques à l'UQAC.
Au milieu de ces oeuvres, on a l'impression de se retrouver dans un sous-bois palpitant, de prendre contact avec une nature familière mais que l'on a peut-être tendance à oublier, avec quelque chose qui a trait à à nos origines, à nos racines.
Il y a des estampes, des installations, des collages. La démarche créatrice de Rita Lapierre-Otis consiste à concevoir des motifs et des images à partir de matériaux de base tels insectes, animaux, végétaux, feuilles et troncs.
Les estampes rehaussées de traits à l'encre ou au crayon, les plus nombreuses, sont représentatives du travail de l'artiste sur la répétition, sur la série qui s'édifie à travers un ensemble d'unités présentant beaucoup de ressemblances entre elles, mais aussi de notables différences. Ainsi ces ensembles de six, huit, douze ou 54 estampes, ayant pour motifs de base des feuilles ou des rondelles découpées dans un tronc d'arbre, offrent au visiteur l'occasion d'entamer un processus de perception, de comparaison, de détection des détails qui font que, bien qu'intégrée à un ensemble ayant une certaine unité, chaque estampe constitue une oeuvre unique, identifiable par quelques lignes, couleurs, traits qui la distinguent des autres.

On verra par exemple, sous le titre «Tomographie du temps», huit estampes comportant chacune 12 motifs circulaires réalisés à partir de la coupe d'une rondelle de peuplier. Chaque estampe se déploie dans un ton, une nuance de bleu, qui va du très pâle au plus foncé. La feuille séchée sert de motif à deux autres séries d'estampes, intitulées «Stades de développement» et «Nodus cellula», qui elles aussi relèvent de subtiles variations apportées aux éléments d'une même série. Et les feuilles de fougère sont nettement reconaissables dans les 16 grandes estampes de la série «Fougères, espèces communes».
Hors des sentiers battus
Mais peut-être les travaux les plus remarquables sont-ils en réalité ceux qui, hors des sentiers battus de l'estampe, laissent éclater l'imagination et l'originalité de Rita Lapierre-Otis. Par exemple cette série intitulée «Entre le vrai et le faux, les apparences»: des estampes, là encore, mais découpées aux contours de la feuille de «ficus lirata» qui leur sert de matrice. Littéralement détourées, les onze oeuvres se présentent comme de grandes feuilles brillantes, aux nuances sombres et profondes, dont le haut se détache du mur, comme si elles gardaient le souvenir de l'épanouissement de la plante. Ou encore la série «Espèces mutantes», qui comprend 152 dessins-collages de petit format: le dessin est celui d'un insecte représenté à plat, à l'encre noire ou foncée: ses ailes, deux ou quatre, sont formées par des samares (akènes ailés) collées à l'endroit qui convient. L'univers de cette série est plus complexe que celui des estampes: ces corps d'insectes pétrifiés introduisent, subtilement mais sûrement, l'idée de la mort.
Idée davantage explorée dans «L'oeuf fossile», une installation au sol inspirée par un oeuf d'épyornis (oiseau autruche): l'artiste a modelé en papier cet oeuf d'une espèce disparue au 15e siècle à Madagascar, qu'elle a posé sur un lit de samares placé dans une corolle de carton ondulé. Des épingles à dissection fixent l'oeuf: espèce disparue, vie éteinte, mort, culpabilité (est-ce note faute?) bref, on pense à tout ça en observant cette oeuvre.
Dans les oeuvres de Rita Lapierre-Otis, la réflexion intellectuelle n'est jamais abstraite: elle est au contraire incarnée dans une organisation visuelle et sensuelle de la matière, immédiatement sensible et séduisante. Rita Lapierre-Otis atteint ainsi un autre de ses objectifs: «dépasser mes propres barrières pour communiquer et rejoindre le spectateur».

Gilles Jobin

2001-12-06T13:50:00.000-08:00

La simplicité volontaire
décembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Lignes épurées, visages aux traits esquissés, travail sur les nuances d'un petit nombre de couleurs, le tout à la gouache seulement: ainsi sont faites les oeuvres de Gilles Jobin exposées à la Corniche jusqu'au 16 décembre. Grâce à cette technique, il s’en dégage simplicité, profondeur et sérénité.
Présent depuis près de 30 ans dans le paysage saguenéen des arts visuels, où il fait des apparitions - entendons des expositions - à intervalles plus ou moins réguliers, l'artiste, natif d'Arvida et qui réside maintenant à Chicoutimi, éprouve quelque difficulté à parler de ses oeuvres. Comme en 1995, alors que nous l'avions rencontré lors d'une exposition au même endroit, Gilles Jobin préfère laisser parler ses toiles, évitant de tenir sur celles-ci un discours savant et structuré. Ce qui ne veut pas dire qu'il n'a rien à en dire, bien au contraire. Il faut juste savoir comment lui parler, comment l'écouter, savoir laisser planer les silences qui lui permettent de suivre le fil de sa pensée.
On découvre alors un homme discret, secret, un artiste pour qui la création est essentielle, vitale, mais aussi quelqu'un qui voit le monde avec un réalisme teinté de pessimisme à l'occasion. (D'ailleurs, comment pourrait-on être réaliste sans être pessimiste?) Les oeuvres exposées à la Corniche ont été réalisées assez rapidement, en trois mois l'été dernier. Une sorte de pulsion le poussait à produire beaucoup, et dans ces occasions, Gilles Jobin ne s'interroge pas trop sur le pourquoi et le comment: il obéit à la poussée créatrice.

Sauf une nature morte, il y a un ou deux personnages sur chacune des toiles exposées: le visage est très présent, délimité par des traits foncés, les vêtements sont dans certains cas nettement dessinés, à d'autres moments laissés dans une sorte de flou, tandis que l'arrière-plan devient un lieu où l'artiste laisse libre cours à son goût d'explorer, de mélanger, d'associer les couleurs. Il le fait de façon magistrale, d'ailleurs, ayant développé, au fil des années, une connaissance intime et une grande maîtrise technique de ce médium qu'est la gouache.
«La gouache, c'est vraiment mon point fort», dit-il, conscient malgré tout des progrès qu'il a effectués dans sa capacité à contrôler les effets, les mélanges, les subtilités de cette matière. Selon lui, toutefois, cette technique n’est pas plus difficile ni plus facile que l'huile ou l'acrylique. Pour les avoir tous explorés, il sait maintenant que le médium le plus difficile à maîtriser est l'aquarelle. «La peinture à l'huile c'est bien difficile, mais c'est bien plus beau que la peinture à l'eau»: rien de plus faux que les paroles de cette chanson pour enfants, selon lui!
Il constate par ailleurs que si sa principale force était au départ le dessin, qu'il a d'ailleurs amélioré en étudiant les arts graphiques à l'École des Beaux-arts de Québec, il s'est par la suite intéressé de plus en plus à la couleur, jusqu'à penser aujourd'hui qu'il est davantage coloriste que dessinateur. «Je sais depuis longtemps qu’il ne faut pas mettre trop de couleurs sur une toile», dit-il, ajoutant que, parmi les toiles qu'il expose actuellement, sa préférée, celle qu'il considère la mieux réussie à tous points de vue, est la gouache intitulée «Saltimbanque».
Il évoque aussi de cette espèce d'«ambivalence visuelle» dans laquelle il travaille depuis des années, c'est-à-dire depuis qu'il doit porter des verres pour la vision rapprochée. S'il les porte pour peindre, il est incité à dessiner les traits de façon plus précise, plus détaillée. Mais parfois, il ne veut pas mettre ses lunettes, et alors son dessin est différent: les traits sont esquissés de façon plus sommaire, les yeux faits d'un simple point d'appui du pinceau, les lèvres d'une simple ligne foncée un peu épaisse.
Pourquoi des personnages? Gilles Jobin ne le sait pas trop. Il suit son instinct, son émotion première et il y a le plus souvent, au centre de tout cela, un ou plusieurs visages, des êtres enveloppés dans d'amples vêtements évoqués par des masses de couleur plus ou moins nettement définies, qui leur confèrent un caractère asexué, androgyne, et ... une bonne part de mystère.
Pendant sa dernière année aux Arts graphiques, il avait disposé dans une salle plusieurs dessins qu’il avait réalisés sur de petits cartons: un concierge qui passait par là s'était exclamé: «y'a du monde à messe!». Déjà donc son univers était peuplé d'humains, même si son style était assez différent de celui qu'il a développé depuis. Rien de systématique toutefois là-dedans: il aime aussi explorer le paysage, et la nature morte à l'occasion.
Gilles Jobin parle ensuite de la difficulté d'être peintre, artiste aujourd'hui. Cela n'a jamais été facile, mais de nos jours, les gens sont tellement sollicités par la télévision, la publicité, Internet, qu'il reste bien peu de temps pour les formes d'art traditionnelles, surtout la peinture, statique, peu spectaculaire, qui n'attire guère les médias en quête de sensationnel. Elle se pratique dans l'isolement et le calme, loin des bruits du monde.
Pour l'apprécier, il faut aussi se recueillir, regarder, comprendre: vraiment pas une tendance lourde dans la société actuelle.

Gilles Jobin

2001-12-05T13:54:00.000-08:00

Un contact précoce avec la peinture
décembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - C’est vers dix ou onze ans que Gilles Jobin a été attiré vers la peinture. Il se souvient entre autres avoir été fasciné par les portraits d’artistes, assortis de palettes de couleurs et de coups de pinceau, qu'il trouvait dans Paris Match.
Il voulait peindre, mais sachant que ce ne serait pas une vie facile, il a choisi de s’inscrire en arts graphiques plutôt qu’en peinture à l’École des Beaux arts de Québec. Une période effervescente et stimulante, qui qui lui a permis d'acquérir des connaissances en dessin et en couleur. Après quoi il a travaillé comme graphiste dans des ateliers, à Québec et à Montréal. Régulièrement, il venait au Saguenay, sur le pouce, visiter sa famille. Il aimait alors se rendre à la galerie l’Art canadien, le samedi matin, pour voir les oeuvres des peintres saguenéens et d’ailleurs, que mettait en valeur le propriétaire Jean-Louis Gagnon. Ce qui renforçait son désir de peindre lui-même. Il a commencé par des dessins à l'encre à sérigraphie: quand on a quelque chose à dire, on trouve toujours le moyen de le faire, quel que soit le médium, croit-il.
Il est venu s'établir au Saguenay, sa région natale dont il ne pouvait décidément pas s'éloigner longtemps. Il a présenté sa première exposition en 1972, au Centre national d’exposition, qui s’appelait encore le centre culturel de Jonquière. Elle fut suivie de plusieurs autres, notamment en 1976, à la galerie La Corniche, qui venait tout juste d'ouvrir ses portes.
Il est aussi associé à l'éditeur chicoutimien Gaëtan Morin, dont il a illustré plus d'une vingtaine de livres, notamment une série d'ouvrages portant sur la psychologie et la psychiatrie.
S'il est connu à l'extérieur de la région et du pays, c'est par le biais de ces publications, et aussi grâce à des visiteurs qui se procurent ses oeuvres lors d'une visite à la Corniche et les rapportent chez eux. Il ne refuserait pas d'être représenté par d'autres galeries québécoises, canadiennes ou américaines, mais il ne fait pas d'effort en ce sens: «je n'ai pas le goût de devenir colporteur de mes propres oeuvres», dit-il.

Jean-Paul Lapointe

2001-11-22T12:56:00.000-08:00

La lumière s'invite à la fête
novembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Couleur et lumière, deux éléments essentiels du travail de Jean-Paul Lapointe. La lumière davantage présente que par le passé, la couleur traitée par la lumière, voilà ce que l’on peut «lire» dans les 24 oeuvres récentes qu’il présente à la salle de la Maestria (2e étage de la maison d’accueil, au 24 Racine Ouest) jusqu’au 7 décembre.
Six ans séparent cette exposition de la dernière exposition solo au Saguenay de Jean-Paul Lapointe, qui pourtant travaille toujours aussi assidûment et intensément. «Si je n'aimais pas cela, je cesserais de peindre», nous dit l'artiste de Chicoutimi au cours d’une rencontre à la galerie. Pendant ces années, il a exposé à l'extérieur de la région, et ici même en groupe et en duo, participé à des symposiums et autres activités et manifestations publiques, tout en continuant à peindre: chaque matin, il se rend à son atelier pour travailler, et c’est toujours un plaisir pour lui.
C'est un plaisir également pour ceux qui regardent ses oeuvres, est-il besoin de le préciser. S’il propose toujours des paysages, du Saguenay, de Charlevoix et d’ailleurs, il ne se répète jamais. Sa vision évolue, il explore des avenues nouvelles, dans le style qui l'a fait connaître et apprécier, qui témoigne aujourd'hui d'une plus grande sûreté dans la composition et d'une technique parfaitement maîtrisée et d'une grande connaissance de son médium, l'acrylique.
Ce n'est pas pour rien que son exposition s'intitule «Fête de la lumière»: la lumière est à la fois le sujet et l'angle de vision privilégié de la plupart de ses toiles. Il la traite d’une part en poussant très loin l’expression de la transparence, celle de l’eau et particulier, et d’autre part en peignant plusieurs nocturnes, paysages éclairés non pas par la lumière du jour, mais par des lampes, les fenêtres des maisons ou par la lune. Cela entraîne un traitement particulier de la couleur, une intégration, parfaitement réussie, des violets, bleus, gris et autres teintes moins vives de la palette.

Comme il le fait depuis ses débuts de peintre professionnel, Jean-Paul Lapointe arpente les paysages d'ici et d'ailleurs, prend des croquis et compose ensuite des toiles en y disposant des maisons, des montagnes, des plans d'eau, parfois des personnages, des ciels et des bateaux, dans une harmonie de couleurs, souvent inspirées par l'automne, qui semblent découler les unes des autres.
Une impression de sérénité et de tranquillité se dégage de la plupart des oeuvres, impression confirmée par les titres qu'il choisit lui-même, tels «Plénitude», «Après la pluie», «Un matin chez moi», «Un village la nuit», ou encore plus simplement «Tranquillité». Mais cela ne va pas jusqu'à la fixité: chaque scène, chaque paysage, saisi dans un moment d'accalmie, semble encore tout vibrant de périodes plus agitées qui l'auraient précédé ou suivi: tempête, bourrasque, chute de neige, ou encore promenade «humaine». Le mouvement est en outre présent sur la toile grâce aux routes et chemins qui serpentent au pied des montagnes, descendent vers les cours d'eau, véritables lignes de force qui parcourent et éclairent les paysages.
Devenu légèrement plus figuratif et réaliste au fil des ans après avoir proposé au début des paysages plus oniriques, Jean-Paul Lapointe est cependant demeuré fidèle à son idée première, à savoir qu'une oeuvre d'art, un tableau, est là pour faire rêver. Et pour nous faire rêver, il a recours à toutes les ressources qu'il a acquises et développées au cours de ses années de pratique assidue: sens de la composition et de la couleur, maîtrise du dessin, capacité de se renouveler, de dire des choses différentes tout en demeurant lui-même.
Vocation
Natif de Saint-Charles de Bourget, Jean-Paul Lapointe a grandi à Kénogami. Il a toujours aimé dessiner, mais c'est sa rencontre avec le peintre René Bergeron, dont il fréquentait l'atelier quand il était écolier, qui l'a incité à peindre plus sérieusement. C'est à à l'hôtel de ville d'Arvida qu'il présentait, en 1973, sa première exposition solo, laquelle fut suivie de plusieurs autres. Il a remporté de nombreux prix, présidé des jurys et des symposiums, et il vend des toiles dans une quinzaine de galeries, au Québec, au Canada, aux États-Unis et en Europe.

Guylène Saucier

2001-11-15T06:14:00.000-08:00

Peindre et écrire: deux gestes essentiels
novembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Peindre et écrire: deux gestes créateurs, à la fois semblables et différents. Guylène Saucier éprouve profondément et régulièrement ces similitudes et ces différences, car l'une et l'autre activité lui sont également indispensables.
Il est très rare qu'un peintre apporte un roman en même temps que ses toiles lors d'un vernissage, ou qu'un romancier expose des toiles au lancement de son plus récent ouvrage. C'est l'originalité de Guylène Saucier: elle est arrivée à la galerie la Corniche avec une trentaine de nouvelles toiles aux couleurs vives qui explorent le monde de l'enfance, (l'exposition se poursuit jusqu'au 23 novembre) et avec son plus récent roman, son troisième, intitulé «Le Cheval habillé de bleu», paru il y a deux mois chez Leméac.
Nous l'avons rencontrée à la galerie, la veille du vernissage, huit ans après sa dernière exposition solo à La Corniche. La peinture occupe la plus grande part de son activité professionnelle. Elle peint beaucoup, régulièrement, et malgré cela, les galeries canadiennes et québécoises dépositaires de ses oeuvres en manquent très souvent.
Processus
La principale différence, c'est qu'en peinture, il y a peu de distance, en temps et en réaction, entre l'acte créateur et le produit fini. «Le matin, j'entre dans mon atelier, dont les deux fenêtres, au nord et au sud, donnent sur la forêt. Je sors une toile blanche, je commence un croquis, je travaille pendant plusieurs heures, et à la fin de la journée, le tableau est terminé. Dès ce moment, je peux le montrer à d'autres personnes, qui peuvent le saisir d'un seul regard, être touchées ou non, faire des commentaires», explique l'artiste qui réside à St-Louis-de-France, près de Trois-Rivières.
L'écriture, par contraste, est le domaine de la lenteur, des profondeurs, du secret. Même si on écrit une ou deux pages dans une journée, on n'a aucune certitude que ces pages seront intégrées à la version finale du roman: elle pourront être remaniées, changées, supprimées même. Et cette version finale ne sera prête que beaucoup plus tard, quelques années plus tard, dans le cas de Guylène Saucier, qui écrit très lentement. Une fois complété et édité, le livre demeure encore fermé: celui qui le tient entre ses mains n'en connaît pas le contenu, il devra l'emporter chez lui, prendre le temps de le lire.

Sujets
En ce qui concerne le contenu, Guylène Saucier explore aussi deux univers différents, selon qu'elle écrit ou qu'elle peint. Ses toiles mettent en scène de jeunes enfants saisis au milieu de leurs jeux et de leurs activités quotidiennes. Ils font du ski, patinent, jouent au hockey, vont à la plage, font leurs devoirs, jouent de la musique, attendent l'autobus scolaire. Tandis que ses livres racontent des histoires plutôt tragiques vécues par des adolescents ou des adultes. Dans «Le Cheval habillé de bleu», par exemple, un narrateur évoque la quête dans laquelle il s'est lancé plusieurs années auparavant, afin de retrouver un peintre mystérieusement disparu.
L'auteure a voulu, dans ce roman, explorer le phénomène de la fascination, en évoquant l'emprise exercée par un homme, séducteur et manipulateur, sur ceux qui entrent en contact avec lui. «C'est ce personnage, celui de Jacob, qui m'a portée du début à la fin du roman», dit-elle.
Malgré ces différences entre les deux techniques et ces deux types de contenu, le mécanisme de la création est semblable, pour Guylène Saucier. «J'écris de façon visuelle, je crois, mon roman est fait d'une succession de petites scènes, qui comme chaque tableau, racontent une histoire. Mes toiles montrent peut-être des enfants, mais ils s'adressent quand même aux adultes», dit-elle.
En peignant des enfants, elle cherche à saisir cet univers, sa légèreté, sa naïveté, et à transmettre l'émotion qu'elle ressent elle-même face à l'enfance, à sa propre enfance qui a été une période très heureuse. Ce n'est pas une reproduction fidèle, à caractère documentaire ou historique: les traits des visages demeurent flous, les vêtements et les scènes pourraient se situer à diverses époques: c'est un monde rêvée, imaginaire.
Finalement, les idées et les objets circulent fréquemment d'un univers à l'autre. Par exemple, le personnage principal du roman est un peintre, un être accessible donc en quelque sorte pour Guylène Saucier l'auteure. De plus, elle a peint à l'aquarelle la toile intitulée «Le Cheval habillé de bleu»: c'est le titre du tableau ... et du livre. Un tableau portant ce titre joue un rôle important dans le roman. «Je n'ai pas cherché à peindre la toile exactement comme elle est décrite dans le roman, mais plutôt à exprimer l'émotion véhiculée par la toile tout au long du récit», explique l'artiste.

Guylène Saucier

2001-11-14T06:17:00.000-08:00

Inspirée par Anne Hébert
novembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Guylène Saucier a pensé qu'elle pourrait être écrivain après avoir lu le roman «Les chambres de bois», d'Anne Hébert. Elle avait 14 ans. «Je me suis sentie proche de ce ton, de cet univers, c'est quelque chose qui m'était accessible», dit-elle. Sa famille, à Louiseville en Mauricie, était d'ailleurs très ouverte à l'écriture, à la littérature. Elle s'est donc dirigée vers l'étude des langues, espagnol et allemand à l'Université Laval. Elle a publié des nouvelles dans des magazines, gagné des concours, organisés par Radio-Canada et par l'Office franco-québécois pour la jeunesse. En 1984, elle publiait un premier roman, «Motel Plage St-Michel», chez VLB, puis, en 1992, un deuxième, intitulé «Sarabande», chez Québec-Amérique. Et «Le Cheval habillé de bleu» vient de paraître chez Leméac. Plusieurs années séparent la parution de ces ouvrages, mais Guylène Saucier n'a pas cessé d'écrire: «je recherche la perfection dans l'expression, je travaille la sonorité des mots, le rythme de la phrase: cela prend du temps et je me retrouve toujours avec plusieurs versions», dit-elle.
Attirée par le théâtre, elle a songé à devenir comédienne. Son frère Patrick Saucier est d'ailleurs metteur en scène à Québec. Mais elle a hésité devant le travail en équipe, la vie nocturne, les exigences du métier: «ce n'était pas fait pour moi», dit-elle.
Au départ peu familière avec le monde de la peinture, elle l'a découvert en suivant des cours d'histoire de l'art et de dessin à l'Université de Sherbrooke. Son conjoint, plus sensible à cette forme de création, l'a encouragée, lui a fait comprendre que c'était possible. Après un an de cours, d'ailleurs, elle présentait sa première exposition et découvrait que la peinture occuperait une place importante dans sa vie.
Au cours des années, sa technique et son style ont évolué, même si elle a presque toujours peint des enfants. «J'ai peint des adultes à une certaine époque, mais ils avaient l'air tellement naïf qu'ils ressemblaient à des enfants», dit-elle.
Elle travaille à l'huile la plupart du temps. Mais au cours de ses deux grossesses, elle a délaissé ce médium, dont elle craignait les effets toxiques, pour l'aquarelle. «Cela m'a permis de progresser beaucoup dans mon contrôle de la couleur, parce que, en aquarelle, le papier boit l'eau et absorbe les pigments. Il faut donc augmenter l'intensité de la couleur». De retour à l'huile, elle a mis en application cette découverte, ce qui rend, selon elle, ses toiles d'aujourd'hui plus lumineuses, plus vivement colorées que celles d'autrefois.

Jana Sterbak

2001-11-04T08:13:00.000-08:00

La riche grammaire graphique d'une grande artiste
décembre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Dans les dessins et sculptures de Jana Sterbak exposées à la galerie L'Oeuvre de l'autre sous le titre «Penser tout haut», on peut déceler l'intérêt marqué de l'artiste pour les rapports entre l’organique et le graphique. Le corps, son propre corps dans plusieurs cas, est au centre d’un dessin, d’un montage qui le présente entouré de fils électriques, incandescents ou explosifs, qui entourent la tête ou la taille.
Selon la commissaire Louise Déry, ces dessins où les fils se confondent avec la ligne, qui sont souvent des esquisses relatives à des projets de performance ou de sculpture, montrent bien cette préoccupation de Jana Sterbak pour la circulation et la transmission de l’énergie, qu’elle soit physique, mentale, ou organique. L’artiste utilise divers éléments de sa grammaire graphique, et notamment les diverses formes du trait, comme si celui-ci servait de vecteur et de limite aux illustrations organiques, pour évoquer visuellement cette circulation.
Louise Déry, qui incidemment est originaire du Saguenay, a pensé à cette exposition il y a quelques années, après une rencontre avec l’artiste: cette dernière, connue internationalement pour ses sculptures, lui a alors parlé de nombreux dessins qu’elle avait réalisés et jamais montrés publiquement.
Ayant manifesté son intérêt pour ces oeuvres, Louise Déry s’est retrouvée devant 200 dessins, de petit format pour la plupart, réalisés sur de simples feuilles, parfois des pages de cahier d’écoliers: elle en a choisi 36, qui constituent le coeur de l’exposition actuellement en cours à l’Oeuvre de l’autre. La commissaire a ajouté d’autres oeuvres de Jana Sterbak, de façon à ce que le visiteur ait une idée plus complète du travail de cette artiste.

Soit d’abord une série de neuf dessins grand format, réalisés au crayon de graphite. Chaque feuille est abondamment couverte de lignes et de formes évoquant des carrés ou des signes, et, du premier au dernier dessin, il y a une progression dans l’intensité du trait, correspondant à la densité du crayon utilisé: la teinte générale des dessins va donc du plus pâle au plus foncé. Jana Sterbak montre ici, dans cette série datant de 1977, à quel point le dessin ressemble pour elle à une écriture: c’est en réalité le même geste, la même énergie physique et mentale qui produit l’image ou les lettres.
L’exposition comprend aussi une fascinante série de cubes, que l’on prend d'abord pour des dessins. Mais en s'en approchant on se rend compte qu’ils sont en trois dimensions, tracés par des fils blancs enfilés dans le chas de multiples aiguilles qui, plantées sur un grand panneau mural, constituent les arêtes et les intersections de ces formes géométriques.
Deux sculptures enfin, peuvent être vues comme des traits d'union magistraux entre le graphique et l'organique: un bronze intitulé «Spare Spine» («Colonne vertébrale de rechange»), fine forme verticale posée à même le sol et s’élevant le long du mur. L’autre sculpture, intituée «Antennes», a été créée à partir d’antennes de homard enfilées dans un fil de nylon: ces deux formes tubulaires dessinent de fines lignes verticales qui descendent le long du mur, l'une des deux finissant par s'enrouler en spirale sur le plancher.
Recherches sur l'espace et le temps, réflexions philosophiques sur le monde, dessin vu comme un acte de la pensée, exploration des liens entre la science et l'art, voilà entre autres ce que l’on peut lire en visitant l’exposition «Penser tout haut».
Soulignons enfin que d’importantes expositions consacrées à l’oeuvre de Jana Sterbak, née à Prague en 1955, seront présentées au cours des années qui viennent en Suède, en Allemagne et au Musée d’art contemporain de Montréal.

Geneviève Gauthier

2001-10-25T13:47:00.000-07:00

Design autour de l'objet quotidien
octobre 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - On ne se rend pas toujours compte du nombre d'objets qui nous entourent dans notre vie quotidienne, ni des liens que nous entretenons avec eux. Pas plus qu'on ne se questionne sur leurs qualités esthétiques.
L'artiste Geneviève Gauthier a pris le parti d'analyser ces phénomènes dans l'exposition «Objets rituels pour mieux vivre le quotidien», qu'elle présente au CNE jusqu'au 2 décembre. L'installation, qui constitue la partie pratique de son travail de fin de maîtrise à l'Université du Québec à Chicoutimi, renvoie clairement à l'option qu'elle a choisie: le design de création. Pour construire la multitude d'objets qui constituent l'exposition, elle a utilisé des tissus et objets d'usage courant, les assemblant et leur adjoignant des textes qui élargissent leur réseau de significations.
Elle a regroupé ces objets en quatre sections ou thèmes correspondant aux quatre éléments: air, eau, terre et feu. Chaque section comprend deux îlots, deux groupes d'objets reliés chacun à un sous-thème: l'ensemble est présenté comme une série de ces kiosques qui servent à proposer des objets ou des services dans une exposition de type «salon».
Ainsi, pour l'air, une section, consacrée au «voyage rêvé», comprend des objets évoquant l'acte de voler: abeille, papillon, montgolfière, cerf-volant, ou encore une «cape pour aller s'aérer l'esprit». Tout ceci est fabriqué avec des morceaux de tissu de diverses couleurs, juxtaposés, collés ou cousus, auxquels s'ajoutent des cordes, rubans, bouts de ficelles et baguettes de bois. La forme de ces objets est associée, par le texte de présentation ou par certains détails de la confection, à leur usage rêvé, à leur potentiel symbolique. Par exemple, le papillon est en réalité un «panier pour cueillir des fleurs», l'abeille un «sac à souvenirs pour voyageurs», et la montgolfière un panier à pique-nique.

La deuxième section consacrée à l'air est orientée vers les activités sportives de plein air, illustrées par les vêtements ou accessoires tels anoraks, sous-vêtements, sacs à dos, bref, tout ce qui sert au transport d'objets et à la protection contre les intempéries.
Dans la section consacrée au feu, l'artiste évoque d'une part la chaleur du feu et du soleil en mettant en place des objets tels que couvertures, coussins, rideaux aux couleurs chaleureuses qui font penser au confort du foyer, et d'autre part la lumière, par une série d'objets éclairés ou allumés tels lanterne magique, lampes, lampions, bougies.
Pour le thème de la terre, l'artiste a conçu un module qui évoque le repos, le retour chez soi après une journée de labeur, par divers types de sièges ou d'abris: un «pouf-foin à remplir de feuilles mortes», un «abri épi pour s'isoler du stress urbain», et une «galerie de fourmi». Le deuxième groupe renvoie à l'idée de retrouver ses racines, au moyen d'objets qui servent à placer des collections ou des souvenirs: herbiers, boîtes et coffrets en tous genres.
Et enfin les deux groupes d'objets qui font référence à l'eau évoquent l'un les vacances à la mer, par des sacs en forme d'étoile de mer, d'éponge, de baleine, ou de coquillage, et l'autre l'eau qui coule, celle de la pluie, des cascades, des puits. Ainsi que les diverses façons de la diriger, de la puiser, de la recueillir, que ce soit avec des bols, des cuillers, des entonnoirs, des verres ou des bacs en tous genres.
Tous ces objets, innombrables, font inévitablement penser, par leur côté simple, naïf et même kitsch, au monde de l'enfance, à cet âge où on aime les poupées, les oursons, les couvertures, les objets et les assemblages qui permettent de s'abriter, de se tenir au chaud, de se protéger contre les agressions de l'extérieur. L'artiste affiche une nette prédilection pour tout ce qui évoque le fait d'envelopper ou de contenir: pochettes, paniers, boîtes, coffrets, bols, récipients en tous genres.
Bref, c'est une exposition à la fois intéressante, chaleureuse et accessible, qui s'attache davantage aux significations possibles des objets qu'à leurs qualités esthétiques. Native de Sept-Iles, où elle travaille comme dessinatrice industrielle, Geneviève Gauthier a étudié l'architecture, l'archéologie et le design de création.

Jean-Yves Vigneau

2001-10-18T19:27:00.000-07:00

Cimetière marin à livre ouvert
octobre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Des livres au sol, ouverts, posés sur la tranche. On les compte, il y en a 36. En suivant des yeux la trajectoire de la faible lumière qui scintille sur leurs pages on aperçoit, sur le mur blanc, une projection vidéo dont les grandes images mouvantes évoquent les marées, les vents, les bords de mer.
Ces livres seraient donc des épaves? On s'en approche pour les examiner de plus près. On se rend compte que chaque exemplaire est recouvert d'une jaquette supplémentaire faite de deux morceaux de contreplaqué. Que les livres en question sont des tomes de la grande encyclopédie marine de Jacques Cousteau. En manipulant délicatement les pages, on peut lire les titres de ces divers volumes tels «Fenêtre ouverte dans la mer», «Attaques et défenses», «Oasis dans l'espace», «L'art du mouvement». On constate qu'un certain nombre de ces livres livres sont posés à l'envers.
On s'aperçoit aussi que le bois est un élément important de l'exposition, car il s'agit bien d'une exposition, d'une installation plutôt, de l'artiste Jean-Yves Vigneau présentée à Espace Virtuel jusqu'au 3 novembre. Le titre de l'oeuvre, «La pêche miraculeuse», oriente déjà la pensée vers l'idée de la mer, des poissons, des marées, et, de façon plus lointaine mais bien présente dans le travail de l'artiste, des naufrages, des épaves, de la mort.

La mort évoquée par ces livres en quelque sorte pétrifiés dans leur jaquette en bois, laquelle les rattache au sol comme des épaves sur une grève. De bois également est faite la corne de brume construite par l'artiste sur le modèle d'une corne de brume en métal également présente dans l'exposition. De bois aussi cette espèce de grande tour illuminée de l'intérieur mais fermée de toutes parts, qui évoque un phare ou encore un clocher.
Phare et clocher à la fois, nous dit l'artiste dans son texte de présentation, expliquant que cette tour lui a été inspirée par le clocher de l'église de son enfance, «arraché comme une vieille souche pour faire place à une architecture plus moderne», et dont il a fait «une bouée pour marquer les hauts-fonds de l'histoire».
On trouve aussi, autre ajout au réseau des significations marines, une forme faite de lattes de bois légèrement courbes qui évoque le flanc d'une barque. On se rappelle avoir vu, dans la petite salle qui fait office de vestibule et d'entrée en matière à cette véritable histoire de pêche, une barque construite avec des morceaux de feuilles de métal. Et des dessins représentant des poissons accrochés au mur.
Il y a aussi un poisson de métal, tel un grand leurre suspendu par la queue à un fil qui descend du plafond, et dont le «nez» se termine par un hameçon à deux crochets. Et une photo d'une autre installation de l'artiste, réalisée in situ aux Iles-de-la-Madeleine et intitulée «Le naufrage de l'Angélus»: sur la grève, Jean-Yves Vigneau avait érigé un «cimetière aux poissons», fait de bardeaux de cèdre découpés en queues de poisson, alignés comme des fleurs et plantés dans le sable comme autant de pierres tombales.
Les livres aux jaquettes de bois font donc écho aux poissons de ce premier cimetière, marquant la continuité du travail de l'artiste qui ajoute, modifie ou retranche des éléments dans chaque galerie (La Chambre blanche à Québec et Articule à Montréal entre autres) où il amarre son exposition.
«La pêche miraculeuse» est donc une très intéressante sculpture installative qui évoque à la fois une tradition - la pêche artisanale - en voie de disparition, la vie - menacée - des profondeurs océanes, et la fascination que le monde marin exerce «sur l'esprit gémissant en proie aux longs ennuis» (Baudelaire).

Louise Levergneux

2001-10-18T17:52:00.000-07:00

Livres d'artiste en trompe l'oeil
octobre 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - L'artiste ontarienne Louise Levergneux présente un travail fort original dans la deuxième salle du centre d'artistes Espace virtuel, sous le titre «Mémoires». Il s'agit de seize livres, placés sur des présentoirs, qui semblent à prime abord être autant de biographies de personnes peu connues du grand public et ayant agi dans différents domaines, arts, médecine, science. La présentation visuelle, jaquette illustrée d'une photo, titre, couleurs, nom de la maison d'édition rappelle celle des biographies de gens célèbres qui se publient régulièrement.
Mais toutes les pages de ces livres sont blanches. Ce sont des livres d'artiste dont la matière est tout entière contenue sur le dessus, la tranche et la partie de la jaquette repliée à l'intérieur. On y trouve un un court texte biographique qui résume la vie aux péripéties extraordinaires menée par la personne. Le tout ne manque pas d'ironie, on indique par exemple qu'une femme a survécu à la vie de banlieue («Diane Cossette, une quêtre spirituelle»), ou que la fille d'un baron du pétrole a été négligée par ses parents dans son enfance, ce qui a été à l'origine de tous ses problèmes («Vera Greenwood, pauvre petite fille riche»).

Dans plusieurs cas le texte comprend des extraits de critiques élogieuses de la biographie que l'on va - supposément lire - et des références aux autres biographies écrites par Louise Levergneux. De plus, une photo - chaque fois différente - de l'auteure accompagnée d'une brève description de son parcours accompagne chaque présentation.
Pour les fins de l'exposition, le texte de la couverture du livre, écrit en anglais, et le titre dans certains cas, ont été traduits et imprimés sur un carton posé au mur au-dessus de l'ouvrage. Les titres sont, entre autres: «Michael J.D. Sutton, fils imparfait de la veuve», «Adrian Göllner, Evolution and the Artist», «François Dion, Le périple», «Kathleen Leeson, l'art de la guérison». Un de ces ouvrages est en français dès l'origine: il s'agit de la «biographie» de Diane-Jocelyne Côté, une auteure et artiste saguenéenne.
Un véritable geste artistique, une exploration des notions de collection et de recherche d'identité sous-tend l'entreprise. En laissant planer un doute quant à l'existence même des sujets (sont-ils des êtres réels ou imaginaires, se demande-t-on), et en entrecroisant la réalité et la fiction, Louise Levergneux attire l'attention sur la complexité du travail de création et sur ses relations avec l'inconscient.
Travail à la fois minutieux et amusant, cette série de «biographies visuelles» démonte joyeusement le mécanisme de ces biographies à succès de grandes vedettes que s'arrache le bon peuple. En pointant ironiquement leurs travers: présentation quétaine, glose interminable sur des éléments ou événements insignifiants, affirmations gratuites et extrapolations sans fondement, elle oriente la réflexion vers la - possible - vanité de toute entreprise biographique.

Paul Cloutier

2001-10-04T13:30:00.000-07:00

Ajouter une dimension au paysage
octobre 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Une très jeune fille, accompagnée de sa mère, passe devant une de ses toiles, qui représente un chemin, quelques maisons, des arbres en hiver: «ça, c’est à Saint-André de l’Épouvante, et c’est le matin», dit-elle.
Cette simple réflexion a provoqué chez Paul Cloutier une des grandes émotions de sa vie de peintre. La jeune fille avait reconnu non seulement l’endroit, mais la lumière du matin, celle qui illumine le dessus des arbres au lever du soleil, parce qu’elle l’avait elle-même déjà observée: «j’ai constaté que j’avais réussi à lui passer un message», dit l’artiste en tentant d’expliquer les raisons de la joie qu’il a ressentie alors.
Cela se passait il y a deux semaines, alors que Paul Cloutier participait au Symposium de peinture du Mont-Lac-Vert. Et cette fin de semaine, il est présent au Symposium provincial des Villages en couleurs, à l’Anse-Saint-Jean et Petit Saguenay, non seulement comme peintre mais comme président d’honneur. Il est d’ailleurs un fidèle de cet événement, que l’on peut considérer comme le père de tous les symposiums de peinture du Saguenay-Lac-Saint-Jean et dont la onzième édition se termine demain.
Le titre de président d’honneur n’est pas honorifique dans ce cas, car celui qui en hérite, choisi par ses pairs et par le comité organisateur à la fin d’un symposium pour celui de l’année suivante, a beaucoup de travail. Il doit être sur place pendant toute la durée de l’événement, qui compte cette année deux jours de plus puisqu’il a débuté jeudi plutôt que samedi. Il doit même peindre des oeuvres spécialement pour la circonstance: les deux tableaux qui seront tirés au sort parmi les visiteurs, la toile reproduite sur les chandails aux couleurs du Symposium, et celle qui illustre les affiches: pour cette dernière, Paul Cloutier a peint un chemin bordé d’arbres aux couleurs automnales qui descend près des montagnes. Il a intitulé son oeuvre «Les chemins de l’imaginaire», titre qui est devenu aussi le thème du Symposium 2001.

Il faut aussi, pour assumer la présidence, avoir un certain «vécu» au niveau de la peinture, ce qui ne veut pas dire qu’on doive en vivre. Comme plusieurs des participants au symposium, même les plus réputés, Paul Cloutier travaille pour gagner sa vie. Il est négociateur commercial pour Alcan, après avoir étudié en électronique industrielle, puis enseigné et travaillé dans ce domaine pendant quelques années.
Mais le dessin l’intéresse depuis son enfance: né à Québec, il a grandi à Ste-Monique de Honfleur, puis à Chicoutimi où il a fait ses études universitaires avant de s’établir à Jonquière. «Mes parents étaient sensibles à l’art et un de mes cousins gagnait sa vie en faisant de la peinture, ce qui me fascinait», dit-il, ajoutant qu’il a toujours aimé dessiner.
S’il ne pensait pas faire carrière dans ce domaine, plusieurs expériences lui servent aujourd’hui: par exemple, le fait d’avoir tout jeune aidé son père, peintre en bâtiment, à mélanger les couleurs, comme devait le faire chaque ouvrier à l’époque. Paul Cloutier y a appris certains principes qu’il n’a jamais oubliés. Par ailleurs, pendant ses études universitaires, il a étudié le dessin technique: perspective, point de fuite, là encore des principes très présents dans sa pratique.
Amateur de chasse, de pêche et de plein air, il a pendant plusieurs années fabriqué des mouches pour la pêche, selon les techniques traditionnelles, qui exigent précision, concentration, imagination, bon sens des couleurs.
Pendant tout ce temps, au cours de ses voyages, il visitait les galeries d’art, s’intéressait à la peinture, continuait à dessiner. Puis un jour, il y a une douzaine d’années, il a acheté un coffre de couleurs à l’huile.
«J’ai commencé à lire beaucoup de livres et d’articles sur la peinture, je voulais apprendre la théorie, mais je me suis aperçu que la meilleure façon d’apprendre et de progresser, c’était de me mettre à l’ouvrage et d’y consacrer beaucoup de temps», dit-il. Aidé par les conseils de son ami le peintre Jean-Paul Lapointe, Paul Cloutier a donc apprivoisé son médium, ses sujets, ses idées.
C’est la nature plus que la ville qui l’intéresse, et il a parcouru toutes les routes de la région et du Québec, préférant toujours les petits chemins aux grandes artères, observant d’une façon toute particulière tout ce qui s’offre à ses yeux: «quand on est peintre, on voit des choses que les autres ne voient pas», dit-il.
Quand il peint, il ne cherche pas à reproduire un paysage tel qu’il l’a vu, mais à capter une atmosphère, ce qu'il fait en travaillant avec la lumière. «Je voudrais que le regard puisse aller de l’autre côté de la montagne ou du cours d’eau que je viens de peindre, comme s’il y avait quatre dimensions au lieu de trois», dit-il.

Paul Cloutier

2001-10-03T13:33:00.000-07:00

Un faible pour l'hiver
octobre 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - L’entrevue s’est déroulée dans l’atelier, petit mais fonctionnel, que Paul Cloutier a aménagé dans sa maison de Jonquière, et qui devient salle de musique quand sa femme ou un de ses trois enfants veut y pratiquer le piano. Il a aussi des «outils» de peintre à son camp de pêche, à Sagard. Et quand il voyage, il emporte son carnet de croquis, ou même son «atelier portatif» avec des toiles et quelques couleurs pour réaliser des lavis. Qu’il se trouve à La Baie, à Sacré Coeur, à Ste-Rose du Nord, à Saint-Hilarion, à l’Anse Saint-Jean, sur la rivière Moisie, à la Baie James ou encore dans les environs de Québec, il est donc prêt à saisir les instants qui lui semblent particulièrement attirants.
Il travaille moins l’été, avouant que cette saison ne l’inspire guère. «L’été tout est vert, la couleur me semble uniforme et j’ai moins de feeling», dit-il. Il préfère le début de l’automne, avant que les couleurs ne deviennent trop violentes. Et il aime encore plus l’hiver: les reliefs ombragés, les nuages dans le ciel, la diffusion de la lumière apportent la vie dans ces paysages. Et il revendique la totale liberté de transformer à son gré ce qu’il a vu: il peut créer l’hiver sur un croquis pris en automne, ajouter une vieille maison, un personnage, un animal, selon l’équilibre qu’il recherche.
Paul Cloutier avait commencé à travailler à l’huile, mais il a dû renoncer à ce médium, à cause des émanations qui l’incommodaient sérieusement. Alors il s’est tourné vers l’acrylique. «Ce n’est pas mon style qui a changé, mais ma méthode de travail», constate-t-il. Il a appris à maîtriser les exigences particulières de ce nouveau médium, avec lequel il est maintenant parfaitement à l’aise.

Il faut par exemple se souvenir de façon précise des proportions pour les mélanges de couleurs, et prévoir que les teintes deviendront plus foncées en séchant. Comme l’acrylique sèche plus vite, on peut procéder aux retouches plus rapidement et plus facilement.
S'il n’est pas peintre à plein temps, Paul Cloutier consacre à la peinture une grande partie de ses loisirs, produisant 50 à 60 toiles par année. Il est représenté dans des galeries de Québec et de Montréal, il a déjà réalisé des expositions collectives, en solo ou en duo avec Jean-Paul Lapointe. Il fait partie du Répertoire biennal des artistes canadiens en galerie, édité par Magazinart. Une nouvelle toile, intitulée «Charlevoix l’hiver», illustrera la rubrique qui lui est consacrée dans la prochaine édition de ce Répertoire. Il y aura peut-être d’autres expositions en solo, mais peu fréquentes, car c’est très exigeant de produire une trentaine de toiles en respectant les principes d’une telle exposition.
L’important, c’est d’y prendre plaisir, dit Paul Cloutier, qui n’a commencé à montrer ses toiles que quand il s’est senti vraiment prêt à le faire. Et il aime rencontrer les autres peintres, notamment quand il y a des symposiums. Ce qui le fascine toujours autant, c’est la diversité des visions: si dix peintres choisissent le même sujet, les dix toiles seront très différentes les unes des autres, dit-il. Son rêve, qui est également un projet sérieux: partir un an, en «Winnebago», sur les routes de l’Alaska, avec ses pinceaux et ses toiles, à la recherche de nouveaux paysages.

Karen Trask

2001-08-30T17:45:00.000-07:00

Toucher du bois... pour faire un livre
août 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Toucher du bois porte chance, dit-on. C’est peut-être pour cette raison que Karen Trask a choisi d’intituler ainsi l’exposition qu’elle présente au CNE jusqu’au 7 octobre. Mais ce titre constitue aussi très certainement la description, la plus précise et la plus concise qui soit, de son long et patient travail sur le bois et le papier, deux matières étroitement liées, à la fois concrètement et métaphoriquement dans ses superbes créations.
On peut pour ainsi dire suivre à la trace, en observant ses sculptures, son processus de conception, de réflexion, d’association, de narration, lequel finit par mettre en relief l’étroite relation entre l’arbre et le livre, l’un donnant naissance à l'autre, ce dernier accueillant les mots de l'écriture, l'un et l'autre demeurant liés par certains termes comme feuille ou racine.
Karen Trask prend par exemple une petite bûche qu'elle sépare en deux: de minces feuilles d'arbre sculptées, qui semblent découpées dans le coeur, courent de l'une à l'autre de ces deux moitiés.
Plus loin, elle a sculpté littéralement, dans un bloc de bois, un livre ouvert, avec ses pages que l'on dirait tournées par une main invisible. Une autre oeuvre se présente en quelque sorte comme l'envers de la précédente: des livres de papier-matière ouverts sont empilés pour former une sculpture blanche à laquelle une lumière oblique confère une sorte de vie. L'exposition comprend aussi une grande murale faite de multiples feuilles de papier matière qui laissent apparaître le dessin, en tons de gris, d'un grand arbre (un orme comme l'indique le titre de l'oeuvre) au milieu d'un champ.

L’artiste propose donc de multiples déclinaisons de cette association étroite entre le dessin ou la sculpture et l’écriture: dans les pages de ses livres, Karen Trask creuse des formes où s'encastrent des morceaux de végétaux, qui en réalité sont aussi fabriqués, sculptés par elle.
Des messages disposés un peu partout dans la salle prient instamment le visiteur de ne pas toucher aux oeuvres, certainement très fragiles. On peut cependant toucher une partie du travail de Karen Trask, soit les éléments qui sont disposés sur une table spéciale: il faut mettre des gants blancs pour manipuler ces quelques livres d'artiste, tout en lisant les textes dans lesquels elle explique comment elle a toujours été fascinée par les relations entre dessin et écriture. Un site Internet, visible à certains moments sur un ordinateur portable, fait également partie de l'exposition, illustrant ainsi d'autres aspects de l'univers des mots et des formes.
En utilisant des techniques telles la reliure, le tissage, la sculpture, le multimédia et l'écriture, l'artiste compose ainsi des oeuvres à trame narrative qui évoquent, de façon pertinente et sereine, le passage du temps et divers aspects de la communication entre les humains.
Native de Fergus, en Ontario, Karen Trask vit et travaille à Montréal. Détentrice d'une maîtrise en arts visuels de l'Université Concordia, elle a produit plus d'une vingtaine d'expositions solo dans diverses villes canadiennes et participé à de nombreuses expositions de groupe.

Guy Blackburn

2001-08-23T19:31:00.000-07:00

Le bunker antinucléaire inspire l'artiste
août 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Le blanc, l’espace médical, la prison, la blessure physique et morale, les enjeux politiques et sociaux: quand on sait que ces objets et préoccupations font partie depuis longtemps de l'univers esthétique de l’artiste Guy Blackburn, on comprend qu’il ait trouvé très stimulante l'invitation qui lui a été lancée l'été dernier par le Musée canadien de la Guerre Froide.
C’est bien ainsi que s’appelle maintenant le bunker antinucléaire du gouvernement canadien construit à la fin des années 50 à Carp, près d’Ottawa, mais il est aussi connu sous le nom à la fois ludique et ironique de Diefenbunker, puisqu’il fut édifié sous le règne du premier ministre John Diefenbaker. Treize créateurs ont donc été réunis par le centre d’artistes AxeNÉO7, situé à Hull, pour y monter des installations en rapport avec le lieu: l'exposition, présentée du 15 juillet au 31 octobre 2000 s'intitulait «Fissions singulières».
Guy Blackburn a tout de suite pensé qu’il serait intéressant de relier symboliquement, par quatre oeuvres occupant autant de salles, les quatre étages du bâtiment entièrement situé sous terre. Les oeuvres qu’il a réalisées alors sont maintenant présentées au centre d’artistes Espace Virtuel, de Chicoutimi, en même temps que sa nouvelle installation, «Aiguiser l'ailleurs», jusqu'au 1er septembre.

En nous faisant faire le tour du propriétaire, Guy Blackburn explique qu’il voulait perforer symboliquement les planchers du bunker en installant ses oeuvres dans quatre salles superposées, établissant ainsi une communication entre les quatre étages de cet édifice voué par essence au cloisonnement et au confinement.
Il a eu recours, selon son habitude, à des matériaux tels que tissu, bois, objets de récupération, métal, pour meubler ses salles blanches qui s'offrent comme des refuges, des chambres de convalescence pour la mémoire et le corps blessés. Les blessures renvoient aux soins, qui eux-mêmes ressemblent parfois à des agressions.
Il explique que les oeuvres correspondent aux quatre pouvoirs agissants dans la société, qui auraient sûrement été présents dans la structure sociale mise en place dans le bunker, s’il avait fallu utiliser celui-ci en cas d’attaque nucléaire: pouvoirs politique, économique, militaire, religieux.
Le pouvoir économique correspond à l’oeuvre intitulée «La réserve de beauté»: très complexe, elle comporte des lits ou morceaux de lits d’enfants, des échelles, barreaux et pattes, des paquets de tissu, le tout superposé et surmonté d'un miroir rond qui touche presque le plafond et fait penser à celui que l'on trouve dans une salle d'accouchement: «j’ai voulu remplacer la réserve d’or par une réserve de beauté», dit l'artiste. La beauté de l’enfance, comme une réalité qui adviendrait même dans un milieu confiné, ou comme l’idée, le souvenir, la nostalgie d’un passé révolu.
L'installation évoquant le pouvoir militaire, intitulée «La récolte du jeune soldat», comprend une multitude d'objets: rubans et médailles militaires, pièces de caoutchouc évoquant des morceaux de chair, étagère chargée de draps et de pompons blancs, chariot dont la tige maintient un oreiller au mur. L’essentiel demeurant la figuration d’une fenêtre «dans un endroit où il n’y en a pas», associée à une accumulation d'objets, et par conséquent de sens, autour de la mentalité, de l'appareil et des codes militaires, des notions de sacrifice, d'honneur et de mort.
Par contraste, l'oeuvre qui représente le pouvoir politique, «Protection politique», est fort dépouillée, consistant entre autres en un drap dont le centre a été découpé: en lieu et place du tissu, l'artiste a abondamment étendu sur le plancher cette crème de zinc qui sert à protéger la peau: c'est bien entendu une fausse protection, dit-il, rappelant que le monde politique a bien peu réagi à l'escalade nucléaire.
Le pouvoir religieux est évoqué par une structure d'échelles superposées formant une cage entourée de voilages, dans laquelle ont été placés quelques accessoires du culte, et qui repose sur des piles d'exemplaires du Nouveau Testament: si la religion offre un refuge aux âmes inquiètes en cas de crise, il s'agit là, tout comme son installation qui évoque une cage d'oiseau, d'un «Abri précaire», explique Guy Blackburn avec l'ironie qu'on lui connaît.

Guy Blackburn

2001-08-22T19:40:00.000-07:00

La charge narrative d'une vieille chaise
août 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - L'installation la plus imposante que présente Guy Blackburn à Espace Virtuel est aussi la plus récente, celle qui donne son titre à l'exposition: «Aiguiser l'ailleurs». La maison la Chasse-Galerie lui a proposé de réaliser une oeuvre installative à partir d'un objet insolite du folklore québécois, les deux éléments devant constituer le sujet d'un court métrage documentaire produit par les Productions Thalie à Québec.
Si les installations de Guy Blackburn ont toujours une forte charge narrative, c'est encore plus vrai pour celle-ci, que l'artiste a conçue en se racontant une histoire à propos de l'objet qu'on lui a soumis, à savoir une très vieille chaise de bois, sur laquelle l'oncle du cinéaste Martin Rodolphe s'asseyait pour aiguiser son sciotte. S'inspirant du sciotte et de la chaise qu'il avait pour ainsi dire imbriqués l'un dans l'autre, Guy Blackburn a conçu une oeuvre qui scie littéralement en deux la grande salle d'Espace Virtuel, par le biais d'une lame industrielle qui déroule ses dents le long d'un double panneau.

Pour faire contrepoids à l'aspect menaçant de la lame, l'artiste a installé par-dessus celle-ci un «vêtement» de voile blanc transparent, soutenu par des structures en barreaux de chaise dont l'éclairage reproduit la forme sur le tissu lui-même. Ceci confère à l'oeuvre de la sensualité, de la poésie, dit l'artiste, qui a aussi, pour compléter le tout, façonné sur un tour à bois 200 barreaux de chaise dont certains sont empilés au fond de la salle. «Si l'homme s'installait sur une chaise pour aiguiser sa scie, c'est qu'il voulait travailler à l'aise. Et s'il était confortablement installé, accomplissant des gestes qu'il connaissait par coeur, il pensait probablement à tout autre chose qu'au travail qu'il était en train de faire: il a peut-être eu des pensées sensuelles, des rêves érotiques», suppose l'artiste.
Notons que toute la pièce, avec ses voiles, ses structures de bois, ses cordages et ses anneaux, donne l'impression d'un grand vaisseau prêt à prendre le large.

Retour aux sources

Guy Blackburn est un de ces exilés saguenéens sur qui la région natale exerce un tel attrait qu'un jour, ils prennent la décision d'y revenir. Après avoir obtenu un baccalauréat en arts plastiques de l'UQAC, il a travaillé à Trois-Rivières, et pendant six ans à Montréal. Puis ce natif de Chicoutimi a eu un choix à faire: «j'avais l'impression de voler du temps pour pouvoir créer à Montréal, car j'étais sollicité de partout, mon atelier était devenu un bar où se rencontraient tous les artistes, et je ne pouvais pas non plus y travailler la nuit pour ne pas réveiller les gens de ma famille», raconte-t-il.
Alors il a pris la décision de poursuivre son travail à Chicoutimi, histoire entre autres de faire mentir l'opinion selon laquelle tout se fait à Montréal. Un an plus tard, en 1990, il réalisait l'exposition d'ouverture de la galerie Skol, à Montréal, avec quatre installations. L'événement a eu un impact médiatique considérable, critiques et artistes s'étonnant et se réjouissant d'accueillir un créateur de cette trempe qui venait de l'extérieur de Montréal.
Ce qui a fait bien plaisir à Guy Blackburn, qui trouve ici l'énergie, le temps et les stimulants nécessaires à la création. Depuis, il a souvent créé l'événement, en matière d'art, par ses installations et interventions à la fois originales et pleines de sens. On se souviendra notamment de «Quémander l'affection», une installation d'abord présentée à Chicoutimi, puis devenue exposition itinérante installée dans une «vanne» qui a parcouru neuf villes du Québec.
Guy Blackburn a été aussi à l'origine du regroupement d'artistes et de la fondation des Ateliers ToutTout, installés depuis peu à l'école St-Joseph, dans le secteur du Bassin. Il a exposé régulièrement, seul ou en groupe, au Québec en en Europe, initiant aussi des actions et interventions où la création artistique s'ouvre sur un message à caractère social. Récipiendaire de plusieurs bourses, il enseigne, donne des conférences et participe à des comités et jurys dans le domaine des arts.

Hector de Saint-Denys Garneau

2001-08-20T16:56:00.000-07:00

L'oeuvre picturale du grand poète
août 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - «L'univers de Saint-Denys Garneau» est une des plus étonnantes expositions présentées au CNE ces dernières années. Étonnante parce qu'elle nous fait découvrir un aspect tout à fait inconnu jusqu'ici de l'activité créatrice du poète québécois.
Et d'autant plus surprenante que l'univers du peintre apparaît comme totalement différent ce celui de l'écrivain. Si ce dernier, dans ses rares écrits, apparaît comme un être tourmenté et inquiet, sa fin précoce (en 1943 à 31 ans) succédant à une grave crise intérieure et à une période de silence littéraire, le peintre quant à lui offre l'image d'un homme jetant un regard tranquille et affectueux sur les paysages qui l'entourent, tentant d'en exprimer les beautés tout en s'accordant le plaisir de jouer avec les formes et les couleurs.
Ainsi les prévisions que l'on pourrait faire sur le travail pictural du poète Hector de Saint-Denys Garneau en s'appuyant sur ses écrits sont-elles déjouées. Par ailleurs, le grand nombre de toiles exposées permet d'apprécier complètement les diverses facettes du travail du peintre. Il semble en effet que les 56 tableaux qui constituent le coeur de l'exposition présentée au CNE représentent presque la totalité de la production picturale connue à ce jour de Saint-Denys Garneau. On apprend avec étonnement, en consultant le très beau catalogue réalisé par le Musée d'art de Joliette, que ces toiles n'étaient pas du tout connues du public avant 1993. Lui qui s'inquiétait tant d'être reconnu comme écrivain et qui vivait très mal le moindre soupçon de critique ou même d'indifférence à l'égard de ses écrits, ne s'est jamais préoccupé des réactions qu'auraient pu susciter ses tableaux, qu'il n'a d'ailleurs pas cherché à montrer publiquement.

L'exposition a été préparée par France Gascon, directrice du Musée d'art de Joliette, avec le concours de l'écrivain Yves La Roque de Roquebrune, neveu de Saint-Denys Garneau et qui a hérité d'une bonne partie de la production picturale de son oncle à la mort de celui-ci. L'exposition comprend également des oeuvres de peintres contemporains de l'écrivain, notamment Jean Palardy, John Lyman, Edwin H. Holgate, accompagnées de critiques et commentaires écrits par Hector de Saint-Denys Garneau (qui, incidemment, était le cousin d'Anne Hébert) sur ces oeuvres. Il y a aussi les aquarelles réalisées par Saint-Denys Garneau pour illustrer le roman «Les désorientés» (qui ne fut jamais publié) de Pierre Dansereau, son ami et confrère au collège Sainte-Marie de Montréal, et enfin des extraits de lettres à des amis où il parle de sa peinture.
S'il a abondamment parlé de ses joies et de ses déceptions de peintre dans sa correspondance, Saint-Denys Garneau ne s'est pas comporté en «professionnel» de la peinture: il n'a pas donné de titre à ses toiles, ne les a pas datées, n'a pas cherché à les vendre, n'a pris contact avec aucune galerie d'art. Bref, c'est comme si la peinture avait été pour lui un dérivatif, un aimable passe-temps.
Impression qui se corrige cependant quand on examine attentivement les toiles, regroupées dans l'exposition selon des thèmes tels que «À la ville», «Saisons», «La nature traversée» ou «Palette et géométrie». Le peintre a vraiment un style qui lui est propre, à travers lequel il sait faire passer, faire exister, sa vision des choses. Mais il donne toujours la priorité, justement, à ces objets, à ces paysages, à ces scènes et à l'atmosphère qui s'en dégage: jamais les caractéristiques de son style ne deviennent systématiques, il se tient loin du formalisme et de l'abstraction, même s'il connaît manifestement fort bien (ses écrits le prouvent) la grammaire et les enjeux de la pratique picturale.
Le principal sujet de ses toiles de petit format est le paysage: il peut être uniquement végétal, grandes étendues traversées d'arbres, mais le plus souvent il s'y trouve des habitations, maisons, granges, églises, qui découpent des espaces colorés et lumineux sur des étendues neigeuses ou verdoyantes. La découpe est parfois assurée par le bleu d'une rivière, l'ocre d'un banc de sable ou le brun orangé d'un sentier. Saint-Denys Garneau a aussi peint des scènes plus «urbaines», où il s'approche de son sujet, bout de rue, fenêtre, arrière-cour, pour lui donner un caractère plus intime, et quelques très rares personnages ou scènes d'intérieur. De l'ensemble se dégage une impression de joie, d'harmonie, de sérénité.
Une exposition à la fois fascinante, étonnante et belle que «L'univers de Saint-Denys Garneau», présentée au CNE jusqu'au 14 octobre.

Andrew Chartier

2001-08-09T05:44:00.000-07:00

Un jardin de bois dans la rivière
août 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Des fleurs rouges ont poussé dans la rivière! Du moins c'est ce que pensent les promeneurs qui s'approchent de l'eau, au bout du sentier situé dans le parc urbain de la Rivière du Moulin à Chicoutimi.
S'ils descendent plus près de cette masse rouge, ils s'apercevront cependant qu'il ne s'agit pas de fleurs, mais de pièces de bois en forme de losange, peintes en rouge et fixées sur des tiges de métal plantées dans le fond limoneux de la rivière. Pourtant, même si ce ne sont pas de «vraies» plantes, elles forment bel et bien un jardin: le Jardin transgénique de l'artiste Andrew Chartier.
En début de semaine, avec l'aide de quelques artistes du centre Espace Virtuel, qui présente l'installation in situ, celui-ci plantait dans la rivière les quelque 2000 pièces qu'il a taillées, peintes et polies une à une, dans son atelier, pendant plus d'un an. Avec du bois de cèdre récupéré à même les meubles qu'il avait fabriqués. «En privilégiant un lent procédé de fabrication qui compte au moins cinq étapes, j'ai voulu passer beaucoup de temps en atelier pour retrouver le sens du geste répétitif et quotidien sur lequel est basé le processus créatif», nous expliquait-il en entrevue.
Ces formes qui font penser de loin à des fleurs sont en quelque sorte un trompe-l'oeil pour le visiteur qui s'approche et découvre qu'il s'agit non pas de plantes mais de pièces fabriquées par l'homme. Ainsi l'artiste pose-t-il, dans un contexte public, la question du vrai et du faux, de l'artificiel et du naturel, de l'organique et du minéral. Mais il ne donne pas de réponse: il soumet sa création, empreinte d'une certaine poésie, à l'observation, à la réflexion du visiteur.

Et si l'oeuvre n'est pas végétale, organique, elle est vivante d'une autre façon: dépendante du lieu où elle se trouve, elle est sensible au vent, à l'eau, aux éléments naturels et humains, qui peuvent la modifier et même la détruire. C'est le deuxième lieu où Andrew Chartier plante son Jardin transgénique: la première fois, c'était à Rouyn Noranda, dans un parc botanique: les «fleurs» étaient donc placées en un groupe compact formant un motif quasi géométrique, comme ceux qui constituent les autres parties du jardin.
A Chicoutimi, elles sont plus dispersées et partagent leur assise avec les roches, les insectes, les vraies plantes aquatiques et les caprices du courant qui forment des motifs variés au fil de l'eau. Et si l'oeuvre est présentée ailleurs, ce sera encore très différent: les pièces sont comme des coups de pinceau, une matière toute prête avec laquelle il faut capter l'esprit d'un lieu. «Il faut surtout éviter de tomber dans la facilité, s'assurer que l'oeuvre va chaque fois prendre une nouvelle vie», précise Andrew Chartier.
Originaire de l'Estrie, celui-ci s'est d'abord intéressé à la photographie puis à la sculpture, et enfin à l'installation, qui correspond particulièrement bien à ce qu'il veut exprimer. Il aime créer des oeuvres en mouvement, auxquelles il intègre parfois la technologie et la vidéo, comme par exemple un ensemble d'objets bougeant autour d'une vieille laveuse, ou encore, une source lumineuse qui se déplacera sur 360 degrés, élément principal d'une oeuvre à laquelle il travaille actuellement.
Détenteur d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Bishop à Lennoxville, il entreprendra à l'automne des études de maîtrise à l'UQAM.

Stéphan Bernier

2001-08-02T17:04:00.000-07:00

Chair, sang, violence: ainsi va le monde
août 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Un ourson de peluche entièrement recouvert de tranches de steak cru. La sculpture pourrait susciter incompréhension, dégoût, rejet. Mais peut-être aussi réflexion et découverte de nouvelles significations. C'est en tout cas le pari de Stéphan Bernier, créateur de cette oeuvre et de plusieurs autres où il réunit des éléments de nature contradictoire. Mis ensemble, ces objets prennent des sens différents, inattendus: par exemple, l'ourson évoque l'enfance, l'innocence, tandis que la viande crue est reliée au sang et à la violence, alors on en arrive à évoquer la violence faite à l'enfance, explique le jeune artiste de Chicoutimi. Dans l'exposition collective Génération N, à laquelle il participe actuellement (à Estampe Sagamie d'Alma dans le cadre de la Biennale du dessin, de l'estampe et du papier-matière), il présente une grande estampe infographique utilisant aussi la viande comme élément pictural et signifiant, associée cette fois à l'image d'un animal et à des portraits: l'oeuvre s'intitule «Steak au poil».
Nous l'avons rencontré quelques jours avant son départ pour Baie-St-Paul, où il participe au 19e Symposium international de la nouvelle peinture au Canada (commencé depuis vendredi), avec dix autres artistes sélectionnés parmi plus d'une centaine ayant présenté des projets. Dans le corridor du Pavillon des arts, bien emballée et prête à partir par courrier, se trouvait l'immense toile de 210 par 210 centimètres sur laquelle il doit travailler pendant un mois.
«Le thème du Symposium, c'est l'être au monde, mais moi je veux plutôt parler du monde où on est, du monde de tous les jours», dit Stéphan Bernier. Sur un fond texturé afin d'imiter un mur de briques, il va intervenir par la peinture, à laquelle il va associer divers objets, comme un téléviseur qui s'allumera en détectant les mouvements des visiteurs, des sources d'éclairage, peut-être un appareil radio. Il va peindre, en grosses lettres et en anglais, un texte que l'on pourrait traduire ainsi: «ils sont heureux car ils mangent du gras», et plus bas, le mot «free».
C'est ainsi que Stéphan Bernier voit et veut représenter le monde où nous sommes, celui de la consommation, de la publicité, des médias d'information. «Autrefois, les artistes peignaient la nature qui les entourait. Ils le font encore aujourd'hui, mais la nature est devenue urbaine», dit l'artiste qui se réjouit à l'idée de travailler en public pendant un mois, soit toute la durée du symposium. Comme la plupart des visiteurs ne sont ni des spécialistes, ni des initiés, «c'est vraiment le moment de prendre le pouls des gens, de vérifier si notre discours passe bien, et aussi de rencontrer d'autres artistes», dit-il.
Natif de Laterrière, Stéphan Bernier n'a jamais vraiment pensé à une carrière qui ne soit pas dans le domaine des arts visuels, bien conscient par ailleurs qu'il s'agit là d'un choix «égoïste et égocentrique». «Il y a des peintures que je n'ai jamais vues et que j'aimerais voir: alors je les fais», dit-il. En outre, au cours de son bac interdisciplinaire en arts à l'UQAC, il a approché divers autres médias tels sculpture, infographie, scénographie, qu'il peut tout aussi bien utiliser dans sa création.
Comme celle des objets en apparence contradictoires, la combinaison des disciplines produit de nouvelles idées, de nouveaux sens, selon lui. Dans ses rêves les plus fous, il invente «une discipline qui n'a pas de nom». Mais finalement, c'est le projet qui importe, la discipline doit en découler, et non l'inverse.
Cependant, une fois terminée, l'oeuvre ne lui appartient plus: «ce qu'elle dit, ce n'est pas moi qui le dis. Ce que chacun ressent en la regardant, c'est ça la vérité, et il n'y a pas besoin d'autres explications. D'ailleurs, quelqu'un qui lirait les textes que j'écris dans le cadre de ma maîtrise n'aurait aucune idée de la nature de mes oeuvres», souligne-t-il.
Stéphan Bernier, qui termine cette année sa maîtrise en arts (volet création) à l'UQAC, mène déjà de front, si l'on peut dire, une carrière à deux volets: l'un individuel, l'autre collectif. Réaliser des oeuvres en groupe, c'est assez rare chez les peintres. C'est pourtant le défi que relève DeLaBeLa, le groupe d'artistes qu'il forme depuis trois ans avec Hugo Lachance, Patrick Desbiens et Frédéric Laforge. Ils ont déjà à leur actif de nombreuses réalisations, dont la plus récente est une création in situ installée à Jarnac, en France pour le centre d'artistes Danaé.
Sur place au mois de juin, les quatre membres de DeLaBeLa ont investi un petit hangar désaffecté: sur un des murs, ils ont réalisé une fresque peinte avec du sang de porc et du goudron, où on aperçoit notamment une croix sans branches, référence à un vieux crucifix sans bras retrouvé dans l'église locale. Ils ont ensuite placardé, percé et barricadé la toile. Sur deux autres murs ils ont installé un confessionnal, l'un représentant le bien, l'autre le mal, mais comportant chacun quelques éléments qui semblent contredire le sens initial, pour évoquer la présence marquée de la religion protestante dans cette région. L'ensemble comprend aussi un autel et des petites têtes en plastique sur lesquelles des cheveux des artistes ont été «greffés», et un récipient rempli de sang de porc. Après y avoir installé l'électricité et un système d'éclairage, les créateurs ont, au moment de leur départ, replacé dans les lieux les escargots qu'ils avaient chassés au début afin de pouvoir travailler... Histoire de vérifier les effets du passage du temps, quand ils y retourneront dans un an.
Après cette première invitation reçue par l'intermédiaire du centre d'artistes almatois Langage Plus, les quatre membres de DeLaBeLa en ont en effet reçu une autre, de la part du directeur fondateur de Danaé. «Il a aimé notre fonctionnement à quatre, qui suppose l'effacement de l'ego de chacun, alors il nous a demandé d'y retourner l'an prochain». Cette fois, explique Stéphan Bernier, le groupe va «retaper» à sa façon un édifice désaffecté, au toit effondré, en plein centre du village.

Frédéric Laforge

2001-05-16T11:04:00.000-07:00

Réfléchir en transgressant les tabous
mai 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Frédéric Laforge sera très occupé dans les mois qui viennent. Bien qu'il soit encore étudiant (à la maîtrise en arts de l'UQAC), ce jeune créateur a déjà derrière lui quelques réalisations, expositions, événements, et surtout une démarche esthétique qui pour le moment confère à son travail une orientation précise et une incontestable cohérence.
En entrevue dans l'atelier hyper-encombré qu'il partage avec d'autres étudiants au pavillon des arts de l'UQAC, devant quelques-unes de ses peintures où se côtoient les motifs répétitifs légers évoquant le style de la bande dessinée et les images choc de corps tordus, torturés, pendus, Frédéric Laforge nous parle de ses projets et des événements auxquels il a déjà participé, tout en nous expliquant le sens de son travail.
Il participera par exemple à l'événement Art Transmédia, organisé par la fondation Danaé à Jarnac en France, du 15 au 30 juin prochain. Le groupe d'artistes DeLaBeLa, qu'il forme avec Patrick Desbiens, Stephan Bernier et Hugo Lachance (le nom du groupe est la somme des premières syllabes du nom de chacun des membres), sélectionné sur la recommandation de Langage Plus, ira effectuer là-bas un travail «in situ». S'il ne sait pas quelle sera la nature ou le résultat final de ce travail, Frédéric Laforge a cependant déjà mis au point, avec les autres membres du groupe, la manière originale dont ils vont recueillir les éléments de base pour le réaliser. «Nous allons passer par les maisons et demander aux gens de nous fournir des objets désuets, des choses dont ils ne se servent plus», dit-il. Cette quête préalable aura entre autres pour effet, croient les artistes, d'établir un contact particulier et concret entre eux et les 5000 habitants de ce petit village charentais. Ils vont ensuite élaborer leur création autour des objets ainsi recueillis.

Par ailleurs au Québec, Frédéric Laforge participera, et plutôt deux fois qu'une, à la Biennale du dessin, de l'estampe et du papier-matière, qui se déroulera du 16 juin au 12 août prochain à Alma. Il a en effet été choisi pour la sélection officielle à l'issue du concours, tout comme l'a été Hugo Lachance, un autre membre de DeLaBeLa, et tous deux auront aussi des oeuvres dans une exposition parallèle intitulée Génération N (pour numérique) qui réunira un groupe de jeunes artistes.
Par ailleurs, il assume, avec Hugo Lachance, l'organisation d'un événement majeur qui sera tenu par le collectif Medium Marge en septembre prochain. Rencontres, performances, land art, work in progress: diverses activités de création réuniront une dizaine d'artistes et, on l'espère, un public nombreux. Les deux organisateurs travaillent depuis presque un an à l'élaboration du concept.
L'été dernier, Frédéric Laforge était l'un des 12 jeunes créateurs sélectionnés au 18e Symposium international de la nouvelle peinture de Baie-Saint-Paul. Il a trouvé l'expérience tout à fait stimulante. «Travailler devant les gens, être plongé dans le grand public pendant un mois, c'était très spécial, très concret», dit-il. Il a dû expliquer le sens de son travail à des non-spécialistes, parmi lesquels de jeunes écoliers.
Ce n'est pas évident de faire comprendre à des enfants pourquoi il y a du sang, des idées de violence sur une toile. «J'ai adapté mon discours pour leur expliquer c'est quoi l'univers du tabou, et comment je procède au mélange des codes entre cet univers et celui de la culture populaire», raconte-t-il. Expliquer aussi que ces évocations qui peuvent paraître choquantes n'ont pas pour but de provoquer les gens, mais peut-être plutôt de provoquer la réflexion.
Pour alimenter sa réflexion sur l'interaction entre l'univers de la culture populaire et celui du tabou, il lit beaucoup. Le marquis de Sade, Georges Bataille. Et «L'inévitable», de Jean-Paul Roger, qui vient tout juste de paraître aux édition XYZ. Le narrateur décrit les relations incestueuses qu'il a été forcé d'avoir avec son père quand il était enfant et met en relief l'ambiguïté d'une situation où la souffrance côtoie le plaisir pervers.
Mais tout ce qu'il voit et fait nourrit le travail de Frédéric Laforge, cela peut être aussi bien une bande dessinée qu'un film de Sergio Leone. Ou encore un voyage, comme ce séjour de coopération au Cameroun il y a deux ans. Il s'y est imprégné des gens, des paysages, de la lumière, des teintes: «ce n'est pas en arrivant là-bas, mais plutôt en revenant au Québec, que j'ai éprouvé un véritable choc», dit-il, ajoutant que tout cela lui apporte sans doute une vison plus juste du monde tout en se frayant un chemin dans certaines parties de son travail.

Frédéric Laforge

2001-05-15T11:08:00.000-07:00

Images dérangeantes et culture populaire
mai 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Fils d'un père dessinateur (Jean-Marie Laforge, ancien caricaturiste au Quotidien), Frédéric Laforge dévorait les bandes dessinées quand il était jeune, il en composait aussi et pensait à devenir bédéiste. Puis la création en arts visuels dans son sens large l'a attiré et il s'est inscrit au bac en arts à l'UQAC.
«Je me suis aperçu que deux thèmes sont toujours présents dans mon travail: celui du tabou, touchant le corps dénaturé par des attaques physiques, la maladie, la mutation, la guerre, la perversion, et celui de la culture populaire, du kitsch, aussi bien celui des films hollywoodiens que de la bande dessinée». Pour son projet de maîtrise, il a donc décidé de faire délibérément cohabiter et interagir ces deux univers, dans des peintures et peut-être aussi en explorant d'autres techniques, telles photo, sculpture, vidéo. C'est en somme son «plan de match» pour l'année qui vient.
Ses références picturales lui viennent des créateurs allemands Sigmar Polke et Martin Kippenberger, et de l'Américain Jean-Michel Basquiat, auxquels il emprunte la notion de dualité plastique, suggérant à la fois le contraste et les similitudes entre deux univers. Le premier est celui des «sujets futiles issus de la culture populaire, comme Rocky, le capitaine Cosmos, les marques de commerce ou encore les vieilles voitures ou les stars de la porno», icônes dessinées avec ironie qui renvoient au ridicule de la civilisation et au poids du consensus social.
L'autre univers, c'est une scène épurée, en général à un seul personnage, évoquant un événement dramatique comme une scène de guerre, de torture ou une image sexuellement explicite représentée de façon réaliste.
Cette dualité doit être résolue par différentes astuces, telles des formes, des couleurs, des entrelacements de motifs qui assurent la communication entre les deux réseaux d'images. De plus, le mélange de médiums vifs et nets comme l'acrylique à des matières diffuses comme le goudron assure la dualité des techniques qui reflète celle des thèmes. Sensible à la fois au dessin et à la matière, l'artiste peint sur une toile cousue ou sur une planche, y gravant un dessin qu'il remplit ensuite au goudron, ce qui produit un effet de saturation. Le goudron est parfois utilisé pour «salir» le fond de la toile.
Frédéric Laforge dit qu'il cherche à produire des tableaux qui se lisent rapidement et produisent un effet coup de poing. Il se constitue à cet effet une banque d'images, à partir de recherches sur Internet, dans des ouvrages de photojournalisme, les livres d'histoire de l'art, les dictionnaires de médecine. Le dictionnaire de la contestation «Un siècle rebelle», publié par Larousse, est entre autres devenu pour lui un précieux outil de référence.

Jacques Benoît

2001-05-10T05:54:00.000-07:00

Questions en forme de fantasmagorie
mai 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - De grandes images suspendues, détachées des murs et du plafond, qui semblent flotter dans la salle, illuminant la pénombre d'une multiplicité de couleurs et de formes: ainsi se présente l'exposition-installation de l'artiste Jacques Benoît, que l'on peut voir au CNE jusqu'au 10 juin.
Le titre de cette exposition, «D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous?», est emprunté à celui d'un tableau de Gauguin, considéré comme son testament pictural, que l'artiste est allé voir au musée des Beaux-Arts à Boston. Ensuite, il a mis six ans à réaliser les 13 pastels secs qui constituent le coeur de son travail. Un espace aménagé au centre de la salle sert à la projection de diapositives qui montrent des détails fragmentaires en agrandissements lumineux.
Également inspiré par l'univers fantasmagorique d'Odilon Redon, peintre, dessinateur et graveur symboliste français, avec lequel il partage la maîtrise des noirs, Jacques Benoît offre une imagerie néo-symboliste gorgée de références cosmiques, mythologiques, littéraires, où se côtoient la figuration et l'abstraction.
Astres, animaux, oiseaux, parties du corps humain, objets issus des règnes minéral, végétal ou animal, s'y entrecroisent, alternant avec des motifs abstraits et des bouts de textes pour faire de chaque toile un univers en mouvement. «L'homme y passe à travers des forêts de symboles/ qui l'observent avec des regards familiers», pourrait-on dire avec Baudelaire.
L'artiste a travaillé sur de grands rouleaux de papier Canson de 300 x 150 cm, commençant par le coin supérieur gauche pour les couvrir de ces traits qui finissent par constituer son «écriture» personnelle, «patiemment, comme on le ferait pour un journal intime», expliquait la critique d'art Monique Brunet-Weinman lors d'une conférence sur l'exposition qu'elle prononçait au CNE le 6 mai dernier.
Natif de Montréal, Jacques Benoît a étudié à l'École des beaux-arts, puis au Croydon College of art and Design de Londres. Après un stage à l'Open Studio de Toronto, il a obtenu une maîtrise en arts visuels de l'UQAM. Il a enseigné dans plusieurs collèges et universités et participé à de nombreuses expositions, en solo ou en groupe. Ses oeuvres font partie de collections publiques et privées dans différents pays. L'artiste vit et travaille à Saint-Lambert de Lauzon, près de Québec.

Rober Racine

2001-04-19T19:39:00.000-07:00

Une oeuvre multiforme et cohérente
avril 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Il y a d’abord eu les insectes, puis les mots, puis les notes de musique, puis les étoiles, et à nouveau les insectes et les mots. Toujours, patiemment, longuement, parfois pendant des années, Rober Racine a travaillé les petits éléments qui, ensemble, forment un réseau, une constellation, une carte géographique, un dictionnaire, un monde à la fois imaginaire, multiforme et cohérent.
On peut le constater en visitant l'exposition qu’il présente actuellement à la galerie Séquence, et qui comprend diverses oeuvres réalisées depuis 1985. Intitulée «Des insectes aux étoiles», elle témoigne de ce parcours qui va des oeuvres graphiques réalisées à partir du dictionnaire jusqu’aux cartes géographiques inspirées par les villes du monde auxquelles la NASA a prêté des «pierres de lune». Sur place, l'artiste, l’un des plus réputés au Québec, nous présente son travail. On y retrouve, légèrement modifiés, des éléments qu'il a déjà présentés ailleurs. Mais il a ajouté des objets nouveaux, banals pour un visiteur distrait, mais qui pour lui ont une grande importance car il a, dit-il, l'impression de livrer davantage de son intimité au regard du public, et cela le dérange, l’intimide quelque peu. Par exemple dans les deux cabinets disposés à l’entrée de la galerie, il a placé des objets qui font partie de sa vie: carnets de notes, livres annotés, photographies, dessins. Un insecte dans une petite fiole, témoin de ce que les insectes ont été son premier matériau de création, quand il était enfant. Ils devenaient, sous ses doigts guidés par l'imagination, les soldats d’une armée, les étoiles d'une constellation. Puis les mots ont pris la relève et sont devenus sa matière première, d'abord seuls, puis entourés d'autres éléments, graphiques et sonores.

La pièce la plus fascinante est sans nul «La musique des pages-miroirs», qui comprend quatre boîtes de bois accrochées aux quatre murs d’une petite pièce. Sur chacune est posée une de ses pages-miroirs, partie d'une oeuvre monumentale qu'il a réalisée en découpant, soulignant, enluminant, associant, collant les mots de chaque page du dictionnaire (le Robert bien entendu). Il avait souligné toutes les syllabes correspondant à une note de musique: sol, ré, mi et surtout le la, le plus fréquent. Il a lu et enregistré ces suites de sons sur des cédéroms que l’on peut écouter en approchant l’oreille de ces boîtes.
On peut voir aussi, dans une autre salle, 24 de ces pages miroirs. L'oeuvre intitulée «Spica» est une bande sonore qui fait entendre des noms d’étoiles. Il y a aussi une pointe sèche intitulée «Mare serenitatas». Une autre oeuvre, intitulée «Les voiles de la lune», est constituée de plaques de granit sur lesquelles est inscrit le nom d’une ville du monde où se retrouve actuellement une pierre du sol lunaire prêtée par la NASA. Les plaques sont disposées sur un mur en respectant plus ou moins les points d’une mappemonde où sont situées ces villes.
Chez Rober Racine, les disciplines ne sont jamais complètement séparées: dans chaque oeuvre ou presque, on retrouve des éléments graphiques, sonores, textuels, parfois vidéographiques. Il est à la fois musicien, compositeur, dramaturge, romancier, essayiste, performeur, vidéaste. Toutes ses oeuvres procèdent de l'accumulation, du réseau, de l'architecture. Il a planté les mots du dictionnaire dans un jardin, joué les «Vexations» d'Erik Satie 840 fois de suite, construit un escalier inspiré par le roman «Salambô» de Flaubert: chaque marche correspond à l'un des 15 chapitres du roman, et ses dimensions sont établies en fonction du nombre de mots contenus dans ce chapitre. En performance, Rober Racine gravissait cet Escalier Salambô, s'arrêtant sur chaque marche pour lire le chapitre correspondant. Durée de l'événement: une quinzaine d'heures...
Rober Racine estime cependant que l’écriture est la colonne vertébrale de toute son oeuvre: elle y a toujours été présente, et le sera de plus en plus, du moins c'est vers cela que le conduisent son intuition et son inspiration actuelles. Il veut surtout écrire d'autres ouvrages de fiction, après «Le mal de Vienne», «Là-bas, tout près» et «Le coeur de Mattingly» entre autres. Mais sans délaisser complètement la musique ou l'art visuel: «les images inspirent mon écriture et les mots me donnent des idées visuelles», précise-t-il.
Rober Racine, natif de Montréal où il vit toujours, a travaillé et exposé dans plusieurs grandes villes du monde, ses travaux sont fort bien connus en France notamment. Une importante rétrospective de son oeuvre sera présentée au Musée des Beaux-arts du Canada à Ottawa à l’été 2001.
L'exposition «Des insectes aux étoiles», pour laquelle Yolande Racine a agi comme commissaire et que l'on peut voir jusqu'au 3 juin, servira de point de départ à la réalisation d’un cédérom commandé à l’artiste par la galerie Séquence, projet appuyé par la Fondation Daniel Langlois et le Conseil des Arts du Canada. Le cédérom, support idéal pour un créateur multidisciplinaire comme lui, devrait être prêt vers la fin de l’année 2001, souligne Rober Racine.

Suzanne Tremblay

2001-04-19T17:09:00.000-07:00

Décès d'une grande artiste
avril 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Nous avons appris avec regret au début de cette semaine le décès de Suzanne Tremblay, sculpteure très réputée de Chicoutimi. Nous avions eu l'occasion d'interviewer cette artiste de grande valeur à l'occasion d'une exposition qu'elle présentait à la galerie Espace Virtuel, et d'écrire à ce sujet des textes dans le Progrès Dimanche du 12 mai 1999. Au cours de cette chaleureuse rencontre, Suzanne Tremblay nous avait parlé avec beaucoup de ferveur de son installation, intitulée «Plantation particulière», dont le matériau de base était constitué par des morceaux de bois recueillis dans le bois qui bordait son terrain du rang St-Martin. Elle les avait ensuite travaillés dans son atelier, leur associant de l'argile et des couleurs, pour créer 19 sculptures qui évoquaient «les luttes pour la survie, les naissances et les morts dont on ne sait rien et qui agitent le monde végétal et animal». Invitée à la Biennale de céramique de Trois-Rivières, elle y avait présenté cette installation avant de la proposer au Saguenay.
Suzanne Tremblay s'était dirigée vers l'enseignement après son bac en arts plastiques à l'UQAC. Mais un jour, nous racontait-elle, en regardant un potier travailler sur son tour, elle a éprouvé un véritable coup de foudre. Elle s'est alors dirigée vers cette pratique, fondant à Chicoutimi Le pot de terre, à la fois boutique et atelier qu'elle a animé pendant plus de dix ans. Puis elle a poussé plus loin son exploration de l'argile et s'est dirigée vers la création artistique, après avoir complété une maîtrise en arts à l'UQAC.
Elle nous confiait, lors de cette interview, qu'après avoir connu des ennuis de santé, elle se sentait d'attaque et avait beaucoup de projets en tête.
Le sort en a décidé autrement, malheureusement. Toutefois ses créations demeurent, celles qu'elle a réalisées dans le cadre de la politique du un pour cent, notamment à la bibliothèque de Chicoutimi, pour nous rappeler quelle artiste exceptionnelle a été Suzanne Tremblay et quelle précieuse contribution elle a apportée à la création artistique au Saguenay-Lac-Saint-Jean.

Arts visuels Saguenay

2001-04-17T10:25:00.000-07:00

Ce site regroupe mes articles sur les
arts visuels publiés dans
Le Quotidien ou Progrès Dimanche

entre 1994 et 2003

Léon Perreault

2001-04-05T17:48:00.000-07:00

Une poétique de l'environnement
avril 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Dans les deux salles du centre d'artistes Espace Virtuel, Léon Perreault, un artiste de Saint-Antoine-sur-Richelieu, propose deux installations à forte connotation poétique, évoquant la relation entre l'homme et son environnement. Dans la première salle, «Ether Dreams» comprend trois modules, chacun formé d'un pylône de bois sur lequel sont installées, respectivement, une hélice à trois pales, une voilure de petit avion, et une pièce qui ressemble à la voile d'un bateau.
Ces trois structures sont placées l'une derrière l'autre, directement devant la porte d'entrée de la salle, de sorte qu'il faut les contourner pour pouvoir examiner chacune d'entre elles. La matière dont sont faites les hélices et la voile, c'est du papier, superposé, encollé, longuement recouvert de couches de laque, d'un brun ocré aux chaudes nuances. Dans le cas des ailes d'avion, la matière est pâle, transparente, laissant voir les fines nervures de bois qui la soutiennent. Il y a du métal aussi, qui encadre, enserre ou entoure les dormes, et dont la rigidité fait contraste avec la souplesse apparente du papier.

A tout cela, il faut ajouter le mouvement: l'hélice tourne à la verticale, les ailes d'avion à l'horizontale, et la voile demeure immobile. La vitesse des deux mouvements est inégale, rythmée par le grincement du mécanisme, que l'on écoute comme une musique. Cela évoque le besoin humain de se déplacer et d'inventer les moyens pour le faire en accord avec les différents milieux, grands espaces désertiques, océans, air.
C'est subtil, apaisant, très zen.
L'installation «Les découvreurs», présentée dans l'autre salle, est à la fois plus dépouillée et plus fascinante que la première. Sept kayaks sont suspendus par une de leurs extrémités à une corde, passée dans un anneau fixé au plafond et enroulée autour d'un crochet posé au mur. Leurs forme est identique, mais leur matière diffère: papier, tissu, toile, vinyle, bois sculpté, contreplaqué ou métal. De chacun dépasse une tête, mais une tête seulement, directement fixée à l'ouverture scellée par une substance noire (peinture, goudron?) qui recouvre aussi l'arrière de la tête.
Ces formes qui se balancent et leur contenu d'apparence humaine, éclairés par les grandes fenêtres de la salle, évoquent le vent, l'eau, le mouvement, les instruments tels le fil à plomb qui permettent de mesurer ces phénomènes. L'idée d'une pendaison se profile aussi derrière tout ça. Comme la mort et la vie qui se côtoient, le désir de connaître et de découvrir les espaces lointains entraînant parfois les voyageurs vers des dangers inconnus.
Une exposition inspirante.

Claude Dallaire

2001-03-08T10:24:00.000-08:00

Ironie organique et photographique
mars 2001

par Denise Pelletier

LA BAIE(DP) - Le sens du jeu et l'ironie souriante ou grinçante: voilà quelques éléments qui se dégagent du travail photographique de Claude Dallaire. Fidèle à l'un de ses nombreux mandats, celui de diffuser le travail de personnes originaires de La Baie, le Musée du Fjord propose, jusqu'au 5 avril, une exposition de ce photographe d'origine baieriveraine qui a fait ses études en design à l'UQAM et a été finaliste au concours Lux Canada 2000.
Dans les trois volets de cette exposition, intitulée «Portraits et autres passions», l'artiste démontre son intérêt pour la mise en valeur du potentiel métaphorique des images. Son esprit ludique se manifeste en particulier dans la série des fruits, très clairement inspirée par le travail du peintre italien Arcimboldo, qui composait des figures et portraits avec des fleurs et des fruits. La démarche de Claude Dallaire, en photographie, consiste à associer la forme, la texture et la couleur des fruits ou des légumes, en les déterminant et modifiant au besoin, à un élément du visage ou du corps humain. Par exemple, un oeil entouré de bleuets, un nez peint en rouge et entouré de fraises, une bouche entourée de côtes d'orange ou encore un pied encerclé par un chapelet de gourganes.
Quelques photos sont organisées un peu différemment, entre autres les deux photos intitulées «L'artiste» et «Les artistes»: on y voit une main dans un cas, deux mains dans l'autre, tachées de peinture et tenant une asperge à la manière d'un pinceau. Et aussi la photo intitulée «Poilu», où on aperçoit le visage d'un homme barbu (celui de Claude Dallaire lui-même) entouré de fibres textiles sortant d'un chapeau et d'un col qui se confondent avec les cheveux et la barbe. Il y a deux formats de photos dans cette série des fruits: grand et moyen.

Une autre série, organisée autour du thème de l'oeuf, doit être vue en tenant compte des titres: il s'agit de photos en noir et blanc qui associent l'oeuf à une partie du corps. Par exemple: une femme tient un oeuf sur son sein sur la photo intitulée «La nourrice», un oeuf surmonte une main fermée dans «Le poing» (qui aurait sans doute pu s'écrire «le point»), un pied nu se pose sur un oeuf dans «La marche», et le titre «L'idée» coiffe la photo montrant une tête chauve surmontée par un oeuf.
La troisième série est orientée vers le portrait: portraits de femmes, dont plusieurs ont la peau foncée, auxquels ont été ajoutés des éléments graphiques destinées à évoquer une idée. Dans la photo intitulée «Le péché originel», ces éléments sont un serpent dessiné sur le dos et les fesses d'une femme, et, tout autour, le paradis terrestre, avec son arbres et ses pommes. La photo intitulée «Rêve d'enfant» montre une femme enceinte: sur son ventre et ses seins l'artiste a peint, à la manière naïve, un paysage où évoluent des enfants.
De cet ensemble à saveur symbolique se détache une photo intitulée «Portrait de Marguerite à une semaine»: on ne peut lui trouver de sens métaphorique, mais la photo de ce bébé, nu, couché sur le côté, les jambes recroquevillées et la tête relevée, est absolument superbe.
Bref, le travail de Claude Dallaire est à la fois intéressant et accessible: le visiteur appréciera son sens de la composition, sans doute développé à la faveur de ses études en design, et sa capacité à combiner figuration, narration et qualité esthétique.

Marc Garneau

2001-02-01T05:49:00.000-08:00

Alchimie du feu et du bois
février 2001

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - L'exposition «Les années de feu», consacrée aux oeuvres de Marc Garneau, est l'une de celles qu'il faudra voir cette année au CNE. D'autant plus qu'elle est très accessible, puisque plusieurs formes abstraites peuvent aussi être perçues comme des éléments figuratifs qui, associés aux titres, permettront au visiteur de se retrouver en terrain connu.
L'aspect le plus intéressant de ce travail, c'est le dynamisme et la puissance qui se dégagent de chaque oeuvre. On peut littéralement lire, en observant une toile de Marc Garneau, la description du combat dont elle est le résultat. Les traces de la lutte entre le feu et le bois, de la combustion arrêtée (parfois par l'eau ou la neige!) au moment précis où le tout risquait de disparaître, des interventions graphiques, des collages, de l'adjonction d'objets, bref de la gestation de l'oeuvre donnent à chaque composition un impact visuel incomparable.
L'imagerie qui résulte de ce jeu avec la matière évoque des lieux, des situations, des événements et des sentiments perceptibles par tous. «Amalgame I et III» pourraient évoquer des traces de vie animale sur la neige, «Plomb supérieur» un insecte flamboyant, «Lubie» un vaisseau spatial. On peut discerner dans «Translation II» une sorte d'animal de pierre et de bois, dans «Gerçure II» un humain sans visage et dans «Gerçure III» une tête d'extraterrestre ou encore un coeur gris gravé sur une pierre noire.

Finalement, chez Marc Garneau, l'imagerie, la matière et le geste se combinent pour parler au visiteur de disparition, de naissance, d'imaginaire, de rites. De la vie et de la mort en somme. Sans oublier la beauté fulgurante de certaines oeuvres, comme «Disjonction», «Tumulus II», «In memoriam XIII» et «Le passage».
Rencontre
L'exposition, qui comprend 46 pièces, constitue une rétrospective des cinq dernières années de travail de Marc Garneau, pendant lesquelles il a, littéralement, joué avec le feu. Rencontré sur les lieux quelques minutes avant le vernissage, l'artiste nous expliquait que, travaillant jusque-là le bois, le métal, le collage, les techniques mixtes, il a eu un jour l'idée de brûler au fer rouge une portion de la surface de bois sur laquelle il travaillait et d'intégrer le résultat à sa création.
Il a alors décidé de pousser le plus loin possible l'exploration du feu. Les circonstances s'y prêtaient puisqu'il venait, à la faveur d'un déménagement à la campagne, de prendre possession d'un grand atelier où il pouvait travailler aussi bien à l'extérieur qu'à l'intérieur.
Tel un alchimiste, il a tout appris des techniques du feu, mitraillant les surfaces de contreplaqué au lance-flammes, ou marquant de fines brûlures du papier marouflé. Sans négliger les autres matériaux, tels acrylique, cendre, gomme laque, fusain, graphite, vernis et cire, avec lesquels il effectuait des interventions. Sans jamais perdre de vue les principes qu'il avait adoptés: travail en deux dimensions, non-répétition des motifs ou des techniques, ouverture à ce qui se passe lors de la préparation, expérience évolutive. L'aspect très physique, et même dangereux de ce travail devenait une sorte de rituel d'où naissait la réflexion, où se décidaient les interventions, les gestes, les couleurs, les titres des oeuvres.
Il a ensuite, avec l'aide du commissaire Laurier Lacroix, monté cette exposition rétrospective, qui a été présentée en Montérégie l'automne dernier, et qui, après le CNE, sera présentée à St-Jérôme en mai et juin, et éventuellement dans d'autres galeries.
Originaire de Thetford-Mines et vivant maintenant à Montréal, Marc Garneau a, disait-il, des liens privilégiés avec le Saguenay-Lac-Saint-Jean. Non seulement il a remporté le Grand prix de la Biennale du Dessin, de l'estampe et du papier-matière du Québec, à Alma en 1997, mais il a participé à chacune des cinq éditions de la Biennale. De plus, il a présenté sa première exposition solo à Chicoutimi, à la Galerie Espace Virtuel, en 1985.
Depuis, il a réalisé plus de 30 expositions individuelles, au Québec et en Europe, et participé à près d'une centaine d'expositions de groupe. Ses oeuvres font partie des collections des principaux musées canadiens et de plusieurs grandes entreprises.

Richard Baillargeon

2001-01-25T19:36:00.000-08:00

Paysages désertiques et habités
janvier 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - L’exposition «Terres austères», du photographe Richard Baillargeon, présentée à la galerie Séquence jusqu’au 4 février, conduit le visiteur vers des paysages désertiques mais non pas désertés. Ces paysages en noir et blanc, dont les éléments ont en général des contours très nettement découpés, n’ont pas été photographiés dans leur état naturel. Ils ont été composés, retouchés, assemblés au moyen de dioramas qui permettent la superposition d’éléments imaginaires ou encore qui ne vont pas naturellement ensemble.
L’exposition occupe le hall d'entrée et deux salles de la galerie. Elle est disposée en ensembles de deux, trois ou cinq photos, et les photos de chaque ensemble sont de format identique, grand ou petit, en général carrées.
Mais il y a une exception: une photo, seule, intitulée «L’ombre», représente une lampe posée sur une table, ainsi qu'un un cendrier, un fauteuil, et peut-être un genou humain. C'est sans doute celle qui éclaire le mieux, littéralement, le sens général de l'exposition, car elle met en valeur le contraste entre ombre et lumière, comme toutes les autres pièces de l'exposition et comme c'est toujours le cas en photographie.
Ce contraste renvoie, d'une oeuvre à l'autre, à d'autres oppositions, par exemple entre entre monde sauvage et monde urbain, entre paysage intérieur et extérieur. Les photos de paysages laissent voir par exemple des arbres morts et parfois déracinés, isolés au milieu d’une plaine désertique, des horizons dénudés, des étendues d’eau d’un calme inquiétant, des jungles ou forêts immobiles aux essences bizarres.
Mais ce qu’on remarque davantage, ce sont les photos qui évoquent des dinosaures: évoquent, car il n’y a pas de représentation à proprement parler. Il y a une de ces photos dans chaque ensemble: se détachant sur l'image de fond, par exemple une terre sablonneuse ou un paysage à l’horizon dégagé, on aperçoit des squelettes, le plus souvent des parties de squelettes de dinosaures ou d’oiseaux préhistoriques.
On sent bien qu’ils n’appartiennent pas aux paysages sur lesquels ils se détachent: sur une des photos, par exemple, on aperçoit seulement la queue et la partie arrière de deux animaux qui sont littéralement en train de sortir du paysage.
Dans plusieurs ensembles est également placée une photo d’intérieur représentant mur et mobilier d’un endroit dénudé, insignifiant, probablement une chambre de motel de troisième ordre.
L’artiste nous convie donc à décoder ses images factices, composées de toutes pièces à partir d’éléments réels, soit les fossiles du Musée Tyrrel de Paléontologie en Alberta, et les paysages environnants où ces objets ont été trouvés. Le réel devient en l’occurrence simulacre, faux-semblant qui propose aux yeux du visiteur un univers de paysages délavés, d’êtres et d’objets qui semblent issus d’un autre monde mais qui rejoignent pourtant le monde réel et habité d’aujourd’hui. L’inquiétante immobilité de toutes ces images se propose comme l’envers de cette agitation perpétuelle, sans objet précis, qui est le lot quotidien de la plupart des gens, et peut entraîner une réflexion critique sur notre mode de vie.
Richard Baillargeon vit à Québec, où il est engagé dans divers domaines de la gestion, de la diffusion, de l’enseignement et de l’organisation d’événements en arts. Ses oeuvres ont fait l’objet de nombreuses expositions au Québec, au Canada et à l’étranger, et se retrouvent dans des collections de plusieurs institutions publiques.

Caroline Monette

2001-01-24T10:20:00.000-08:00

Dans l'Ossuaire, la fragilité du vivant
janvier 2001

par Denise Pelletier

LA BAIE(DP) - Sous le titre «Ossuaire», Caroline Monette présente au Musée du Fjord une exposition tout à fait remarquable: elle s'est servie de matériaux divers pour construire des tableaux qui évoquent les ossements de grands cétacés.
Au premier coup d'oeil, on croit voir de vrais squelettes, disposés dans des tableaux, et on s'attend à lire des explications techniques sur les petits cartons disposés au mur, comme s'il s'agissait d'une présentation de sciences naturelles. Mais en s'approchant des pièces, on constate que chaque image en relief a été construite au moyen d'une multitude d'éléments, et qu'il s'agit donc là non pas d'un objet prélevé dans la nature, mais d'une véritable oeuvre d'art.
Une oeuvre de patient labeur, d'ailleurs, car chaque partie est entièrement recouverte de petits morceaux de forme géométrique prélevés dans des magazines, découpés, déchiquetés, lacérés, puis superposés et collés sur le support. De plus, le choix des images n'a pas été fait au hasard, mais selon une sélection de formes et de couleurs qui donne à l'ensemble sa texture écailleuse et ses tons d'ocre, de terre brune ou rouge, d'or.
Quand on s'approche vraiment, on peut distinguer les sujets des images où ont été découpées ces petites pièces: meubles, étalages, maisons, églises et autres édifices, éléments d'architecture, de bois, de pierre, en général fabriqués par l'homme.
L'artiste détourne ce papier imprimé de sa fonction première et lui donne un nouveau sens, artistique celui-là. Et son procédé inclut aussi d'autres matériaux recyclés, tels bois, fil, papier journal, tissus et filets de pêche, qui sont intégrés aux collages: par exemple, de fines cordes dessinent les contours de plusieurs des formes.
En utilisant cette technique de collage, l'artiste a littéralement fabriqué des crânes et des nageoires de mammifères marins: à fanons ou mysticètes, soit le rorqual commun et la baleine franche, et à dents ou ondontocètes, le cachalot et le béluga. Ces «squelettes» sont collés sur des toiles de façon à former deux triptyques et un ensemble grand format de cinq modules. Ce dernier, disposé au fond de la salle, est le plus impressionnant de tous: l'artiste a «construit» un squelette complet de jeune baleine franche noire. L'oeuvre, grandeur nature, occupe cinq panneaux de 288 par 195 centimètres chacun. L'ensemble évoque indéniablement un suqlette de dinosaure. Sur les deux murs adjacents, deux triptyques de dimensions plus modestes offrent une représentation de crânes et de nageoires de mammifères marins d'apparence fossilisée. Dans certains cas, l'un des volets du triptyque est un cadre vide qui fait penser à une fenêtre. Fenêtre qui oriente la visite vers le propos fondamental de l'oeuvre.
Caroline Monette, on l'aura compris, ne visait pas l'imitation pure et simple en développant ses images d'ossements de cétacés. En mettant en évidence l'anatomie intime de ces mammifères, les os du nez, du front, des nageoires, elle évoque leur fragilité, celle des attaches et des articulations et celle de toute vie, car l'équation entre squelette et mort se fait très vite, qu'elle met en contraste avec leur puissance physique et leur taille impressionnante.
On décèle donc dans ce travail des préoccupations de nature environnementale et écologique, un intérêt pour les espèces menacées, et une capacité tout à fait remarquable à combiner étude scientifique et création artistique. L'ensemble, éclairé d'une façon particulière, est complété par un coffret de bois et de filet rempli de véritables ossements de baleine, appelé «Reliquaire». Dégageant beauté et noblesse, l'exposition est de nature à provoquer, chez le visiteur, des émotions diverses et contradictoires: admiration, curiosité, inquiétude, tristesse, par exemple.
Native de Pohénégamook, Caroline Monette vit et travaille à Saint-André de Kamouraska. Elle a réalisé plusieurs performances, présenté des expositions en groupe ou en solo, et complété sa formation universitaire par des études et recherches sur l'art du collage auprès de musées, galeries et centres de documentation.

Patrice Duchesne

2001-01-18T17:49:00.000-08:00

Tenter l'autopsie du quotidien
janvier 2001

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Faire l'autopsie du quotidien: voilà tout un programme, et c'est celui que propose l'artiste Patrice Duchesne à Espace virtuel, jusqu'au 12 février, dans une installation intitulée «Autopsie au quotidien». Un défi vaste et complexe, d'autant plus que le quotidien en question n'est pas le journal qui porte ce nom, mais le quotidien de tout le monde et de tous les jours.
L'exposition comprend une multitude d'objets ou parties d'objets, tels matelas, ressorts, sacs de toile, courroies, boucles, tissus, planches à repasser, masques anti-poussière et autres instruments d'atelier, qu'il a détournés de leur fonction première et associés à son propre geste créateur, accompli au moyen de pinceaux et de crayons, pour en faire une installation à la fois familière et étrange, sympathique et incongrue.
Avec tous ces éléments, il construit un espace dans lequel il est question, nous disait-il lors d'un entretien réalisé à la galerie quelques heures avant le vernissage, d'ouverture et de fermeture, d'approche et de recul, un espace dynamisé par la performance qu'il a réalisée lors du vernissage, laquelle évoquait les actions accomplies pour modifier les éléments quotidiens dont il disposait.

Par exemple, il a éventré des matelas d'eau pour ne conserver que leurs enveloppes de plastique, auxquelles adhèrent encore, dans l'exposition, les dispositifs antivagues. Il a aussi recueilli tous les ressorts d'un matelas ordinaire, les a emballés dans de la toile, reliés entre eux et disposés sur les murs, par terre dans toute la salle, tels des sentiers qui mènent d'un point à l'autre.
Tout cela est associée à une imagerie corporelle. Sur une série de sacs de toile (ceux qui servent à transporter les bulletins de vote lors des élections), on aperçoit l'esquisse d'une tête humaine. Pour réaliser ces dessins, Patrice Duchesne a plongé sa tête dans chaque sac et tenté, à l'aveuglette, de la dessiner sur la toile. Dans la salle voisine, qu'il occupe également, il a réalisé des dessins sur des sacs de papier en y plongeant sa main et en dessinant directement avec des crayons et de la peinture, laissant couler les couleurs d'un sac à l'autre.
Cette idée de l'impression, de la trace, il l'a concrétisée dans une des actions posées lors du vernissage: au moyen d'un tampon-encreur, il imprimait un dessin de sa tête dans sa main, et, en serrant la main des invités, il imprimait le même dessin dans leur main.
Utilisant le visage d'une autre façon, Patrice Duchesne a filmé des gens, lui-même et une amie, en gros plan et en flou, produisant intentionnellement des images vidéo «trash», qui sont diffusés par deux moniteurs noir et blanc posés chacun sur une planche à repasser, d'où partent les bandes de ressorts qui pénètrent dans la salle à travers une porte et une fenêtre découpées dans un pan de mur.
Patrice Duchesne saisit donc les objets après qu'ils aient été utilisés et détruits. Plutôt que d'en faire une véritable autopsie afin de reconstituer leur histoire, à la manière d'un médecin légiste, il leur donne une nouvelle vie, en les intégrant à une oeuvre, comme il le fait pour le mot autopsie auquel il donne un nouveau sens. Il les tire de l'espèce de no man's land social et psychologique où ils se trouvent, et, par une série de gestes créateurs, provoque leur irruption dans la conscience du visiteur. Au contact de l'installation, celui-ci se trouve renvoyé à sa propre vie quotidienne et à des réflexions sur ses relations avec les objets qui l'entourent.
Patrice Duchesne, membre du collectif d'artistes ToutTout, détenteur d'un baccalauréat en arts de l'UQAC, s'est d'abord intéressé au développement des formes organiques, et il a toujours utilisé des matériaux de récupération dans ses installations et expositions. Sélectionné par le Symposium de peinture de Baie St-Paul en 1995, il a présenté ensuite quelques expositions, notamment en duo à Espace Virtuel en 1997, et l'exposition solo «Les nuits liquides», à Langage Plus en 1999. L'été dernier, avec une demi-douzaine d'artistes du saguenéens et montréalais, il a participé à un Festival d'arts à Jarnac, en France.

Claudine Cotton

2000-12-07T17:32:00.000-08:00

Percutante perception
décembre 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - La myopie, et les troubles de la vision en général, soulèvent des questions fondamentales sur la perception. C'est en tout cas ce que pense l'artiste Claudine Cotton, et c'est un sujet sur lequel elle travaille depuis quelque temps, puisant ses idées dans son expérience personnelle. L'exposition «Borderline», qu'elle présente actuellement à la galerie Séquence, en témoigne de façon multiple et percutante. Nous avons d'abord fait avec elle une «visite guidée» de son installation, qui occupe les trois salles de la galerie.
«Le déclic s'est produit il y a quatre ans: j'ai eu l'idée de travailler sur la perception et j'ai laissé mijoter tout cela jusqu'à maintenant», dit-elle. Elle a présenté en janvier dernier une première version de son installation à la galerie Articule à Montréal.
Elle évoquait alors une contrée rendue lointaine du fait de la difficulté à la voir, tandis qu'à Séquence, elle propose plutôt des idées sur ce que l'on voit à l'intérieur de soi, et sur le fait que toute perception est orientée, modifiée, affectée par ce que l'on est. Selon nos idées, notre état d'âme, nos refus ou nos adhésions à des objets ou à des personnes, «on choisit ce que l'oeil voit, et comment il le voit», explique l'artiste, et il demeure toujours ardu d'être franc avec sa propre vision. Franchise déjà mise en péril par le fait de porter des lentilles de contact: on cherche ainsi à camoufler le fait qu'on ne voit pas bien.

Toute l'exposition est d'ailleurs édifiée autour de la lentille de contact, qui lui sert d'unité de base, comme la brique est l'unité de base d'un édifice. Là où c'est le plus évident, c'est dans la troisième salle, où l'artiste a construit un «double foyer» et fabriqué plus d'une centaine d'insectes. Chacun de ceux-ci est formé de deux lentilles cornéennes formant les ailes, réunies par une petite ampoule, et les antennes sont formées par deux cils de l'artiste. Les «insectes» sont disposés dans deux cadres de fenêtre, l'un fermé, l'autre ouvert et qui les laisse échapper vers le mur où elles ont été fixées: c'est cela, le double foyer. Un autre élément, un boîtier de verre, contient en quelque sorte deux yeux fermés: la ligne des paupières est dessinée par des chas d'aiguilles dans lesquels sont enfilés des cils.
Il se dégage de cette salle une impression de douceur, de délicatesse, alors que la salle du centre, occupée par des éléments relatifs à l'imagerie du Far West, est «une salle dure», qui évoque la conquête d'un territoire sans cesse menacé et menaçant, explique Claudine Cotton. Plusieurs éléments, selle, tapis, loups (masques), sont confectionnés en gomme, le matériau des gommes à effacer: présence et absence à la fois. L'élément le plus frappant est une corde formant un noeud coulant, fabriquée en néon lumineux rose, qui éclaire et «contamine» tout le reste. Aussi une ceinture de tir sur laquelle, au lieu de cartouches, Claudine Cotton a inséré des petites bouteilles comme celles dans lesquelles les fabricants placent les verres de contact. Elle a moulé des doigts, sur le bout desquels on place la lentille avant de la porter à son oeil, et des bouts de pied, enfilés dans des bouts de bottes de métal, posés sur des pistes de caoutchouc. Sur chacun, elle a inscrit quelques mots d'un texte décrivant le rituel de l'enlèvement et de la pose des lentilles, qui commence ainsi: «chaque soir, je prends mes deux petits yeux invisibles et je les noie dans des solutions stériles».
Jeu du visible et du perçu, topographie du regard, qui est lui-même un écran, une barrière comme celle en bois construite par l'artiste, et qui permet la création des objets: voilà quelques pistes indiquées par Claudine Cotton pour nous permettre d'appréhender son installation. Mais on en découvre bien d'autres en parcourant ces éléments à fort potentiel signifiant: la métaphore des loups, à la fois masques et animaux dangereux, le néon rose évoquant tout autant le clinquant factice et le lasso qui emprisonne et qui tue. On peut penser aussi au reflet et au mirage, au brouillard, à l'opacité et à la transparence, à la circulation des fluides et des liquides, entre autres.
Suite logique de ses précédents travaux, l'exposition «Borderline» prend place aussi dans l'ensemble des manifestations organisées par Claudine Cotton. Ce qu'elle appelle des manoeuvres poétiques, qui impliquent non seulement la confection de pièces et d'objets considérés comme des oeuvres, mais des actes interdisciplinaires mettant en cause les personnes ou les éléments du milieu où ils se tiennent.
Par exemple, elle réalisera bientôt un projet issu de «Borderline» et appelé «La clinique visuelle Trois motifs de souplesse», en collaboration avec le centre d'artistes Dare-Dare à Montréal. Elle a demandé à divers consultants de lui fournir des «motifs de souplesse», sous forme textuelle et graphique. Elle réalisera, à partir des propositions reçues, des dépliants comme ceux que l'on trouve dans les cliniques visuelles pour vanter les nouveaux produits. Ces dépliants seront, dit-elle, des filtres pour apaiser les yeux, il s'agit donc, en réalité, de «poésie palliative».

Claudine Cotton

2000-12-06T17:37:00.000-08:00

En quête de matériaux et de contacts
décembre 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Claudine Cotton est venue assez tard à la création artistique. «Cela m'attirait, mais je savais que si je devais prendre cette voie, ce serait un engagement sérieux, profond, qui occuperait toute ma vie», dit-elle. Originaire de la Gaspésie, elle est venue à Chicoutimi pour faire ses études en enseignement des arts plastiques à l'UQAC, après quoi elle a enseigné. «J'aimais assez ce métier, mais il ne me satisfaisait pas totalement», dit-elle.
Elle a donc mûrement réfléchi, puis s'est investie dans la vie et le métier d'artiste. De l'artiste qui crée non seulement des oeuvres, mais des événements, des relations. Dans la plupart de ses projets, il y a un aspect circulation, échange impliquant des personnes: «je vais sur le territoire de l'autre, et réciproquement», dit-elle.
Par exemple, pour plusieurs de ses installations, elle doit entrer en contact avec des travailleurs qui ne sont pas des artistes, pour faire usiner des pièces, par exemple. Ce fut le cas pour un élément de «Borderline», ce néon rose en forme de lasso terminé par un noeud coulant.
Elle s'est adressée à l'entreprise Enseignes néon Pierre Ste-Marie, d'Alma, cela a permis selon elle des échanges intéressants sur la nature du travail de chacun, sur le rapport entre la matière et la création. Elle s'est aussi adressée à des ophtalmologistes et optométristes pour obtenir des lentilles cornéennes et divers éléments de son exposition. Des effleurements plutôt que des rencontres, prend-elle le soin de préciser, qui ont pour effet d'instaurer «un rapport poétique dans un univers où il n'y en a pas».Outre son projet «Clinique visuelle» à Montréal, elle en a un autre en chantier pour 2001, qui se tiendra au centre d'artistes 3e Impérial de Granby. Jouant sur les notions de ruralité et d'urbanité, elle compte réunir d'anciens «laboureurs» pour leur «voler leur poésie», afin de produire une bucolique, un poème pastoral, dont le lancement aurait lieu dans un champ labouré. Elle les accueillera dans une auberge «couette et café», afin de recueillir leurs propos. Les résultats seront inscrits sur des oreillers de voyage, dans des avions conduisant les touristes vers le Sud: littéralement, un vol de poésie.
Ses projets prennent souvent la forme d'une collecte, d'une quête. Une quête de baisers à Amos, par exemple. Ou une quête de battements de coeur au Symposium de Moncton: elle avait enregistré les pulsations cardiaques de 67 personnes choisies au hasard sur la rue, qui ont servi de matériau à un montage sonore de trois minutes. Elle a travaillé l'été dernier, à Jarnac en France, dans le cadre d'un échange entre les galeries Danae et Langage Plus d'Alma, à un projet intitulé «Transvernacularité», impliquant des rubans tendus entre des volets, des brodeuses, un tableau ancien.
Membre active des Ateliers Touttout et de la galerie Le Lobe, et avant cela de l'Oreille Coupée, Claudine Cotton a aussi réalisé plusieurs travaux dans le cadre du programme d'intégration de l'art à l'architecture, notamment les bibliothèques municipales de Falardeau et de Dolbeau, la Pulperie et le Pavillon des Humanités de l'UQAC.

Denise Lavoie

2000-10-26T10:05:00.000-07:00

Pour mieux faire connaître le design: création et administration
octobre 2000
par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Parmi les disciplines artistiques dont les médias parlent le moins, il y a le design. On ne sait pas trop si ceux qui le pratiquent sont des concepteurs, des gestionnaires, des individus, des entreprises, des artistes ou des artisans.
C'est en fait tout cela, ou une partie de cela, simultanément ou successivement, que doit pouvoir être l'artiste en design, souligne Denise Lavoie, fondatrice et directrice de la Boîte Rouge vif, organisme sans but lucratif qui s'est donné pour mission de promouvoir le design au Saguenay-Lac-Saint Jean. Mais Denise Lavoie est sans doute mieux connue du milieu culturel régional parce qu'elle occupe, depuis juin 1999, le poste de présidente du Conseil régional de la culture.
Elle a accepté ce rôle parce qu'elle y a vu une occasion de mieux faire connaître sa discipline, et aussi pour défendre les travailleurs culturels en région, en travaillant à développer et à consolider leurs emplois. Ce sont des emplois précaires, qui durent huit à neuf mois, et les organismes qui engagent ces travailleurs doivent, à cause des limites de leur budget, les congédier pour l'été, alors qu'ils pourraient effectuer des travaux très utiles pendant cette période, dit Denise Lavoie. L'entrevue s'est déroulée tout près de la Galerie l'Oeuvre de l'autre, où a lieu une exposition qui fait partie d'un important événement régional en design auquel elle est associée (voir autre texte).

La ministre de la culture Agnès Maltais, qui ne connaissait pas cette problématique, s'est montrée réceptive aux propos des représentants du CRC, qui lui disaient notamment que ce serait préférable d'augmenter le budget de fonctionnement des organismes afin de les aider à conserver leurs employés, plutôt que de fonctionner par projets d'emplois temporaires, où se perdent beaucoup d'énergie et beaucoup de temps. Par ailleurs, à ceux qui croient que les CRC font double emploi avec les directions régionales du ministère de la Culture, Denise Lavoie répond que le rôle des deux instances est complémentaire, mais différent: les CRC sont des organismes de terrain, qui ont un mandat de cueillette d'information, de concertation, de contacts avec les artistes et les différents intervenants, tandis que les directions régionales s'occupent davantage de la gestion des programmes et des relations entre le milieu et le ministère de la Culture, précise-t-elle.
Quant à elle, elle a choisi le design parce que c'est une discipline hybride qui fait appel autant à la créativité qu'à la technique: le designer doit se servir de son imagination, et aussi de sa capacité à traiter et résoudre des problèmes techniques concrets. Quand on conçoit un objet en design, il faut se préoccuper de l'utilisateur: «j'aime tenir compte de l'autre, de celui pour qui je le fais», dit-elle. Pour elle, travailler sur commande est un stimulant beaucoup plus qu'un frein.
Denise Lavoie est venue assez tard à l'art et à la création. Native de Saint-Honoré, elle a étudié en secrétariat, puis en administration et elle a été pendant 14 ans secrétaire au département de radio-oncologie de l'hôpital de Chicoutimi. Après avoir discuté de décoration et d'aménagement avec un ami, elle s'est inscrite à un cours d'aménagement intérieur au Cégep. «Je voyais cela comme un loisir, j'ai pensé que cela me permettrait de décorer mon salon!» dit-elle. Cependant, le professeur l'a remarquée et lui a conseillé d'aller plus loin, de s'inscrire au nouveau certificat en design d'aménagement, qui s'ouvrait à l'UQAC.
Avec des étudiants qui avaient quelque dix ans de moins qu'elle, Denise Lavoie s'est donc initiée au dessin, au modelage, à diverses pratiques artistiques dans lesquelles elle n'avait aucune expérience. C'est tout un autre aspect de la vie qui s'est ouvert à elle, et qui a peu à peu pris toute la place. Elle a alors éprouvé la nécessité de faire un choix. «Tout le monde à l'hôpital me conseillait de prendre un congé pour me donner le temps de réfléchir, mais j'ai préféré démissionner», dit-elle.
Elle a mis sur pied un bureau de consultation en aménagement, mais elle a senti le besoin de parfaire sa formation et s'est inscrite d'abord au baccalauréat, puis à la maîtrise en création, option design à l'UQAC. Chargée de cours à l'UQAC, elle continue à parfaire sa formation, dans différents domaines. Elle a mis sur pied la Boîte Rouge vif, avec Élisabeth Kaine et Geneviève Lapointe. Jusqu'ici, elles ont réalisé quelques contrats en design de communication, par exemple la confection d'un calendrier de bureau à l'intention des professeurs dans le cadre du programme de promotion des arts qui réunit le milieu des affaires le milieu scolaire et Ville de Chicoutimi
Les fondatrices de la Boîte Rouge vif ont opté pour la formule «sans but lucratif», se donnant comme objectifs de faire de la recherche et du développement, et d'éditer et distribuer des objets faits en région. Elles ont aussi ajouté un volet «service aux entreprises» qui, s'il fonctionne bien, pourra éventuellement leur assurer l'autonomie financière, étant donné que les subventions sont rares dans le domaine. Développement économique Canada leur a cependant accordé une aide financière pour leur permettre de réaliser une campagne de promotion du design dans le milieu des affaires.

Denise Lavoie

2000-10-25T10:10:00.000-07:00

Les Paysages divers de la culture autochtone
octobre 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Depuis 1993, Denise Lavoie est associée au projet «Design et culture matérielle», mis sur pied en 1990 par Elisabeth Kaine, qui a dirigé sa thèse de maîtrise à l'UQAC. Ce projet, qui a pour but la mise en valeur des objets traditionnels des cultures autochtones, s'est développé depuis ce temps par le biais de diverses activités en milieu scolaire, dans le Grand Nord et au Saguenay-Lac Saint-Jean.
Diverses facettes de ce projet seront communiquées au public par le biais d'un événement régional en design d'une envergure exceptionnelle, intitulé «Paysages divers», dont le coup d'envoi a été donné jeudi dernier et qui se poursuivra jusqu'en janvier 2001. Il mettra en valeur la création multiculturelle sur le thème général «Paysages divers», par des expositions, ateliers et rencontres. Trois expositions, donc, dont la première, «Paysages», présentée à l'Oeuvre de l'Autre jusqu'au 19 novembre, réunit les oeuvres de deux photographes et quatre designers, parmi lesquels Denise Lavoie, sur le thème de la création interculturelle. Une deuxième exposition, intitulée «L'objet que j'aime, sera présentée au CNE de Jonquière du 9 novembre au 4 janvier, et comprendra des objets anciens et actuels, artefacts de la culture autochtone provenant de musées et choisis pour leurs qualités «design». On y trouvera également des prototypes d'objets conçus par des jeunes Inuits au cours d'ateliers animés entre autres par Denise Lavoie et Élisabeth Kaine dans le Grand Nord, et des créations d'étudiants en design de l'UQAC. La troisième exposition, «Design et culture matérielle», présentée au Musée Amérindien de Mashteuiatsh du 30 novembre au 5 janvier, réunira les créations d'une cinquantaine d'élèves de cinquième année, âgés de dix ans, des écoles St-Denis de Chicoutimi et Amishk de Mastheuiatsh, qui participent actuellement à des ateliers de création d'objets orientés vers le design, animés entre autres par Denise Lavoie.

Celle-ci croit que ces ateliers offrent une possibilité de développement, d'ouverture et d'échanges fructueux aux jeunes qui y participent. Tout y passe: l'histoire, le français, la culture, l'expression orale, la valorisation et l'estime de soi, explique-t-elle.
En 1996 et 1997, elle s'est rendue quatre fois dans le Nunavik, notamment à Kangiqsualujjuaq et Inukjuak, pour animer des ateliers dans les communautés inuites, avec des enfants de dix ans. Ils devaient par exemple, sur le thème «mon lieu préféré», concevoir une façon d'apporter dans un lieu donné les objets auxquels ils tiennent: par des attaches, des sacs ou autrement. Sur le thème de «la cachette», ils devaient imaginer comment cacher un objet aimé: les jeunes avaient tendance à concevoir des gestes reliés à leur culture traditionnelle, comme percer, tresser, attacher, alors que les jeunes non autochtones ont plutôt tendance à vouloir brocher, visser, clouer des objets. Comme ces jeunes Inuits tenaient à conserver les objets qu'ils avaient conçus, on en a fabriqué des prototypes qui seront montrés à l'exposition au CNE.
Pourquoi enfin cette mise en valeur des objets de la culture autochtone? Tout simplement parce que la notion de design aujourd'hui ne se limite plus au Bauhaus et aux grands designers italiens et allemands: on se rend compte, dit Denise Lavoie, qu'il existe depuis le début des temps et que certains objets autochtones peuvent se réclamer des attributs du design: fonctionnalité et beauté esthétique. Par exemple, le kayak est un objet parfait à cet égard, de même que les vêtements faits de peaux superposées, qui ont inspiré les fabricants de vêtements de sport à multicouches isolantes.

Chantal Beaulieu

2000-10-18T10:16:00.000-07:00

Ode à la gravité de l'inutile
octobre 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - «Un clin d'oeil à l'inutilité et à la gravité de l'oeuvre d'art»: c'est ainsi que Chantal Beaulieu décrit l'exposition qu'elle présente à Espace Virtuel jusqu'au 3 novembre.
Les sculptures et tableaux de cette exposition, intitulée précisément «Gravité», ont été confectionnés à partir d'objets utilitaires que l'artiste a collectionnés, récupérés et transformés. Ce sont des oeuvres uniques ou des séries d'oeuvres qui ont entre elles des points communs et des différences.
La série la plus frappante est sans doute celle des cravates, faite de dix petits cadres de bois renfermant chacun une cravate nouée de façon très correcte sur le plastron et sous le col d'une chemise blanche. Ce sont de vraies cravates, aux teintes sobres, unies ou encore à discrètes rayures ou à petits pois.
Mais sous le noeud, au lieu de pendre comme des cravates normales, elles ont été enroulées de façon à former une spirale un peu plus grosse que le noeud lui-même. Appelées «les objets de la gravité», ces cravates défient en réalité les lois de la gravité, puisque leur bout, plutôt que de de pointer vers le bas, a effectué un parcours dynamique vers le haut...

Un autre ensemble d'«objets de la gravité» comprend trois montages, installés aussi dans de petits cadres en bois: dans l'un se trouve un fil à plomb, allusion directe à la gravité puisque c'est son principe d'action. Mais là aussi le principe est «contrarié» par le fil lui-même, qui au lieu d'être tendu par la pièce de plomb, est tout enroulé et mêlé en une masse plus ou moins formée. Dans un autre cadre, on aperçoit un cintre en bois dont les deux extrémités ont été repliées vers les côtés et vers le bas, le long des contours du cadre.
L'installation comprend aussi des pièces posées au sol, par exemple un grand arc de bois à la corde tendue. Il n'y a pas de flèche, mais s'il y en avait une, elle pointerait vers le petit lapin de plâtre posé un peu plus loin. L'oeuvre s'intitule «La flèche perdue (mais qui s'en soucie)». Il y a aussi un ensemble de 19 chapeaux de paille posés en tous sens et piqués sur des baguettes de bois qu'ils relient comme les piquets d'une tente.
Mais l'oeuvre qui parle le plus de la gravité, c'est celle qui s'intitule «Les actions de la gravité: prendre la peine de s'alléger». C'est un petit cheval gris-blanc fait d'argile, une sculpture entièrement parsemée de trous qui la percent de part en part. La créature, accrochée par les pattes de devant à une tige de métal posée au mur à hauteur du regard, semble assise ... dans le vide. Cette figure charmante, mi-animale, mi-humaine, défie la gravité à cause des trous qui la font paraître légère comme une dentelle, et parce qu'elle semble parfaitement à l'aise de se trouver ainsi entre le sol et le plafond.
En s'amusant avec les lois de la gravité, Chantal Beaulieu accomplit donc tout un travail sur la rupture du rythme, le détournement du sens et les possibilités du langage visuel. Originaire de la région du Témiscouata, l'artiste a étudié à Rimouski, puis à l'Université de Montréal, où elle a complété une maîtrise en photographie et arts plastiques. Elle vit et travaille à Montréal.

Pierre Hamelin

2000-10-05T09:52:00.000-07:00

Traquer l'univers en décomposition
octobre 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP)- A la galerie Le Lobe jusqu'au 12 octobre, Pierre Hamelin propose «Instatique 2», un travail qui pose un regard sur l'aspect tragique du monde, mettant en évidence la détérioration et la désagrégation qui atteignent toute chose, et en particulier les matières organiques. Au cours d'une résidence qui a duré dix jours, il a mis en place son installation à partir d'éléments déjà utilisés pour une première édition du projet «Instatique», à la galerie Rouje de Québec, ville où il vit et travaille.
Ces éléments, ce sont de minces nappes d'un liquide brunâtre et visqueux qui est en réalité de la mélasse, répandues au sol. Cette substance figure à merveille les mares stagnantes où se développent micro-organismes, parasites et vie larvaire, mondes morbides qui provoquent chez l'humain fascination et dégoût. D'ailleurs, au Lobe, quelques insectes se sont englués dans les «lacs» de mélasse, comme pour renforcer, de façon fortuite mais pertinente, les idées de détérioration et de mort développées par Pierre Hamelin.
Par ailleurs, l'exposition est très dépouillée: l'espace de la galerie, pourtant minuscule, n'est pas entièrement occupé par les objets qui viennent se greffer à ces nappes noirâtres et qui sont marqués par le temps: morceaux de métal rouillé, ossements ou cornes d'animaux, fibres, vieux tissus, pièces ayant appartenu à des jouets ou à des ustensiles, qui sont fixés au mur ou suspendus au plafond.

Ces objets cependant ne sont pas offerts tels quels: l'artiste a effectué sur eux un travail de mise en scène qui oriente le regard et la perception du visiteur. Ainsi, un tuyau rouillé a été fixé au mur, et plié de façon à ce que son extrémité pointue évoque irrésistiblement la tête d'un oiseau. Des fils d'étoupe d'une vieille vadrouille rassemblés sur un support évoquent une tête humaine.
L'ensemble le plus frappant est celui formé de trois têtes de cerfs autour d'une flaque de mélasse. Ces têtes sont en réalité des supports utilisés en taxidermie: on dirait des carcasses abandonnées au bord d'un lac en décomposition, animaux empoisonnés ou victimes de chasseurs se désagrégeant lentement dans un paysage désertique. Aussi remarquable, un simple tableau fixé au mur: dans le cadre, au lieu d'une peinture, on trouve une série de bandes de papier tue-mouches déployées horizontalement.
Pierre Hamelin a terminé sa période de résidence en proposant, à la galerie Le Lobe, une performance au cours de laquelle il a présenté des projections au mur, où les images étaient celles de divers fluides et liquides s'agitant lentement en divers sens. Il a également lu un long texte poétique dans lequel sa pensée est exprimée par des termes précis, et à la limite choquants, évoquant la détérioration des chairs et tissus, l'écoulement et la circulation des humeurs, images de substances dévorées, d'organes s'interpénétrant, d'un monde grouillant entre vie et mort, à la fois mystérieux et inquiétant.

Aline Martineau

2000-09-14T19:13:00.000-07:00

En bois, en papier... et en vie
septembre 2000

par Denise Pelletier

JONQUIÈRE(DP) - Des êtres de bois et de papier qui vivent et racontent des histoires comme s'ils étaient des personnages de roman: c'est ce que l'on trouve en visitant l'exposition «Portrait de la famille Roman», présentée par Aline Martineau au CNE, jusqu'au 29 octobre.
Cette artiste de Québec a réalisé là un travail tout à fait remarquable, proposant une véritable fusion entre les deux matières que sont le bois et la papier: ses personnages sont vraiment faits des deux éléments, le corps ou les bras pouvant être représentés par une souche ou une branche, les cheveux et les visages en papier sculpté, enroulé, ou travaillé de diverses façons. La technique, parfaitement maîtrisée, ne correspond manifestement pas à un désir de briller ou de démontrer l'habileté de la créatrice: elle est tout entière au service du sens, de ce qu'il y a à transmettre.
Ce qui est transmis est en l'occurrence très riche, car les expressions et les attitudes des personnages sculptés d'Aline Martineau parlent à tous les visiteurs. Et voilà une autre qualité de ce travail décidément hors de l'ordinaire: il est parfaitement et immédiatement accessible, que l'on soit spécialiste critique d'art, amateur occasionnel ou simple passant qui ne connaît rien à la création. Entre autres à cause de la vie que l'artiste a su insuffler à ses personnages, travaillant le moindre de leurs traits, le moindre de leurs gestes, de telle façon que l'on voit immédiatement en eux des membres de la grande famille humaine, qui vivent, aiment, souffrent et parlent, même si en réalité, ce sont des objets.

En entrevue téléphonique, Aline Martineau nous précisait qu'elle avait beaucoup travaillé les visages, car c'est par là que les personnages se révèlent. Le travail combiné du bois et du papier n'est pas nouveau chez elle, car ces deux matières l'ont toujours intéressée, mais cette fois, dit-elle, «j'ai été plus loin dans l'aspect narratif». Elle a en effet tissé une histoire autour de tous ces personnages, une histoire fantaisiste, qui relève des deux mots du titre: famille et Roman.
Roman, c'est le nom de la famille, mais c'est aussi ce qui se dit, ce qui se raconte, c'est la saga qui tient parfois du mythe, au sujet des diverses branches de cette famille et de ses membres, certains timides et discrets, d'autres hauts en couleurs, d'autres enfin dont l'existence même n'est pas attestée.
Afin de mettre davantage en évidence cet aspect «roman», elle accompagne chaque personnage ou groupe de personnages d'un petit carton sur lequel on trouve une photo et un texte. Ce dernier, non dénué d'humour, évoque cet arbre généalogique qui étend ses racines dans l'espace et dans le temps: il y a, dans cette famille, des branches italiennes (les Romano et les Capucino) une branche russe (Romanov), une troupe de saltimbanques, des immigrants, des navigateurs, des parents et des enfants, des frères et des soeurs, et quelques personnages mystérieux, comme Claudius, le général romain ou Klara Romanov, dont on sait peu de choses. Il y a aussi l'ancêtre Lucia (allusion à Lucy), et Giovanna Roman, première femme coureur des bois.
Ils ont en commun, outre leurs racines et leur arbre généalogique, d'être faits de bois et de papier, chaque sculpture rappelant avec éclat à quel point l'un est issu de l'autre, comme le personnage sort, sans s'en séparer totalement, de l'arbre ou de la branche.
Aline Martineau dit travailler beaucoup par instinct et intuition: «la création de chaque personnage prend beaucoup de temps, je travaille jusqu'à ce qu'il me touche, me parle, et quand j'y arrive, c'est chaque fois comme un véritable petit miracle», dit-elle.
«Portrait de la famille Roman» est une exposition à la fois remarquable et accessible, et Aline Martineau est une artiste à découvrir.

Gabor Szilasi

2000-09-03T10:21:00.000-07:00

Un regard qui transfigure l'ordinaire
septembre 2000

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Peut-être faut-il venir de l'extérieur pour jeter sur le Québec d'autrefois et d'aujourd'hui un regard particulièrement attentionné en projetant à l'avant-plan d'infimes détails tirés des vies les plus humbles, des lieux les plus apparemment banals. C'est en tout cas ce qu'a fait, depuis son arrivée au Québec en 1954, le photographe d'origine hongroise Gabor Szilasi. Et on peut avoir une très bonne idée de son travail en visitant l'exposition «Gabor Szilasi, photographies 1954-1996», présentée au CNE jusqu'au 26 mars.
Préparée par le Centre de production et de diffusion de la photographie Vox Populi, de Montréal, cette rétrospective comprend une centaine de photos réalisées par l'artiste, qui a contribué, dans les années 60, à créer une esthétique nouvelle du documentaire et qui fut l'un des pionniers de la photographie d'auteur au Québec.
Ces photographies sont regroupées par séries et par thèmes: la campagne, les façades, les intérieurs, la ville de Montréal, les portraits, entre autres. Dans chacune, on retrouve cette préoccupation de bien montrer la vie, l'univers d'une personne, d'un couple, d'un groupe social, par des images qui sont révélatrices sans tomber dans l'indiscrétion.

Une série de photographies prises entre 1970 et 1978 illustre par exemple le Québec rural, celui du moins qui n'avait à ce moment-là guère été touché par la révolution tranquille et l'irruption des technologies modernes. Deux vieilles dames, des jeunes gens à une course de «stock cars», Madame Alexis Tremblay de L'Ile aux Coudres, un jeune couple devant une voiture. Si ces gens se sont arrêtés le temps de faire quelques photos, ce qui frappe, sur ces clichés c'est leur attitude naturelle, toute simple. Ni héros ni vedettes, des personnes parfaitement intégrées à l'univers qui les entoure, mais qui, paradoxalement, font irruption dans d'autres univers, ceux des salles d'exposition et de leurs visiteurs.
Et Gabor Szilasi a photographié non seulement des personnes, mais les lieux où elles habitent. Par exemple, la maison des Houde: sur des photos différentes, on voit la cuisine, les chambres, une salle de bains. Crucifix au mur, bibelots de collection, baignoire peinte en bleu turquoise, autant de détails qui rattachent ces intérieurs et ces objets à des personnes que l'on ne voit pas sur la photo.
Dans une autre série, le photographe s'est intéressé aux façades des maisons, dans diverses villes du Québec. Et dans une autre, à la ville de Montréal: il a photographié des façades et des enseignes de commerces, le Club Soda, les Frites Dorées, et le cinéma Loews, par exemple, où on peut voir le titre des films projetés à ce moment-là, en 1979: «James Bond, the Spy Who Loved Me» et «Outlaw Blues», avec Peter Fonda.
On trouve aussi dans cette exposition quelques portraits, où c'est vraiment le visage des gens qui occupe tout l'espace, de même que quelques photos réalisées en Hongrie et en Italie. En revanche, il n'y a pas de photos de paysages. Gabor Szilasi, qui était d'ailleurs présent au vernissage de son exposition le 4 février dernier, a peut-être photographié des paysages à l'occasion, mais tout son travail démontre bien que ce qui l'intéresse avant tout, c'est l'être humain: ce que sont les gens, ce qu'ils font, comment ils transforment et adaptent leur environnement à leurs besoins et à leurs goûts.

Esther Jones et Ann Jones

2000-07-25T05:31:00.000-07:00

Des personnages au bout des doigts
juillet 2000

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Tous ceux, et ils sont nombreux, qui passent par la billetterie centrale de la Semaine mondiale de la marionnette, située au 2446 de la rue St-Dominique, ont une occasion exceptionnelle d'établir d'emblée un contact privilégié avec le monde de la marionnette.
Ils y trouvent en effet les soeurs Esther Jones et Ann Jones, deux créatrices passionnées par leur art et par des matériaux tels que papier, pulpe, tissu, couleurs, qui fabriquent des marionnettes selon deux techniques très différentes. Marionnettes que les visiteurs peuvent admirer, tout en interrogeant les deux artistes qui donnent volontiers des explications sur leur méthode de travail, et qu'ils peuvent aussi acheter s'ils le désirent.
Esther Jones, aussi connue comme comédienne, a abordé divers médiums comme la peinture, le modelage, la fabrication de décors pour des spectacles, des pièces de théâtre, et le Salon du livre, mais c'est sa première «sortie publique», comme elle s'amuse à le dire.
Et cette première sortie se fait sous le signe du papier, un médium qu'elle apprécie de plus en plus. Elle présente, à l'entrée de toutes les salles où il y a des spectacles de la Semaine mondiale, sur quelques autres sites jonquiérois, et bien entendu dans son kioque, des marionnettes de papier, soldats, cow-boys, magnifiques chevaux.
Les différentes composantes des personnages sont légèrement pliées sur la longueur de façon à produire un effet de trois dimensions, et elles sont assemblées par des punaises dorées, qui marquent les articulations. Et pour cette apparition publique, Esther Jones, a décidé de se faire plaisir, troquant le papier Kraft dont elle s'était servie jusque-là pour du papier Canson d'Allemagne et d'autres papiers, comme du Chartam, qu'elle fait venir des États-Unis par le biais d'un fournisseur montréalais. C'est plus cher, mais la qualité des pièces est extraordinaire: elles peuvent se conserver cent ans, elles ne jaunissent pas: seul l'acide peut leur faire perdre leur couleur, explique-t-elle.
La mise au point de cette technique et la réalisation des pièces représentent des mois de travail. Combien, Esther Jones ne le sait pas. Elle ne sait même pas combien elle a fabriqué de marionnettes, mais elle avait peur, en début de semaine, d'en manquer, car la demande est très forte, les visiteurs se laissant facilement charmer par ses personnages. Beaucoup de comédiens et membres des troupes invitées à la Semaine mondiale repartent aussi avec leur marionnette.
Ann Jones
Tout à côté, sa soeur Ann Jones présente ses montages, ses ensembles et ses personnages fantasques, gnomes, chimères, oiseaux, dont les têtes sont modelées à la main dans un mélange de pulpe qu'elle a elle-même mis au point. Elle utilise diverses matières, un bec d'oiseau est fabriqué avec une dent d'ours par exemple, et confectionne des costumes magnifiques et chatoyants, où il y a parfois de la soie et de la fourrure. Elle y ajoute des accessoires dont certains sont faits d'acajou et d'ébène, de même que des pigments colorés choisis avec soin.
Ses marionnettes à gaine sont toutes des pièces uniques, bien sûr, mais certaines sont plus précieuses, réservées aux collectionneurs qui désirent ajouter une pièce prestigieuse à leur collection. D'autres visiteurs préfèrent s'offrir une simple boîte de pulpe surmontée d'une tête de personnage joyeusement bizarre.

Nancy Bourdages

2000-06-20T09:47:00.000-07:00

Vers l'enfance de l'art grâce au crayon de cire
juin 2000

par Denise Pelletier

JONQUIÈRE(DP) - A première vue, on dirait des dessins d'enfants. Il y a des personnages, des animaux, des soleils, des papillons, en couleurs vives appliquées au crayon, les contours sont appuyés... Mais si on examine plus en détail les oeuvres qui font partie de cette exposition, intitulée «Bonheur candide» et présentée au Côté-Cour pendant l'été, plusieurs détails montrent qu'il s'agit là de l'oeuvre d'un adulte, en l'occurrence Nancy Bourdages.
Bien connue au Saguenay comme «pigiste culturelle», comédienne, animatrice, réalisatrice radio, entre autres, Nancy Bourdages présente ici une deuxième exposition solo. Et comme par hasard, ce recours aux techniques utilisées par les enfants coïncide avec une formation qu'elle suit actuellement en technique de garde. Elle ne veut pas cesser ses activités culturelles, mais, un peu lasse d'une vie de pigiste à l'affût de contrats, elle recherchait un métier plus stable, et elle a choisi un domaine relié à l'enfance, sans savoir si cela lui plairait vraiment.
Elle aime cela au-delà de ce qu'elle aurait cru. Non seulement elle se sent à l'aise avec les enfants, mais elle s'intéresse à leurs processus créatifs, et, quel que soit l'endroit où elle les rencontre, école ou garderie, elle se propose de trouver des moyens pour stimuler leur créativité. Elle ne veut pas par ailleurs abandonner ses activités dans le domaine culturel.

Pour cette exposition, qui représente huit mois de travail, elle a voulu retrouver la spontanéité créatrice de l'enfant, en utilisant les outils dont il se sert généralement, les crayons de cire, notamment. Mais avec son intelligence et sa curiosité d'adulte, elle a poussé assez loin l'expérimentation et l'exploration du médium, comme elle nous le raconte en entrevue. «Je suis devenue spécialiste du crayon de cire, j'ai essayé plusieurs marques, je me suis aperçue que les crayons à bas prix ne donnent pas de bons résultats. Les meilleurs sont fait à base de soya», dit-elle. Elle a dessiné directement, avec ces crayons, mais aussi, elle les a fait fondre, au fer à repasser, pour étaler de grandes surfaces de couleur. Parfois elle s'est servie de chandelles. Et aussi crayons de bois, crayons feutre, correcteur. Et de ciseaux et de colle: tous ses personnages ou les objets sont découpés et collés sur le fond.
Elle a commencé par dessiner ses bonshommes ... les yeux fermés, afin d'obtenir cette spontanéité qu'elle recherchait. Ensuite, les yeux ouverts cette fois, elle a retravaillé ses dessins, ajoutant des couleurs, retraçant les contours, mais en conservant un maximum de simplicité à ses dessins, à ses personnages un peu «croches», aux pieds légèrement trop grands, évitant les effets de perspective.
Si les objets dessinés, enfants, clowns, oiseaux, chats, font référence à l'univers enfantin, ils empruntent aussi à sa perception d'adulte qui connaît la puissance symbolique des couleurs et des signes. Les titres coiffent d'une vision mûre, critique même à l'occasion, ces images en apparence naïves. «Mon maître est cruel», dit par exemple le chat qui ne peut toucher à l'oiseau et au poisson. Dans le tableau intitulé « Un monde de fou», les personnages sont verdâtres, enfermés dans une bulle de folie. «L'isolement de Tristounet» et «La petite fille oubliée», évoquent la solitude.
D'autres titres n'ont aucune connotation sombre, tels «Maman a un petit bedon» ou «Mademoiselle Charlotte prône la liberté». Et «Bonheur candide», avec chat, fleurs, abeilles et un papillon jaune qui sort de la toile.
Souvenirs d'enfance, faits vécus dont elle a été témoin, histoires racontées par des amis, images entrevues dans les médias: les sources auxquelles elle a puisé sont variées. «Je voyais cela comme un journal dessiné, un exercice de créativité plutôt qu'une création en art visuel», dit-elle. En retrouvant le plaisir enfantin du dessin et en osant exposer ce travail, elle voudrait inciter d'autres personnes à faire de même.
Il se dégage de tout cela une impression de fraîcheur, de vivacité, tempérée par une certaine sagesse, et c'est ce qui rend si séduisante cette exposition qu'elle présente au Côté-Cour. On pourra voir les oeuvres lors des spectacles donnés dans le cadre de la Semaine Mondiale de la marionnette, et au mois d'août, alors que l'on présentera une version modifiés du «Cabaret Délire estival» de l'an dernier, intitulée «Der Cabaret», spectacle auquel participera d'ailleurs Nancy Bourdages.

Raphaëlle de Groot

2000-06-08T05:35:00.000-07:00

Toute une ville dans un bottin
juin 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Le bottin téléphonique: c'est l'instrument qu'a choisi l'artiste Raphaëlle de Groot pour tenter de saisir la ville de Chicoutimi et chacun de ses habitants. En résidence à la galerie Le Lobe, elle a monté une installation en se servant des noms inscrits au bottin 1999-2000 du Saguenay-Lac-Saint-Jean. Elle a d'abord repéré tous ceux qui étaient de Chicoutimi («Chtmi»), elle les a découpés un à un, puis les a classés par ordre alphabétique des rues d'abord, et ensuite par ordre numérique des adresses.
Cela donne donc des petites bandes de papier portant chacune un nom et une adresse, collées par un seul côté sur un ruban gommé dont la longueur varie en fonction de celle de la rue. Le tout est fixé au mur par de petites épingles aux têtes colorées, en bandelettes verticales qui s'agitent au gré de l'air que l'on déplace quand on passe tout près. Cela évoque des échelles, ou encore des rails de chemin de fer.
Pendant que l'on regarde ces éléments visuels, des haut-parleurs installés dans la salle diffusent une bande sonore où on entend l'artiste faire la lecture de chacun des noms de sa liste. «C'est un appel que je leur lance personnellement», explique-t-elle.

Car pour Raphaëlle de Groot, le bottin téléphonique, objet impersonnel au départ, devait servir à se rapprocher des gens, jusqu'à pénétrer leur intimité. «On peut dire que chacun des individus d'ont j'ai découpé le nom m'est passé entre les doigts», dit-elle. Elle sait aussi que, malgré toute la minutie apportée à son travail, elle a commis des erreurs, des oublis. «Il y a peut-être des noms qui sont tombés dans les craques du plancher, ça fait partie de la vie même de l'oeuvre», dit-elle.
Le statut de ville-test de Chicoutimi a toujours intrigué la Montréalaise qu'est Raphaëlle de Groot. Quand la galerie Le Lobe lui a proposé une résidence, elle y a vu une occasion de creuser cette fascination. La ville, c'était un «Microcosme» (c'est le titre de son installation) qu'il fallait saisir, comprendre et donner à voir. A partir d'une photo aérienne, laquelle constitue un autre élément de son installation, elle s'est approchée progressivement des quartiers, des rues, des maisons, et de chacun de ses habitants, ou presque.
Dans le bottin où les noms sont disposés par ordre alphabétique, un citoyen de Laterrière peut se retrouver juste au-dessous d'un résidant de Chicoutimi, tandis que le voisin de ce dernier se retrouvera 50 pages plus loin. Le lent et patient travail de découpage effectué par Raphaëlle de Groot restitue leur proximité aux gens qui sont voisins: le locataire d'un immeuble retrouve ses voisins de palier, et des recoupements permettent de déduire que deux personnes habitent ensemble, ou encore qu'une personne, inscrite sous le nom de son mari, appartient à une génération plus âgée.
Mais Raphaëlle de Groot veut pousser plus loin son travail: elle marche dans la ville en tenant ses listes à la main, afin de voir les maisons, et à quel nom elles correspondent. Elle se propose aussi, si le temps le lui permet, de parler directement aux personnes qu'elle trouvera sur son chemin. «J'aimerais demander, par exemple à quelqu'un qui lave sa voiture, quel est le nom de ses parents, depuis combien de temps il habite à cet endroit, et enregistrer sa voix». Dans une étape ultérieure, elle réalisera peut-être ainsi une «carte audio» correspondant à son travail visuel.
L'artiste estime avoir, par ce travail, répondu positivement aux questions qu'elle se posait au départ: comment saisir la ville, est-ce un défi à ma mesure, et est-ce que cela a un sens de le faire? En découpant ainsi les noms un à un, elle repousse les limites d'un territoire réel pour le faire pénétrer dans l'imaginaire poétique et s'amuse avec la frontière entre public et privé, entre identité et anonymat.
Raphaëlle de Groot, qui a étudié en arts à l'UQAM et qui a travaillé pendant un an à New York, s'intéresse depuis longtemps aux notions de traces et d'empreintes. Par exemple, dans un autre travail de création effectué à la bibliothèque centrale de Montréal, elle a prélevé et photographié les empreintes digitales laissées par les gens sur la couverture des livres, et s'est servi des documents ainsi obtenus pour créer d'autres livres. Elle voit un parallèle entre le dessin d'une rue sur une carte et une empreinte digitale, à la fois objets abstraits et éléments de l'intimité d'une personne.
On peut voir l'exposition «Microcosme» de Raphaëlle de Groot, jusqu'au 23 juin à la galerie Le Lobe, située au 1024 rue Nil Tremblay, dans le secteur Rivière-du-Moulin.

Jordi Bonet

2000-05-30T09:34:00.000-07:00

Huguette Bouchard Bonet salue l'oeuvre de son mari
mai 2005

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Huguette Bouchard Bonet, la femme du peintre et muraliste Jordi Bonet, participait dimanche dernier à Jonquière à une activité organisée par le CNE autour de l'oeuvre de son mari, dans le cadre de la journée Musées en fête. Il y avait 35 ans qu'elle n'était pas venue dans la région, et elle était très émue, raconte Jacqueline Caron, directrice du CNE.
Une quarantaine de personnes ont pris part au déjeuner et à la visite de l'exposition de Jordi Bonet «Le livre des naissances», en avant-midi. «Des gens qui ont accueilli Jordi Bonet quand il séjournait dans la région pour réaliser ses murales sont venus, d'autres possèdent des oeuvres ou des tuiles de céramique réalisées par l'artiste, ils voulaient savoir comment les faire authentifier. Madame Bonet s'est montrée très généreuse de son temps, elle a tenu à parler à chaque personne», dit Jacqueline Caron, ajoutant que Huguette Bouchard Bonet, qui vit à Mont Saint-Hilaire, est très intéressée par la conservation et la diffusion de l'oeuvre de son mari. Elle était accompagnée de sa fille, Sonia Bonet, qui a raconté que pour elle, son père, décédé d'une leucémie quand elle avait 14 ans (en 1979), était un homme comme les autres, qui travaillait souvent à la maison: c'est seulement plus tard, devenue adulte, en prenant connaissance de son oeuvre, qu'elle a découvert qu'il était un grand artiste.

Puis, une trentaine de personnes sont montées en autobus pour un parcours Jordi Bonet, inspiré par le contenu du petit guide «Jonquière, l'art dans ma ville», qui recense les oeuvres d'art de grande taille se trouvant sur le territoire de Jonquière, et dont la deuxième édition a été lancée dernièrement.
Ils ont entre autres visité l'église Saint-Raphaël, où se trouve une grande murale de Jordi Bonet, et le séminaire Marie Reine du Clergé, de Métabetchouan. Là, un crucifix de céramique installé au réfectoire des prêtres a été l'occasion, pour Madame Bonet, d'expliquer la technique particulière mise au point par son mari pour certaines de ses grandes oeuvres de céramique: il appliquait d'abord une couche de brun, puis une couche de blanc, sur toute la surface de l'oeuvre. Ensuite, il enlever de fines strates de couleur d'une épaisseur variable, soigneusement établie en fonction de la teinte qu'il désirait obtenir.
Huguette Bouchard Bonet s'est également montrée très intéressée par les projets de restauration des murales Jordi Bonet de l'hôtel de ville d'Arvida et de l'école secondaire Maria-Chapdelaine. Elle a offert d'y apporter son aide, en fournissant par exemple des photos et des documents d'archives.

Jordi Bonet

2000-05-04T09:18:00.000-07:00

Dans l'intimité d'un grand créateur
mai 2000

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - En parcourant «Le livre des naissances», la très belle exposition que présente le Centre national d'exposition jusqu'au 18 juin, on a vraiment l'impression d'entrer dans l'intimité de Jordi Bonet, d'être en contact avec l'âme de cet artiste décédé le 25 décembre 1979.
Jordi Bonet, peintre et sculpteur catalan né à Barcelone en 1932 (ne pas confondre avec l'autre Jordi Bonet, également catalan et architecte de la Sagrada Familia), s'est installé en 1954 au Québec, où il s'est fait connaître par ses sculptures et murales de céramique, dont la plus célèbre est celle du Grand Théâtre de Québec. Il a réalisé des murales au Saguenay, entre autres à l'église St-Raphaël, au Cégep et à l'hôtel de ville de Jonquière (Arvida).
Un très beau triptyque placé sur un mur voisin de la salle d'exposition au CNE donne une excellente idée du style de Jordi Bonet, muraliste. Selon les renseignements fournis par Rémi Lavoie, animateur culturel au CNE, ces trois oeuvres ont été réalisées en 1960 pour le restaurant le Sablonnet, situé au 2388 de la rue St-Dominique, à la demande du propriétaire. D'où les motifs tels fruits, légumes, assiettes, tables, aux contours nets et aux teintes contrastées. Après la fermeture du Sablonnet, l'édifice a abrité divers commerces, notamment une boutique d'artisanat et une pâtisserie. En 1995, un important incendie s'y est déclaré. La directrice du CNE, Jacqueline Caron, a alors demandé au propriétaire la permission de retirer les trois murales pour leur éviter la destruction.
Les oeuvres ont été remises à la collection du Musée du Saguenay (Pulperie), puis restaurées au Centre de conservation du Québec, où elles ont été démontées pièce par pièce puis recollées sur un support plus solide, explique Rémi Lavoie, ajoutant que ces murales restaurées sont maintenant en dépôt au CNE pour une durée indéterminée.

L'exposition «Le livre des naissances», préparée par le Musée d'Art du Mont St-Hilaire et la fondation Jordi Bonet, offre un contraste frappant avec les trois murales: il s'agit en effet d'un corpus très particulier issu d'une série de 300 dessins réalisés en techniques mixtes sur papier, entre 1976 et 1979. En période de rémission mais sachant que le terme de sa vie approchait, Jordi Bonet a voulu consigner dans ces oeuvres tous les éléments de sa vie: les faits, les croyances, les idées, les sentiments, le physique et le mental, l'abstrait et le spirituel.
Plusieurs malheurs ont jalonné la vie de Jordi Bonet. A l'âge de six ans, il a dû subir l'amputation d'un bras à la suite d'une chute, ce qui a bien entendu influencé sa façon de se percevoir dans l'espace, de se représenter, de représenter les autres. Il y a eu aussi, plus tard, la mort de l'un de ses trois fils, dans un accident. Puis, alors qu'il avait 41 ans, il apprend qu'il est atteint d'une leucémie qui devait l'emporter six ans plus tard.
Autant d'événements qui deviennent, dans «Le Livre des naissances», les éléments, parmi d'autres, d'une quête spirituelle. Tous les aspects concrets et abstraits de sa vie terrestre sont comme une matière qu'il façonne sans cesse en les déformant, recombinant, associant, colorant, séparant et multipliant, au long de ce qui apparaît comme une ascension vers l'infini.
La sensation d'intimité que l'on éprouve en observant les 39 dessins choisis pour cette exposition provient sans doute du sentiment d'urgence éprouvé par l'artiste qui se savait condamné, urgence de livrer ce testament esthétique et spirituel.
On aura peut-être le temps de noter la qualité du travail esthétique et formel au niveau du mouvement, de la composition et de la couleur, d'observer sa technique impeccable, avant d'être submergé par le contenu, le «message» qui se transmet avec une intensité peu commune. Le cercle est omniprésent, rappelant le soleil, symbole de la puissance de l'esprit, de la pérennité des idées et des croyances. Personnages, souvent debout et nus, paumes ouvertes, parties du corps, anges, animaux, oiseaux, oeufs, globes terrestres, grilles, croix, motifs abstraits: autant d'éléments qui évoquent les fantasmes, les incertitudes, les espoirs et la souffrance de l'artiste, dans sa route vers la lumière.
Jordi Bonet nous guide, par la grâce de l'image, le long de son chemin initiatique et nous amènre au coeur d'un inconscient, à la fois personnel et collectif. Quelques textes affichés au mur, un catalogue d'exposition et un document vidéo permettent de compléter de façon pertinente la visite de l'exposition.

Chantale Boulianne

2000-04-26T19:40:00.000-07:00

Le sport inspire une démarche artistique
avril 2000

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Un curieux parcours que celui de Chantale Boulianne, qui propose au CNE jusqu'au 7 mai une exposition intitulé «Objets témoins d'une vie de kamikaze». Il s'agit du projet réalisé dans le cadre de sa maîtrise en arts à l'Université du Québec à Chicoutimi.
Ce qui est particulier, c'est que ce travail de création est étroitement lié à une activité importante pratiquée par Chantale Boulianne, et qui n'a en principe rien à voir avec l'art: le sport. Pendant sept ans en effet, cette jeune Baieriveraine a fait de la compétition en vélo de montagne, devenant rapidement une vedette de ce sport où elle a remporté nombre d'épreuves, de médailles et honneurs, victoires qui furent régulièrement signalées dans les pages sportives du Progrès-Dimanche et du Quotidien.
L'automne dernier, après une année pénible marquée par une chute et des difficultés à trouver des appuis, Chantale Boulianne annonçait qu'elle abandonnait la compétition en vélo de montagne pour se tourner vers les arts et terminer sa maîtrise en design à l'UQAC. Elle a d'abord, signale le texte de présentation de l'exposition, cherché à traiter le thème sportif en intégrant des cyclistes en action dans ses oeuvres picturales, mais elle demeurait insatisfaite du résultat.
Jusqu'au jour où elle a compris que, pour projeter dans ses oeuvres toute la dynamique physique et mentale de la compétition cycliste, elle devait partir de l'intérieur, de ces sensations, vibrations, émotions ressenties en descente, et les laisser la guider dans son processus créateur.
Ainsi les oeuvres qu'elle présente au CNE associent étroitement les éléments de l'univers intérieur du cycliste de compétition tels que vitesse, ivresse, recherche d'équilibre, douleur physique, joie de la victoire, déception de l'échec, à l'esthétique du vélo de montagne.
Sept lampes servent de leitmotiv et de fil conducteur à l'exposition: suspendues au plafond par un fil métallique, elles sont faites d'un support de métal recouvert d'un maillot de compétition que l'artiste a réellement porté au cours de sa carrière sportive. Le maillot, enfilé sur le support métallique comme un chandail sur un cintre, couvre donc la source de lumière et la dirige vers le bas, vers son ouverture. Comme ces maillots sont plus longs derrière que devant, cela a pour effet de projeter la lumière de biais pour lui permettre d'éclairer un texte ou une oeuvre: une idée que l'on pourrait qualifier de «lumineuse».
L'exposition comprend d'autres objets de design inspirés par l'esthétique du vélo. Par exemple, une chaise longue semblable à un hamac reposant sur une base berçante: cette base est en bois tandis que le «matelas» est fait de chambres à air de vélo tressées comme de l'osier. Plus loin, on peut voir trois bancs triangulaires, dont le siège est également formé par des chambres à air de vélo tressées, suspendus par des sangles comme des balançoires. Il y a aussi un banc triangulaire rouge qui évoque une selle de vélo, fiché sur une tige de métal. Celle-ci repose sur un socle en bois dont le dessous est arrondi, ce qui ferait éventuellement agiter et lalancer le banc dans tous les sens. Autrement dit, la personne qui y prendrait place devrait déployer des efforts incessants pour trouver l'équilibre et lutter contre le vertige, exactement comme on le fait sur un vélo de compétition. L'exposition comprend aussi quelques lampes moins directement inspirées du vélo, sauf pour un système de manettes et de câbles qui permet d'ouvrir l'abat-jour.
Pour bien faire comprendre l'origine de son inspiration, Chantale Boulianne a ajouté aux oeuvres quelques photos d'elle-même à vélo, des extraits du journal personnel qu'elle tenait au moment des compétitions et un texte sur la recherche de l'équilibre à vélo. Le visiteur peut également voir, projetées au mur, des images montrant l'environnement sonore et visuel d'un cycliste en descente: bruits du vent, du sol, des arbres, visions de roches, de terre, de creux, de bosses, d'obstacles à contourner.
C'est donc un travail intéressant que propose Chantale Boulianne. Bien que son propos soit circonscrit à une seule thématique qui a peut-être entravé à certains moments le processus créateur plutôt que de le stimuler, elle a entre autres le mérite de réunir, pour une rare fois, l'art et le sport dans une salle d'exposition.

Chantal Gervais

2000-04-11T19:47:00.000-07:00

Dans la lumière de l'obscurité...
avril 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Aujourd'hui, plusieurs créateurs en arts visuels proposent des expositions qui sont aussi des installations. En ce sens qu'ils ne se contentent pas d'accrocher leurs toiles ou photographies aux murs, mais présentent ces oeuvres dans un contexte précis créé par la lumière, par des objets, par des sons ou des textes.
En général, cette mise en situation des oeuvres a pour effet de les rendre plus accessibles au visiteur, car la sollicitation des sens est ainsi renforcée. Et c'est ce qui se passe avec l'exposition présentée à la galerie Séquence par la photographe Chantal Gervais jusqu'au 14 mai. Une exposition, mais deux oeuvres, ou ensembles d'oeuvres, occupant chacun une salle de la galerie.
Ici, l'environnement, le contexte est créé par la lumière: celle des toiles elles-mêmes et celle qui les entoure. La plus remarquable de ces atmosphères est celle de la salle où est présentée l'oeuvre «Le silence de l'être»: il y fait presque totalement noir. Non seulement la salle n'est pas éclairée, mais le contour du sujet, le fond de l'image et le cadre, tout cela est également noir. C'est donc la lumière même dégagée par les corps (ou parties de corps) photographiés qui fait impression sur l'oeil.

Ce «silence de l'être» du titre, c'est en quelque sorte celui de ces corps, photographiés en gros plan, de sorte que l'on n'en saisit jamais l'ensemble, mais plutôt une petite portion: bouche, mains, pieds, torse. Ils ne «parlent pas», ils sont simplement là, intemporels, figés. C'est ailleurs qu'il faut chercher un sens. Par exemple dans la peau, sur laquelle semble se concentrer toute la lumière disponible dans la salle. La peau, est-ce que c'est l'être? Par ailleurs, puisque ces éléments sont entièrement entourés de noir, ils semblent flotter dans l'espace, un peu à la manière des hologrammes. Et la ressemblance avec ces derniers est d'autant plus forte que la peau, dont on distingue le grain et la moindre nuance, apparaît comme translucide, lumineuse. Pour un peu, ces photos répondraient à la question: y a-t-il «quelqu'un» sous cette peau, derrière cette peau?
Particulièrement impressionnante, la photo où on aperçoit, de profil, une bouche: les lèvres d'un rouge intense sont lumineuses, à la fois étonnantes et étranges. Quant aux postures de ces corps, inspirées par les systèmes de représentation du Baroque et de la Renaissance, elles vont de la pose statique évoquant la rêverie ou le songe au geste démesuré résultant d'une torsion impossible.
Dans l'autre salle, la lumière est tamisée mais ce n'est pas le noir qui domine: plutôt des teintes de terre rouge ou d'ocre, qui colorent différemment cet ensemble intitulé «Dualité de la chair». Un des murs, est occupé par six photos: une grande, où est représenté un torse de femme, et cinq petites qui laissent voir, selon le cas, deux mains, une langue, un cou, des pieds, une bouche. Elles sont disposées au fond de cadres-boîtes aux larges contours. Sur chacun des trois autres murs, une photo grand format illustrant une plus grande partie du corps. Autant les photos de «Silence de l'être» tiennent le coeur à distance à cause de leur étrangeté qui déstabilise le visiteur, autant celles de «Dualité de la chair» se laissent approcher, donnent une impression de rencontre intime, à la fois troublante et émouvante.
Chantal Gervais, photographe originaire de Val d'Or qui vit et travaille maintenant à Ottawa, nous offre ici un travail d'un qualité technique remarquable. Elle reprend l'incessante interrogation qui porte sur les rapports entre l'art et le corps, en y apportant une touche très personnelle, une vision qui met en jeu la lumière et la peau, l'omniprésence et la fragilité.

Sébastien Dion

2000-02-25T05:28:00.000-08:00

Dénicher l'oeuvre sous le numérique
février 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Sébastien Dion est installé à Séquence devant un ordinateur et une tablette graphique, il utilise des logiciels qui lui permettent de créer, d'animer, de modifier et de projeter des images. Il a placé au mur des oeuvres présentées lors de l'exposition «Sous la peau», qu'il avait présentée à la galerie Engramme de Québec: les oeuvres combinent la numérisation, l'infographie, l'impression et la peinture.
«Je suis placé dans des conditions de travail idéales», dit-il, expliquant qu'il peut créer tout en observant ses oeuvres: «cela me permet d'observer mon travail, d'explorer certains points. De plus, je vais pouvoir enregistrer toutes les étapes de mon travail, et les projeter ensuite, comme un film: mais ce ne sera pas un vidéo, plutôt une image en mouvement», précise-t-il. Il compte également explorer, grâce au logiciel QuickTime VR, les possibilités de filmer un sujet dans toutes ses dimensions.
Comme tout ce qui touche le numérique, cette infinité de possibilités d'images peut finir par fausser les données et produire des canevas inattendus. C'est justement ce qui provoque chez Sébastien Dion une interrogation sur les nouvelles technologies. Il y a des négatifs, des estampes, l'infographie, la peinture: «on se demande finalement où est l'oeuvre», dit-il. Et dans le cas d'un film panoramique autour d'un objet, on peut se demander où était l'artiste. Faut-il explorer l'infini des possibilités de l'imagerie numérique ou sinon, selon quels critères effectuer des choix: voilà une autre question soulevée par les nouvelles technologies.

Concrètement, il pense produire, au terme de sa résidence, des oeuvres en utilisant la numérisation, les logiciels de dessin et d'animation, et la tablette graphique: elles seront imprimées sur papier, ou projetées au mur. Il pense aussi à une projection numérique, qui sera comme un vidéoclip de son travail, et aussi colliger les déchets, les rebuts, les essais qui n'auront pas fonctionné.
Récipiendaire du prix «jeune carrière» de la dernière Biennale du Dessin, de l'estampe et du papier matière à Alma, Sébastien Dion vit et travaille à Chicoutimi. Il a obtenu son baccalauréat en peinture de l'UQAC, puis il s'est associé à Estampe Sagamie, ce qui l'a conduit à s'intéresser aux nouvelles techniques d'impression.

Gil Pitre

2000-02-25T05:23:00.000-08:00

Dire un maximum de choses avec un minimum de moyens
février 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Autant les oeuvres de -l'autre exposant- Sébastien Dion punaisées au mur sont grandes, vivement colorées et brillantes, autant celles de Gil Pitre sont petites et peu visibles à prime abord: elles sont en noir et blanc et insérées dans des cadres qui font ressortir davantage leur petit format. Gil Pitre, qui bénéficie aussi d'une résidence à Séquence dans le cadre de l'événement la Quarantaine, se dit d'une autre génération que Sébastien Dion.
«Lui il est né avec les ordinateurs, il est à l'aise avec toutes ces techniques, moi j'ai presque 40 ans et mon outil de base est la peinture. J'ai quand même fait un apprentissage pour explorer les possibilités de l'ordinateur, mais je l'utilise avec prudence, je n'ai pas l'impression d'en maîtriser tous les aspects», dit-il.
Il utilisera donc comme matériau de base les cinq dessins qu'il a réalisés à l'ordinateur, imprimés, encadrés et accrochés au mur. Ce sont cinq états préparatoires, qui donneront lieu chacun à quatre autres oeuvres représentant autant d'étapes. A la fin, parmi les 25 dessins, «j'en sélectionnerai cinq, puis un ou deux, que je vais travailler davantage, imprimer sur du papier de qualité, peut-être en grand format. Et j'y ajouterai peut-être une intervention à la peinture, pour y intégrer un élément figuratif, un dessin déjà réalisé qui représente un bol», dit-il.

Gil Pitre a présenté au CNE en 1994 une exposition intitulée «L'Anse à Beau Fils», qui constituait son travail de maîtrise en création (UQAC) et qui comprenait des sculptures-peintures de grande dimension. Il a participé à des expositions collectives et créé des oeuvres dans le cadre du programme d'intégration des arts à l'architecture. La réalisation d'une oeuvre destinée à un centre de personnes âgées l'a amené à s'interroger sur son art, sur l'art. Comment des personnes aux moyens physiques et mentaux diminués par l'âge et la maladie peuvent-elles comprendre une oeuvre?
Il a vécu une période d'incertitude, au cours de laquelle il s'interrogeait sur les éléments essentiels de la création. Cela l'a conduit à explorer davantage les oeuvres simples aux dimensions modestes, à s'intéresser aux lignes, aux formes de base. Les oeuvres exposées à Séquence laissent voir des volumes gris, noirs, traversés de formes dessinées grâce à des lignes claires. «J'essaie de dire le maximum de choses avec un minimum de moyens, en exploitant la sensibilité de l'écran». Lui aussi se pose des questions sur l'ordinateur en art: «cela permet d'aller plus vite, mais peut-être qu'on n'intériorise pas chaque étape comme on le fait en peinture par exemple», dit-il.
Natif de la Gaspésie, Gil Pitre a fait son bac en arts plastiques à l'Université du Québec à Trois-Rivières puis sa maîtrise en création à l'UQAC. Il a entrepris récemment une maîtrise en enseignement et transmission des arts, il est professeur d'ateliers d'arts au centre Nouvel Essor (Accueil en santé mentale) et animateur à la galerie Séquence.

Bruno Tremblay

2000-02-09T13:20:00.000-08:00

La technique au service de l'interrogation
février 2000

par Denise Pelletier

LA BAIE(DP) - Même s'il s'est donné une nouvelle orientation axée sur les sciences de la nature, le Musée du Fjord continue à faire de la place aux artistes, plus spécifiquement à ceux qui résident sur le territoire baieriverain ou encore qui y sont nés.
Ainsi, on peut y voir actuellement et jusqu'au 4 mars une exposition de l'un d'eux, Bruno Tremblay. Intitulée «songes d'entropie», elle comprend quatre oeuvres constituées chacune d'un groupe de bandes verticales suspendues au plafond. Le noir qui y domine et l'éclairage tamisé de la salle rendent le tout hermétique à prime abord: on hésite à s'avancer pour regarder ces oeuvres qui semblent toutes noires.
C'est pourtant ce qu'il faut faire: entrer dans la salle, laisser à nos yeux le temps de s'adapter à la pénombre pour tendre vers les surfaces qui leur sont proposées. En tentant d'y distinguer quelque chose, on constate que tout ce noir n'est pas uniforme: certaines parties de la surface sont mates, d'autres brillantes, d'autres ont un aspect moirée ou sont envahies par des coulées de matière, il y a du noir en relief sur un fond noir.
Sur la plupart de ces bandes verticales, une zone plus claire laisse voir des formes un peu floues, mais identifiables: pour les trois premières oeuvres, qui comprennent chacune trois bandes verticales, il s'agit par exemple d'un visage aux yeux recouverts de pansements, d'une petite bande de nuages, ou encore d'une jambe et d'un bras démultipliés. La quatrième oeuvre comprend pour sa part 18 bandes étroites disposées en deux rangées décalées: au bas de chacune d'elles, on peut nettement voir des rangées de jambes et pieds disposés à l'envers, comme s'ils étaient plantés dans le sol: la jambe constituant la tige, et le pied la fleur d'une plante étrange et mutante.

C'est bien ainsi qu'il faut voir cela, nous apprend l'artiste au cours d'un entretien. «Le fil conducteur de mon travail, depuis le début, c'est de poser la question «qu'est-ce qu'on est?» Je m'interroge sur notre intégrité physique et spirituelle, sur les modifications qui peuvent y être apportées sans que l'on s'en rende compte», dit-il. Il rattache cela à un autre thème qu'il a abordé de façon plus explicite dans de précédentes expositions: le principe de déplacement du sacré, au gré des consensus collectifs qui se modifient.
Il utilise des techniques qu'il juge adaptées à son projet: à la base, des images vidéographiques du corps fragmenté qu'il réalise avec des modèles. Il numérise et travaille ces images par ordinateur, puis il les imprime. Il trempe ensuite ces imprimés dans l'encaustique, un produit à base de cire qui laisse des coulées irrégulières: «cela donne un aspect trouble, sale, qui pointe ma réflexion sur la souillure», dit Bruno Tremblay. Il ajoute: «j'aime bien l'idée de ce télescopage entre deux techniques, l'ordinateur et l'encaustique, l'une qui vient du passé, l'autre très moderne».
Comme être social, Bruno Tremblay est exposé aux mêmes phénomènes, aux mêmes stimuli que tout le monde, mais comme artiste, il pense avoir le devoir d'exercer, par son oeuvre, une vigilance face à cette omniprésence des images fortes et de la publicité.
Au rythme infernal et rapide de ces images, à la somme d'informations qui passent rapidement sous nos yeux sans bien souvent pénétrer l'esprit, il oppose un travail de type contemplatif, un constat plutôt qu'un mouvement, une exposition qui, il en est bien conscient, exige un travail, une ouverture d'esprit de la part du spectateur.
Vernissage
Dimanche dernier, parmi la centaine de personnes qui ont assisté au vernissage au Musée du Fjord, plusieurs étaient de la famille ou des amis proches de Bruno Tremblay. «J'éprouvais un stress différent de celui que j'ai habituellement, car je savais que ce public ne serait pas un petit cercle d'initiés comme c'est le cas pour la plupart des vernissages. Mais cela s'est bien passé, les gens se sont montrés ouverts, ils m'ont posé beaucoup de questions et ils ont semblé aimer mon travail», nous dit l'artiste.

Bruno Tremblay

2000-02-08T13:26:00.000-08:00

Un parcours qui passe par la Suisse
février 2000

par Denise Pelletier

La BAIE(DP) - Dès son enfance à La Baie, Bruno Tremblay était attiré par la création artistique. Il a complété un baccalauréat interdisciplinaire en arts à l'UQAC, et entrepris ensuite une maîtrise en arts à l'UQAM, extension Chicoutimi. En 1997, il présentait sa première exposition solo, «Opacité et Extase», à la galerie Espace Virtuel de Chicoutimi.
Il a obtenu une bourse du CALQ pour un atelier-résidence de six mois à Montréal: cette période se terminait en décembre dernier, mais l'artiste veut demeurer six autres mois dans la métropole, à la fois pour créer, pour travailler en collaboration avec d'autres artistes et pour explorer les différents réseaux de diffusion. Pendant sa période de résidence, il a obtenu une aide supplémentaire du CALQ pour exposer une de ses oeuvres à Bâle, en Suisse, lors d'un événement appelé GastSpiel. Celui-ci entourait l'inauguration de la Nouvelle gare de l'Est, un bâtiment de l'architecte Hans Cwimpser, qui avait amorcé sa réflexion il y a plusieurs années en collaboration avec l'artiste et théoricien américain de l'art minimal Donald Judd, décédé en 1994.
Le conservateur de l'exposition, Mario Casanova, a alors proposé à 20 artistes suisses d'y participer, et d'y inviter chacun un autre artiste avec lequel il avait des points communs ou dont il appréciait le travail. Or l'un d'eux, l'artiste suisse Philipp Gasser, occupait l'atelier voisin de celui de Bruno Tremblay à Montréal: «nous nous sommes bien entendus sur le plan du travail, nous avons même ébauché une forme de collaboration», dit l'artiste baieriverain. C'est donc lui que Philipp Gasser a choisi comme artiste invité et il a séjourné quelques semaines en Suisse pour cette exposition qui se terminait dimanche dernier.
«J'ai trouvé cette expérience très stimulante, j'ai rencontré tout un groupe de jeunes créateurs de divers pays, c'est formateur et cela crée un réseau sur lequel on peut s'appuyer», dit-il. Par ailleurs, il compte continuer de travailler en collaboration avec Philipp Gasser, pour des projets ou des expositions.

Jean-Paul Lapointe

2000-01-26T10:26:00.000-08:00

Peindre et vivre dans le paysage
janvier 2000 (artiste décédé en 2007)

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Il dessinait depuis qu'il savait tenir un crayon et quand il a eu cinq ans, sa mère lui a offert un ensemble pour la peinture à l'eau: quelques couleurs, du papier, un pinceau. Il a tout de suite commencé à s'en servir et n'a pas cessé de peindre depuis.
«Nous vivions sur une ferme à St-Charles-de-Bourget (Borromée autrefois) et ma mère y avait un grand jardin que j'ai peint au moins une centaine de fois», raconte Jean-Paul Lapointe, car c'est de lui, à qui l'on doit tant de toiles lumineuses inspirées des paysages du Saguenay-Lac-Saint-Jean, qu'il s'agit. C'est peut-être là qu'il faut situer la naissance de cette passion qu'il éprouve encore aujourd'hui pour la peinture. Par ailleurs, sa mère, habile de ses mains et qui savait tout faire, et son père, ébéniste, lui ont transmis, ainsi qu'à ses dix frères et soeurs, une habileté naturelle dont il a bien su tirer parti.
Un autre événement l'a motivé davantage encore: c'est sa rencontre, alors qu'il était écolier, avec le peintre René Bergeron. Celui-ci donnait des conférences et au cours de l'une de celles-ci, il avait projeté un film: le premier que voyait Jean-Paul Lapointe. Vivement impressionné, il est allé parler au peintre ensuite, lui confiant qu'il aimait aussi faire de la peinture. (autre texte ici)

Plus tard, ses parents ont déménagé à Kénogami, et dès que Jean-Paul Lapointe, âgé d'une douzaine d'années à l'époque, avait un samedi après-midi libre, il enfourchait sa bicyclette et pédalait jusqu'à Chicoutimi: il se rendait à l'Art Canadien, la boutique de René Bergeron. Il écoutait celui-ci parler, «c'était un grand raconteur», rencontrait les autres peintres et surtout, il regardait les toiles, signées notamment Stanley Cosgrove, Marc-Aurèle Fortin, René Richard. A leur contact, il a beaucoup appris.
Il aurait aimé étudier à l'École des Beaux-Arts, mais, né dans une famille de 11 enfants, il n'en avait pas les moyens. Il a donc fait son cours d'infirmier et travaillé en orthopédie à l'hôpital de Chicoutimi: une période de six ans pendant laquelle il n'a pas touché à la peinture.
Mais un jour le besoin s'est fait impérieux, il s'est remis à ses pinceaux. C'est par essais et erreurs qu'il a obtenu les résultats qu'il recherchait. Il a rencontré madame Claire Frève, à qui il a parlé de son travail. Elle est allée voir ses toiles chez lui à Arvida, et a décidé immédiatement d'organiser une exposition: sa première exposition solo, qui eut lieu en mars 1973 à l'hôtel de ville d'Arvida. Il a abandonné le métier d'infirmier, mais comme il devait gagner sa vie, il est devenu représentant en pièces industrielles, un travail à temps partiel qui lui laissait beaucoup de liberté pour peindre.
C'était une période intense de production: «chaque année, je présentais deux expositions en solo et je peignais entre 200 et 225 toiles», dit-il, ajoutant qu'aujourd'hui, il expose moins et peint environ une centaine de tableaux chaque année. Et cette diminution n'est pas due à la fatigue ou à la lassitude: «je suis devenu plus exigeant, je veux que chaque toile soit unique, différente des autres, et cela me demande beaucoup de temps», explique-t-il.
Dans sa vie de peintre, il a connu plusieurs époques: au début, ses paysages dépouillés avaient quelque chose de lunaire et leur onirisme était sans doute dû au fait que Jean-Paul Lapointe estimait que peindre, c'était produire du rêve. Ensuite, son style s'est modifié, il est passé de l'acrylique à l'huile puis à nouveau à l'acrylique, médium qu'il a définitivement adopté. A certaines périodes, ses couleurs étaient vives, agressives: «la peinture, c'est une forme d'écriture, comme la musique ou l'écriture même», dit-il, alors ces différentes périodes correspondaient à des états d'âme, à des sensations et sentiments qu'il éprouvait.
Il a toujours peint très régulièrement, chaque jour: c'est un besoin pour lui, et il ne s'attend pas à ne plus l'éprouver un jour. La retraite, ce n'est pas pour les peintres, dit-il, évoquant son ami Francesco Iacurto, qui, à 92 ans, va encore chaque jour passer quelques moments dans son atelier.
Ce qu'il cherche, c'est à dire quelques chose d'une façon qui soit chaque fois différente. Partant de ses croquis, il essaie de créer une atmosphère. Il s'agit encore pour lui de réaliser un rêve, même si aujourd'hui, il s'est dégagé du sens littéral de l'expression et propose des paysages en quelque façon plus réalistes, moins lunaires que ceux des débuts. La composition est important, mais elle vient de la tête: ce qui vient du coeur compte davantage, explique-t-il.
Il nous raconte tout cela dans sa maison, perchée sur les hauteurs de Chicoutimi-Nord, d'où il a une vue superbe sur la ville et sur le Fjord. Mais si cette vue l'enchante et l'inspire, il ne se contente pas de regarder: il va au sein même de ces paysages qu'il veut peindre. Grand amateur de nature et de plein air, il aime parcourir les sentiers et les montagnes, par exemple quand il séjourne dans son chalet de l'Anse-Saint-Jean.
Il le fait certes pour son plaisir, mais aussi pour capter des sujets, prenant des croquis surtout dans les régions du Saguenay et de Charlevoix. «Il y a des montagnes dans presque toutes mes toiles, c'est une nécessité», dit-il.

Jean-Paul Lapointe

2000-01-24T10:37:00.000-08:00

Vivre de sa peinture: tout un art!
janvier 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Peignant régulièrement chaque jour, sauf pendant le mois et demi de vacances qu'il s'accorde chaque été, Jean-Paul Lapointe s'est aussi occupé de tous les aspects de sa carrière. «Il faut être actif, agressif même pour vivre de sa peinture», dit-il. Il a établi des contacts avec les milieux de l'art, avec des galeristes, et été président d'honneur de la demi-douzaine de symposiums de peinture qui existent au Québec: Baie-Comeau, Shawinigan, Sherbrooke, Québec, et bien entendu, Villages en couleurs de l'Anse Saint-Jean et Petit-Saguenay, dont il a présidé la première édition. Comme l'événement fêtera cette année son dixième anniversaire, on lui a demandé d'être à nouveau président pour l'édition de l'automne 2000, ce qu'il a accepté. Entre-temps, il compte participer en mai à deux symposiums qu'il a déjà présidés, l'un au Nouveau-Brunswick et l'autre à Shawinigan.
Il vend des toiles dans une quinzaine de galeries, aux États-Unis, en Europe, au Canada et au Québec. Il a un agent en Europe et un aux États-Unis qui s'occupe uniquement des reproductions, mais pour le reste, il gère cela lui-même. Il a participé à quelques concours, à Nice en 1975 et à un symposium international à Sherbrooke en 1983: même s'il y a remporté des prix, il n'a pas continué dans cette voie, car il n'aime guère les concours, considérant que la compétition entre créateurs en arts visuels n'a pas sa raison d'être. Il préfère les rencontres et l'amitié comme celles que permettent les symposiums, se disant ami de 99% des peintres du Québec.
En 1990, un album de la série Panorama, publiée par Roussan éditeur, lui a été consacré. Le texte est écrit par Jacques de Roussan, et Gilles Vigneault, qui signe la préface, y mentionne combien il apprécie Jean-Paul Lapointe, comme homme et comme artiste, parlant de la lumière parfaite qui illumine ses paysages.
Par ailleurs, Jean-Paul Lapointe a toujours été actif socialement, il a fait du bénévolat pour divers organismes en natation, voile, sauvetage et pour la Croix-rouge. Amateur de voile, il a été champion québécois il y a 15 ans et participé avec sa femme Rina Simard à de nombreuses compétitions au Québec et aux États-Unis. Le monde maritime a d'ailleurs été une source d'inspiration importante pour lui. S'il a cessé de naviguer, il est demeuré très actif physiquement, pratiquant le tennis tous les jours et le ski alpin régulièrement.

Emmanuelle Schmitt et Aurore de Sousa

2000-01-20T10:04:00.000-08:00

Photographie: le regard d'une nouvelle génération
janvier 2000

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Autrefois, la photographie était «utile»: elle servait à conserver, le plus fidèlement possible, les images du réel, tels paysages, portraits, natures mortes, objets, pour les familles, les archives, les musées.
Puis les photographes se sont aperçus qu'ils avaient entre les mains un instrument de création avec lequel ils pouvaient, tout comme les peintres, inventer, composer, mélanger, modifier leurs images. Comme le fait cette nouvelle génération de créateurs qui utilisent parfois la photographie seule, parfois la photographie associée à d'autres techniques, pour proposer leur propre vision du monde.
Deux de ces artistes sont présentes actuellement à la galerie Séquence (Jusqu'au 13 février) et, si elles sont d'origines et de parcours différents, leurs travaux, exposés dans une seule et même salle de la galerie, présentent plusieurs points communs. D'abord, Emmanuelle Schmitt et Aurore de Sousa utilisent la seule technique photographique. Ensuite, elles effectuent un traitement à partir de photos anciennes, du genre de celles que l'on trouve dans les albums de familles, utilisant donc des corps et des visages de gens de tout âge comme élément essentiel de leur imagerie. Et enfin, on pourrait dire que le flou et le cadre constituent chez chacune des deux artistes d'autres éléments visuels importants.
Regards
Sous le titre «Regards», l'artiste française Emmanuelle Schmitt propose deux ensembles: chacun comprend neuf photos en noir et blanc, disposées en trois rangées et trois colonnes juxtaposées: mosaïque, casse-tête ou jeu de «tic-tac-toe». Dans les deux ensembles, la photo centrale représente le double viseur d'un appareil photo, chaque «oeil» étant occupé par une même image. C'est le coeur de l'oeuvre, entouré par une série d'images qui constituent une déclinaison, ou une conjugaison d'éléments reliés à ce concept: des images dont le cadre est formé par la limite du sujet vu à travers un viseur ou déjà photographié. Les visages d'hommes, de femmes, d'enfants, semblent surgir du passé pour tenter de franchir ces cadres, disposés verticalement ou horizontalement, qui les coupent parfois, ou les orientent autrement.
On a l'impression qu'en plus de l'oeil, c'est la mémoire qui est sollicitée par ces visages surgis d'un passé que l'on ne sait pas situer exactement dans le temps. C'est le passé d'une personne, l'artiste, mais aussi celui des sujets photographiés, et par condéquent celui du spectateur qui en les regardant peut penser à son propre album de famille. Les images sont introduites dans le viseur et re-photographiées, ce qui donne une boucle infinie, un beau jeu de miroirs, d'allers et de retours entre le regard et la mémoire.
Ombre
Quant à Aurore de Sousa, native du Portugal et travaillant maintenant en France, elle soumet une série de photos intitulée «L'ombre nue». Alignées sur le mur, les images en noir et blanc sont petites et entourées d'un très grand passe-partout de couleur claire. Il faut s'approcher beaucoup pour en distinguer le sujet, presque toujours formé de deux éléments: un objet et une personne. Par exemple, un homme et une plume, un visage surmonté d'une vignette, un cadre avec des cheveux et une main, une main et une carte. Des cadres, des photos de style ancien, des visages, des mains: plusieurs de ces objets sont volontairement rendus flous par une surexposition.
Aurore de Sousa explore donc également le jeu de la mémoire, du passage du temps souligné par l'imprécision de certains contours, de la juxtaposition entre époques et âges. Ses photos alignées constituent une écriture, fait souligné par les images de plumes et de pages écrites. Elles pointent vers une réalité invisible, sous-jacente à ce que nous appelons le réel.

Jayanta Guha

2000-01-13T09:43:00.000-08:00

Un regard sensible sur les visages de la Chine
janvier 2000

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP)- Même s'il est né en Inde et vit à Chicoutimi, Jayanta Guha présente une exposition de photographies prises en Chine. On peut voir au CNE de Jonquière, sous le titre «Visages de Chine», jusqu'au 23 janvier, cette exposition qui comprend 26 photographies en couleurs, plus quelques objets et deux pièces de batik concourant à appuyer sa vision de ce pays où il s'est rendu à plusieurs reprises.
Professeur en sciences de la terre à l'Université du Québec à Chicoutimi, Jayanta Guha est également photographe et directeur d'un projet conjoint Canada-Chine, d'où ses fréquents séjours dans ce pays. Il a donc réuni des photos prises entre 1987 et 1999, sous plusieurs thèmes qui explorent autant d'aspects de la vie dans la Chine contemporaine, et qui mettent particulièrement en valeur les contrastes entre la plaine et la montagne, la ville et la campagne, la modernité et les traditions.
La plupart des photos de l'exposition faisaient partie d'un album publié par l'artiste en 1998 (Protée éditeur), ouvrage que l'on peut consulter sur place avec profit puisque des textes explicatifs explorent divers aspects de chacun des thèmes.
Toutefois, il n'est pas nécessaire d'avoir de longues explications pour apprécier ces photos, il suffit de les regarder d'abord, puis de lire les textes qui les accompagnent, chaque titre et sous-titre constituant le résumé d'une pensée. Par exemple, sur le thème de l'espace, Jayanta Guha propose une photo intitulée «Chaque espace doit être conquis», évoquant la culture du riz en terrasses, et pour celle intitulée «L'harmonie entre l'homme et la nature travaillant côte à côte», il a réuni dans une même image des champs cultivés et un arbre.

Les photos les plus intéressantes sont celles où l'on voit des enfants, par exemple celle qui s'intitule «Les enfants sont les enfants», où deux petites filles se découpent sur un fond plus sombre, et une autre présentant quatre gamins «à la recherche d'insectes pour leur collection», et dont le titre explique: «un petit bonjour en chinois («ni hao») provoque un sourire».
Particulièrement intéressé par le peuple minoritaire Miao, ses rituels et ses croyances, Jayanta Guha a pris plusieurs photos dans ce milieu, où on voit notamment les gens, adultes et enfants, qui portent de larges colliers métalliques.
Plusieurs photos montrent des gens qui mangent: dans une cantine mobile ou sur la place publique. Ailleurs, on joue aux cartes dans un parc, ou on participe à une séance de tai-chi dans la brume matinale. D'autres images montrent la jeunesse élégante qui déambule à la ville, le travail aux champs, ou encore les vestiges d'une mine.
Toutes ces photos d'une fort belle qualité technique mettent en valeur les humains dans leurs moments intimes et leurs attitudes spontanées: enfants souriants, beaux vieillards, travailleurs saisis dans des gestes qu'ils accomplissent régulièrement, inconscients sans doute du sens que l'on peut donner à ceux-ci. C'est la tâche qu'a accomplie le photographe en les associant à un thème, ou celle du visiteur qui réfléchit sur les mystères et les beautés de ce pays.

Benoît Savard

1999-11-19T17:04:00.000-08:00

Propos d'un peintre amoureux de la vie
novembre 1999

par Denise Pelletier

LA BAIE(DP) - Sa dernière exposition en solo a eu lieu il y a sept ans. Et pour ses cinquante ans, l'an prochain, il songe à monter une exposition spéciale, qui ferait le bilan de 23 ans de production. Mais il hésite à parler de rétrospective, même si c'est bien de cela qu'il s'agit. Il a peur de paraître prétentieux. Et il craint un peu de devoir paraître au devant de la scène, dans les médias. «J'ai de la difficulté à parler de mon travail, et en plus, je parais toujours très mal sur les photos», dit-il.
Inutile donc de préciser que, pour cette entrevue, c'est nous qui sommes allés chercher Benoît Savard, et non l'inverse. Il s'inquiétait, se demandait ce qu'il allait raconter. Eh bien il a parlé pendant près de deux heures. Parce qu'il en a, des choses à raconter. Mais comme la plupart des peintres, il est habitué à travailler en solitaire, dans sa maison de La Baie, où il s'est «exilé» il y a sept ans, quittant sa ville natale de Chicoutimi pour suivre sa compagne, baieriveraine d'origine. Il y a aménagé une pièce où il peut travailler tranquille.
Ses toiles (et celles de plusieurs autres peintres) sont présentes sur les murs de la maison, «mais c'est ma femme qui voulait cela et qui les a accrochées», dit-il, toujours modeste. Dans son atelier, il conserve quelques oeuvres, anciennes et récentes; sur le chevalet, l'une d'elles attend la touche finale. On y reconnaît son style particulier, unique, qui consiste à poser des personnages qui bougent dans des paysages du Saguenay, de Charlevoix, ou des environs.
Mais Benoît Savard aime aussi découvrir de nouvelles avenues, faire des essais. Ainsi, une grande toile, pas tout à fait terminée, représente deux boxeurs sur un ring, qui allongent simultanément le poing l'un vers l'autre. Elle est pour l'instant dans des tons de brun, beige, ocre: il y aura de la couleur, mais très peu, dit-il, expliquant que le sujet, nouveau pour lui, lui a été inspirée par les combats entre Stéphane Ouellet et Dave Hilton.
Mais cette solitude, si elle est nécessaire pour donner libre cours à sa créativité, n'est pas toujours agréable ou souhaitée, pour certains aspects du travail. C'est pourquoi Benoît Savard est très heureux de s'être joint au groupe La Maestria, récemment formé par des peintres de la région dits traditionnels ou figuratifs. «Cela fait bouger des choses, cela nous donne une force, et j'aime rencontrer les autres: nous ne sommes pas toujours d'accord sur les actions à prendre, mais c'est stimulant». Benoît Savard apprécie cette nouvelle formule, qui consiste à présenter des expositions en groupe et à assurer une présence des artistes sur place, parce qu'elle lui permet de rencontrer «son» public, ceux qui achètent ses toiles, ou ceux qui, simplement, les apprécient. Pour eux, c'est bien de pouvoir enfin voir l'artiste qui a peint les toiles, et pour lui, rien ne le touche plus que quelqu'un qui vient lui dire qu'il a une toile de lui, qu'il l'aime et qu'il la regarde chaque jour. Il participe aussi à l'exposition «C'est l'hiver», en cours jusqu'au 3 janvier, organisée par le CNE de Jonquière, qui a choisi 14 peintres du Saguenay intéressés à traiter le thème de l'hiver.
Pour sa part, il aborde toutes les saisons, dans ses toiles. Il travaille beaucoup à l'acrylique, mais il reprend l'huile de temps à autre. «Je travaille très lentement, dit-il, je fais souvent plusieurs tableaux en même temps. Après quelque temps consacré à l'un, je dois m'arrêter, parce que je ne le vois plus, alors je travaille sur un autre». Ce qu'il recherche c'est l'équilibre, l'harmonie. Au fil des années, il s'est trouvé une palette de couleurs, des couleurs douces qui admettent aussi les contours nets et bien tranchés, les touches sombres qui font ressortir l'ensemble du tableau.
Parfois, il doit abandonner une toile. «Elle n'a pas d'âme, la magie n'est pas là, alors je préfère tout effacer et faire autre chose, heureusement, cela n'arrive pas trop souvent», dit Benoît Savard qui a toujours aimé dessiner et colorier, dès son plus jeune âge. «Les gens de ma famille le savaient, alors ils m'offraient des crayons, des gouaches», dit-il en nous montrant une toile qu'il a peinte à la gouache, justement, quand il était adolescent. Une scène champêtre, naïve, mais où se profilent déjà certains éléments qui seront caractéristiques de son style.
Ce goût pour l'expression artistique remonte donc très loin, mais c'est après avoir visité plusieurs musées d'Europe, dont la Tate Gallery de Londres où il a pu voir de près les oeuvres de Turner et Constable, deux peintres britanniques qu'il admire, qu'il a pensé à en faire un métier. «Mes parents se sont montrés ouverts et m'ont laissé libre de faire mon choix, tout en m'avertissant que si je devenais peintre, je ne risquais guère de rouler en rolls-royce».

Benoît Savard

1999-11-18T17:07:00.000-08:00

Une histoire d'art et de fidélité
novembre 1999

par Denise Pelletier

LA BAIE(DP) - De retour au Québec après un périple de quelques mois en Europe, en 1976, Benoît Savard, détenteur d'un DEC en arts du Cégep de Chicoutimi, était donc déterminé à devenir peintre. Et pour lancer sa carrière, il a présenté une exposition... à Montréal, au Théâtre du Nouveau monde, grâce à la complicité de quelques amis et admirateurs. Il a vendu des toiles et attiré l'attention de quelques responsables de galeries québécoises.
A Chicoutimi, il a fondé l'Atelier 389, à cette adresse de la rue Jacques-Cartier, avec cinq autres artistes ou artisans, parmi lesquels la peintre Paule Lagacé. «C'était une belle période, ça bougeait beaucoup, il y avait des galeries comme celles de Madame Belzile, et l'Art Canadien, qui ont pris de mes toiles» dit-il. La Société des arts de Chicoutimi avait proposé un de ses tableaux lors de son encan annuel, et les enchères ont monté, à sa grande surprise. A l'époque, il peignait déjà des personnages, mais en leur donnant un petit air loufoque, caricatural. Il a même réalisé des bandes dessinées mettant en vedette de drôles de petites religieuses.
Et fait, c'était une époque d'expérimentation et de recherche. Il a touché divers genres, comme le portrait, la nature morte, l'abstrait, le paysage sans personnages. C'est vers 1980 que Benoît Savard pense avoir trouvé son style définitif, lequel subira bien sûr des modifications et connaîtra une évolution, tout en conservant les éléments de base qui permettent de le reconnaître. Vers cette époque, il se souvient avoir présenté une exposition à la galerie Clarence-Gagnon à Montréal: trente minutes avant l'ouverture, une foule s'était massée sur le trottoir devant la galerie, et toutes les toiles se sont enlevées très rapidement.

Et puis Benoît Savard a continué dans la voie qu'il s'était tracée, conservant son style inclassable sans se préoccuper des modes et des tendances, ce qui a eu pour conséquence une alternance entre les périodes fastes et les périodes difficiles.
Il a aussi travaillé dans d'autres domaines reliés à la culture, notamment pour le Musée du Fjord, où il est animateur, guide, et technicien au montage des expositions. Il a réalisé divers projets, par exemple une oeuvre visuelle et textuelle avec l'auteur Gil Bluteau, et des ateliers avec de jeunes déficients à l'école Médéric-Gravel: les participants avaient alors réalisé une murale, magnifique selon lui, sur le thème des premiers arrivants. Ce fut une expérience très riche qui lui a permis, dit-il, de rencontrer des enfants extraordinaires.
Il a aussi réalisé des oeuvres pour illustrer les jaquettes d'une vingtaines de livres publiés par l'éditeur Gaëtan Morin. Il a été le premier peintre (plusieurs autres l'ont fait depuis), à accepter de peindre une nativité pour l'exposition des crèches de Rivière-Éternité. Il est présent dans des ouvrages comme «Le royaume aux cent trésors», «Le Saguenay-Lac-Saint-Jean en peinture» et «Hommage à nos bâtisseurs».
Il y quelques années, en collaboration avec le Musée du Saguenay, Benoît Savard a commencé à fabriquer des répliques miniatures de la maison d'Arthur Villeneuve et de la petite maison blanche, qui étaient offertes comme objets promotionnels aux visiteurs. Cela lui a valu diverses offres, dont certaines totalement absurdes. En revanche, des démarches plus sérieuses sont actuellement en cours pour la réalisation des maisons miniatures de Gabrielle Roy, en Alberta, et de la famille Vachon au Québec.

Jean-Pierre Gagnon

1999-10-21T17:22:00.000-07:00

Exprimer toute la douleur du monde
octobre 1999

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - Entrer dans la salle d’Espace Virtuel où Jean-Pierre Gagnon expose, c’est faire davantage que de regarder des oeuvres: c'est découvrir un monde, pénétrer l’univers intérieur d’un artiste tout entier préoccupé par le malheur du monde, par ses laideurs, par la souffrance des drogués, des laissés pour compte, des prostitués qu’il côtoie chaque jour, qu’il essaie de défendre contre les agressions du monde et contre les bureaucrates qui voudraient les intégrer au système, à Chicoutimi même.
Du moins, quand on le rencontre, c’est de cela qu’il parle en premier lieu. Il évoque Marc, celui qui lui a servi de modèle, qu’il essaie d’aider, à qui cette activité artistique a peut-être donné confiance. Et il en parle au milieu de ses oeuvres, des toiles, des montages, des constructions, des sculptures, des projections vidéo, qui ont un aspect sombre et inquiétant comme le mélange de pénombre et de lumière noire dans lequel baigne l’ensemble. Mais qui ont aussi une sorte de beauté, de séduction.
D’ailleurs comme il le fait toujours, Jean-Pierre Gagnon propose un travail éclaté, d'abord en trois lieux d’exposition: la galerie, un appartement loué au 442 St-François-Xavier par Espace Virtuel, et un bar, le bistro des Anges, rue du Havre. Eclaté aussi par la multiplicité et la diversité des interventions, des intentions, des techniques.
Il a utilisé comme point de départ des toiles de Rembrandt, dans la série les leçons d'anatomie, qu’il a transformées, modifiées par la copie, les techniques graphiques, des outils tels que marteaux et ciseaux. Cela donne des oeuvres tout à fait remarquables, comme cette toile à l'entrée où l'image perçue varie selon l'angle où on se place. A gauche de ce dessin, comme intégrés de force dans le cadre, des personnages recouverts de peinture métallique, faits à partir de figurines, des angelots auxquels il a coupé les ailes, qu’il a fait fondre et réunis en un magma qui évoque les damnés de l’enfer: pour lui, ces personnages représentent tous les enfants enfants abandonnés ou assassinés.

Sur une autre toile, on aperçoit un pied humain placé au point de rencontre des deux bras d’une croix. Il y aussi une immense cage circulaire, tellement haute qu’elle perce le plafond. Des toiles qui semblent intégrées au mur, qui comprennent des lentilles à travers lesquelles on aperçoit ... l'exposition de Geneviève Crépeau, présentée dans la salle voisine. Le regard inversé, le miroir donnant sur les deux faces du monde, la rose et la noire, dira-t-il, revendiquant bien sûr la face noire pour lui-même. Il y a aussi une photo représentant un homme avec une serviette sur la tête qui évoque l’homme-éléphant. Tout cela résulte d’un travail sur le corps humain, le corps humain abîmé par la vie, torturé, attaqué, et finalement mis à mort, autopsié, disséqué.
Ce travail, intitulé «Bouquet d'hypnose», est relié à des performances, passées et futures, qui modifient l'oeuvre, considérée comme un véritable «work in progress». Des interventions seront faites par Gilles Boisvert, un peintre ambidextre, en novembre. Des oeuvres poétiques seront lues, des musiciens se produiront également. L’artiste veut aussi inviter des jeunes décrocheurs à intervenir dans son oeuvre. Il parle de la souffrance des jeunes, des accros au bpc qui se suicident, des efforts que l’on fait partout, et peut-être surtout à Chicoutimi, pour cacher cette souffrance, cette pauvreté. Il veut aller au conseil de ville pour parler de cela, créer, au Saguenay, une section du journal «L’itinéraire», vendu par les sans-abri à Montréal.
L’urgence des situations qu’il connaît pousse Jean-Pierre Gagnon à multiplier les démarches et les projets, et prend le pas sur la création. Il soutient qu’il faudrait fermer les galeries d’art et veut, après cette exposition qui se termine le 12 novembre, brûler toutes ses pièces, sa thèse de maîtrise, et invite aussi d’autres artistes à participer à cet autodafé qui se déroulera probablement à la Pulperie.
Télékinésie
Dans la salle voisine, Geneviève Crépeau propose une installation intitulée «Télékinésique», où différentes expériences de déplacement dans l'espace sont projetées sur des écrans de télévision. Il y a aussi divers objets associés au monde de l'enfance: jouets, animaux, pris tels quels ou construits avec des matériaux de récupération, dans des montages qui évoquent l’élévation vers le plafond.
C’est comme un grand piège dont quelqu’un, le visiteur, ou un personnage invisible, cherche à s’échapper. Même s'il est construit dans des tons pastel où le rose domine, cet univers est
plus angoissant, plus dérangeant que le «Bouquet d’hypnose» de Jean-Pierre Gagnon, parce qu’il est beaucoup plus hermétique, véhiculant une expérience difficile à partager, et qu'elle ne laisse place à aucune beauté, pas même la beauté du diable.

Har-Prakash Khalsa

1999-10-14T05:57:00.000-07:00

Troublants orifices
octobre 1999

CHICOUTIMI(DP) - A la galerie Séquence, le photographe Har-Prakash Khalsa, natif de Toronto et qui vit maintenant à Owen Sound en Ontario, présente une proposition à la fois fascinante et troublante: en noir et blanc, des gros plans extrêmes sur les orifices du corps: narine, bouche, oreille, anus, vulve, mamelon, pénis. Ils sont vus de si près que l’on ne les reconnaît pas à coup sûr, d’autant plus que les photos sont orientées de façon fantaisiste. En revanche on distingue parfaitement, comme à travers une loupe ou un microscope, les moindres replis de la peau, les nuances de la carnation, l’implantation de chaque poil ou cheveu, les méandres de chaque ride.
Les photos, de taille relativement petite, sont regroupées par sept ou huit, chaque groupe est coiffé d’un titre minimal: «homme», «femme», «hommes-femmes», «hommes». Les titres au singulier laissent à penser que tous les orifices du groupe appartiennent à la même personne (dans d’autres montages, l’artiste mentionnait même le prénom de cette personne), les autres suggèrent plutôt un mélange, la construction d’un être à partir d’orifices appartenant à des personnes différentes.
Cette exposition, intitulée «The Hole Project», transforme, comme le voulait l’artiste, l’ordinaire en extraordinaire, par la glorification visuelle des ouvertures du corps, qui sont le siège et le lieu de nos relations avec le monde extérieur, de tous nos mouvements d’absorption et d’éjection. Toutes ces activités, ingestion de nourriture, réception d’images, d’odeurs, de sons, parole, éjaculation, allaitement, défécation, sont intimement liées à des valeurs culturelles différentes, selon les époques et les sociétés, et elles sont souvent gouvernées par un code social à la fois élaboré et rigide. Dans certaines religions ou traditions, ces orifices sont appelés les portes du corps. Plus largement, ces images des ouvertures du corps nous renvoient au fait que toute activité humaine est assimilable à un don ou à un rejet, à une projection dans le monde ou à une réception de stimuli extérieurs, que l'on peut accepter ou refuser en éprouvant les sentiments les plus divers.
En même temps le gros plan, s’il ne permet pas d’identifier les individus, met néanmoins en évidence l’infinie diversité des êtres, diversité qui vient du sexe, de la race, de l’âge ou encore du bagage génétique de chacun. Ces photos évoquent des paysages intimes et inouïs: les cheveux et les poils rappellent des arbres, les plis et les rides ressemblent à des chemins et à des routes aux innombrables méandres, et les ouvertures et orifices nous placent au bord d'autant d'abîmes vertigineux.

Andréa Szilasi

1999-10-14T05:54:00.000-07:00

Le corps tissé dans l'image
octobre 1999

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - A la galerie Séquence, la photographe Andréa Szilasi propose cinq photos grand format, trois en noir et blanc, deux en couleurs. Elles offrent des corps humains vus à travers un objectif, mais aussi dans certains cas associés à cet objectif, c’est-à-dire placés derrière une image incomplète, plus ou moins transparente, d’appareil photo.
Cet élément, par les techniques du graphisme, est littéralement tissé dans l'image: on n'en distingue que les parties les plus opaques, qui deviennent autant de lamelles, de barreaux ou d’éléments d’une grille derrière laquelle flotte un corps féminin étendu, un être nu aux jambes repliées, ou debout vu de dos. Dans un cas par ailleurs, ces lattes ne semblent pas appartenir à un appareil photo, mais plutôt à une grille intégrée à la surface d'un lac, et sous laquelle repose un corps.
Tout cela est placé dans des paysages soigneusement choisis et traités, lacs ou forêts qui deviennent ainsi le cadre bucolique de cette expression du corps. Une des photos, où il n'y a pas de caméra, montre un homme nu marchant dans un sous-bois, une autre enfin, où il n'y a pas d'être humain, présente une caméra dans un lac.
Autant de variations, donc, sur la perception du corps et sur les images qui peuvent l’illustrer, le cerner, mais jamais l’approcher vraiment. Des photos d’une grande beauté esthétique, qui laissent une impression de flottement, de distance, de nostalgie teintée d’un certain romantisme. Andréa Szilasi, qui vit et travaille à Montréal, a étudié en cinéma et en langue et littérature françaises à l’Université de Toronto, puis en arts plastiques à Concordia. Elle a présenté plusieurs expositions en solo ou en groupe, notamment à Montréal, Québec et Toronto.

Marie-Hélène Parent

1999-09-16T07:27:00.000-07:00

Les mystères de Vénus
septembre 1999

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - L'exposition «Genesis Hybrida - Les Vénus» propose au visiteur une expérience sensorielle et sensuelle fort intéressante. Dans la salle du CNE plongée dans la pénombre, des panneaux verticaux sont suspendus au plafond et touchent presque le sol. Sur chacun d'eux, une image: une forme qui semble faite de métal, bronze ou or: elle réfléchit la lumière et semble sortir littéralement du fond de la toile, qui est noir.
Ces images représentent des statuettes de Vénus de la période paléolithique, comme on pourrait en retrouver sur des sites archéologiques. Mais elles ont été traitées par la photographie et l'infographie, l'artiste les a recomposées de façon à donner à chacune une structure binaire.
Le visiteur se promène donc, en un parcours circulaire qui ressemble à celui d'une procession rituelle, à l'intérieur de ces panneaux disposés en cercles, comme dans un temple, un temple érigé en hommage à la féminité, au corps.
L'atmosphère, les images et la musique de fond créent une impression de mystère, et la visite devient une cérémonie, un rite qui oblige à regarder directement des images et à reconnaître les aspects du corps si souvent occultés dans notre société: fragilité, mystère, proximité de la vie et de la mort, ramifications troubles de l'inconscient.
Les idées soudain mises en lumière par l'éclat métallique des formes touchent à des sujets qui demeurent tabous malgré la surexposition médiatique du corps féminin: les replis obscurs et secrets où se côtoient le plaisir et la douleur, l'érotisme et l'enfantement, eux-mêmes dissimulés dans les lieux les moins fréquentés de l'imaginaire collectif.
Née à Québec, Marie-Hélène Parent réside actuellement à Montréal. Artiste multidisciplinaire, elle combine les médiums de la photo, de la vidéo et de l'informatique pour présenter des installations. Elle s'intéresse au processus de déconstruction, puis de reconstruction de l'image. Elle a réalisé des performances vidéo et obtenu des prix, notamment en Italie, en Finlande, au Maroc et au Québec.

Denis Farley et François-Marie Bertrand

1999-09-02T13:11:00.000-07:00

Paysages et pastilles pour guider le regard
septembre 1999

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - La galerie Séquence présente, comme première activité de la rentrée, deux expositions fort différentes l'une de l'autre. Alors que Denis Farley propose des images figuratives, François-Marie Bertrand opte pour une esthétique de la forme et de la couleur qui sollicite directement la capacité de réflexion.
La proposition de Denis Farley, un artiste qui vit et travaille à Montréal, s'intitule «Paysages étalonnés». Elle comprend sept images photographiques de grandes dimensions, représentant des paysages urbains, autoroute, centrale électrique, gare de triage, ou des sites rendus à la nature après l'abandon d'une mine ou d'une usine.
Dans chacune de ces photos, il se met en scène: on le voit de dos, revêtu d'un costume à damiers rouges et blancs, ce qui permet d'établir une échelle de mesure. Cet élément déconstruit absolument la perception que l'on pourrait avoir autrement de ces photographies: la présence de cette silhouette, de ces couleurs, oblige le spectateur à comprendre qu'il ne s'agit pas d'une simple représentation, mais d'un travail de calibrage, comme le dit l'artiste.
Au lieu alors de regarder simplement l'image, on se met à chercher la silhouette familière, un peu comme dans ces livres pour les jeunes où il faut chercher le personnage de Charlie. Similitude d'autant plus forte qu'en plus du personnage en rouge et blanc, chaque photo contient un ou des éléments qui sont aussi de la même couleur, et qui eux demandent une recherche visuelle un peu plus attentive. Cela peut être un phare dans «Signalisation maritime», des cheminées de centrale électrique, le côté d'un conteneur, une petite pancarte dans «Don Valley», ou même le reflet dans l'eau du personnage costumé.

De plus, à cause du costume, le photographe peut être assimilé à un clown, ce qui accentue le côté ludique de son travail, comme s'il voulait désamorcer l'emprise mentale des structures gigantesques édifiées par l'homme.
Bref, on se prend à regarder tout autre chose que le sujet de la photo, et c'est bien là le but poursuivi par l'artiste: mettre en relation un paysage, le plus souvent une structure technologique, et une présence humaine standardisée, qui évoque l'échelle du géomètre ou encore ces fanions qui indiquent la force et la direction du vent. Ce qui provoque, chez celui qui regarde, l'idée de faire appel à ses propres systèmes de mesure pour comparer l'être humain, représenté par cette petite silhouette qui ressemble à celle d'un clown, à l'environnement gigantesque qu'il a lui-même construit.

François-Marie Bertrand
L'artiste François-Marie Bertrand, Chicoutimien d'adoption, présente pour sa part une exposition intitulée «Séquences». Le dépouillement des cercles bicolores alignés sur les murs de la salle contraste avec le foisonnement d'éléments visuels sur les photos de Denis Farley.
Cependant, le but poursuivi par les deux artistes n'est peut-être pas si différent: dans un cas comme dans l'autre, il s'agit de guider le regard, de lui faire effectuer un parcours de l'extérieur vers l'intérieur en lui proposant des sujets de réflexion et d'interrogation. François-Marie Bertrand aligne donc des cercles au mur: par groupe de six, ayant pour la plupart une surface blanche et une tranche de couleur, il se présentent comme de gros points entre lesquels le regard cherche à construire des liens.
Les lignes que ces points dessinent, le rythme du déplacement de l'oeil, les effets des couleurs agissant l'une sur l'autre: tout est question de perception, et dans une certaine mesure de subjectivité. Ces pastilles, degré zéro de la peinture, immobiles et sans éléments représentatifs, renvoient aux images colorées et animées captées par Denis Farley, comme autant de points d'interrogation sur les rapports entre la peinture et la photographie.

Jacques Clément

1999-06-10T07:27:00.000-07:00

L'écriture visuelle pour approcher l'intime
juin 1999

par Denise Pelletier

CHICOUTIMI(DP) - L'artiste Jacques Clément propose jusqu'au 30 juin à Espace Virtuel une exposition intitulée «Journal intime, écriture visuelle». Les signes qui constituent cette écriture visuelle sont de petits rectangles de papier kraft portant chacun un dessin, en général fait à l'encre de chine.
Il s'agit bien d'une écriture car ces signes ou idéogrammes sont reliés les uns aux autres pour faire partie du même univers, comme un ensemble d'icônes. Le lien est visuel: les rectangles s'inscrivent dans un rectangle de papier plus grand, et les divisions horizontales entre les colonnes de dessins se font au moyen du pliage. Le pli sert donc de cadre, et il est plus ou moins accentué, ce qui permet de distinguer plus ou moins les dessins qui font partie de l'oeuvre. Dans l'une des oeuvres, les plis ont servi à plaquer les colonnes de dessins les unes sur les autres, et la bande ainsi obtenue a été repliée sur elle-même, puis l'ensemble réuni par une bande de papier. On n'aperçoit donc que les quelques dessins demeurés à l'extérieur du pliage, comme la couverture d'un livre, un livre fermé qu'on ne peut pas lire.
Dans l'oeuvre suivante, les plis sont un peu plus ouverts, mais pincés dans une de leur section, ce qui donne un éventail, aux dessins plus visibles mais difficiles à distinguer par endroits. Dans la troisième oeuvre, il y a une section de papier complètement ouverte.

Et enfin, la plus grande oeuvre occupe un mur entier ou presque: elle comprend 16 panneaux divisés en huit bandes, elles-mêmes divisées en huit rangées, donc 64 dessins pour chaque panneau, ce qui fait 1024 dessins en tout. Ce grand nombre a sans doute incité l'artiste à introduire d'autres sujets que le corps humain et d'autres techniques que le dessin à l'encre de chine. On peut donc promener son regard au gré des pages de ce livre ouvert, sans se préoccuper de l'ordre de lecture.
Les corps humains sont réalisés selon la technique de l'esquisse, du croquis d'après modèle: on y reconnaît des corps féminins, masculins, clairement dessinés, ou représentés en silhouette, en contour, ou en ombre opaque. Ils sont saisis au milieu d'un mouvement, d'un élan, comme dans un instantané photographique. Outre les corps, on trouve sur les rectangles de Jacques Clément des cercles, des formes géométriques, tout est en noir, blanc et brun clair, avec quelques touches de couleur orange ou jaune.
Après avoir «lu» le livre, on peut s'en éloigner pour saisir l'ensemble, ce qui permet de distinguer, comme sur une grande toile, des courants clairs et foncés qui esquissent de nouvelles formes. De plus, les plis qui séparent les colonnes de dessins produisent un effet de profondeur et de mouvement.
Ce travail de Jacques Clément s'inscrit dans une démarche amorcée en 1995: les dessins produits quotidiennement deviennent la matière d'un journal intime visuel. Il est d'autant plus intéressant que, malgré l'abondance et la régularité de la production, l'artiste semble avoir conservé intacte sa capacité de ressentir et de transmettre l'émotion, celle que créent invariablement les représentations du corps humain.
Jamais le système ne prend le pas sur l'inspiration, jamais l'artiste ne manifeste de la lassitude ni ne travaille de façon répétitive: il arrive, dans chaque dessin, à transcender les règles qu'il s'est lui-même imposées pour produire des images qui séduisent par leur pureté, leur dépouillement, leur qualité artistique.
C'est cela qui est fascinant dans cette exposition «Journal intime, écriture visuelle», que l'artiste montréalais Jacques Clément présente à Espace virtuel.

André Fradet et Françoise Frère

1999-06-04T17:22:00.000-07:00

Des toiles et un concert aux couleurs de Beethoven
juin 1999

par Denise Pelletier

JONQUIERE(DP) - Tout a commencé au hasard d'une rencontre et de quelques mots, pour devenir un véritable projet artistique dans lequel la musique a servi d'inspiration à deux peintres pour créer une série de toiles. Celles-ci sont actuellement exposées au CNE de Jonquière, mais pour les voir il faut se dépêcher car l'exposition, intitulée «Quand la musique se fait couleur», qui a commencé jeudi, se termine demain. D'ailleurs, il y a un vernissage aujourd'hui à 17 heures, au cours duquel le quatuor Alcan donnera un bref concert.
Il s'agit en effet des toiles de Françoise Frère et d'André Fradet, deux artistes de Jonquière qui ont eu l'idée de peindre à partir de l'oeuvre de Beethoven. Et plus précisément ses quatuors, dont le quatuor Alcan a joué, au cours de l'année, l'intégrale en six concerts au Côté-Cour. André Fradet nous raconte avoir rencontré le violoncelliste David Ellis après le premier concert, et lui avoir exprimé l'idée qu'il aimerait créer quelque chose à partir des quatuors, et montrer les oeuvres pendant les concerts.
Il a contacté une artiste et amie, Françoise Frère, qui a tout comme lui, travaillé notamment en graphisme et en décors de théâtre, et ils se sont «réparti» les quatuors: «elle a choisi les premiers, moi plutôt les derniers écrits par Beethoven, nous avons d'abord travaillé ensemble dans un grand atelier, puis chacun chez soi». Ensuite, quelques jours avant le deuxième concert, ils ont rappelé David Ellis pour lui dire que les toiles étaient prêtes: un peu surpris, car il n'avait plus entendu parler du projet, celui-ci s'est montré enthousiaste, et encore plus après avoir vu les toiles.
Le projet a donc pris forme, les artistes écoutaient les quatuors prévus au prochain concert et créaient chacun une ou deux toiles en fonction de ces oeuvres. Celles-ci étaient placés sur la scène du Côté-Cour, derrière les musiciens qui, à chaque concert, faisaient une brève présentation du projet au public.

Mais les toiles n'avaient jamais été réunies, et c'est la directrice du CNE qui a proposé aux artistes de réaliser cette exposition non prévue au programme.
S'il y a des similitudes entre le travail des deux artistes, par exemple l'utilisation de l'acrylique et des grands formats, il est surtout intéressant d'observer leurs différences. André Fradet propose des oeuvres structurées, visuellement séduisantes, où la géométrie et les lignes de couleur créent des volumes bien définis, qui sont aussi travaillés en épaisseur, les couches de couleur superposées et texturées créant une impression de profondeur. Chaque toile porte en titre celui d'un quatuor, «Opus 133» ou «Opus 135», par exemple, avec dans certains cas l'indication d'un mouvement ou d'un deuxième titre comme «Quartetto serioso» ou «Cavatina».
La relation entre l'oeuvre musicale et l'oeuvre picturale n'est pas évidente, mais cela importe peu, puisque les toiles ne sont pas à proprement parler figuratives. C'est au visiteur de créer cette relation, s'il le souhaite. Il peut par exemple «reconnaître» l'énergie et la tension de l'opus 133, dit «la grande fugue», dans la toile correspondante, où deux rectangles d'un jaune lumineux se détachent d'un fond plus sombre dont les lignes de force vont toutes dans le même sens. Pour certaines oeuvres, André Fradet a réalisé un diptyque ou un triptyque.

Françoise Frère
Quant à Françoise Frère, elle travaille manifestement de façon spontanée, avec des gestes amples qui laissent sur la toile des tourbillons colorés, des maelströms de bleu et de blanc évoquant la mer et ses rivages, agités par une source d'énergie qui peut être associée à celle de la musique même.
Tourbillons marins donc, auxquels il faut ajouter des éléments de la nature facilement identifiables dans les oeuvres de Françoise Frère: la mer, la glace, la forêt, l'organique, même les rochers semblent vivre d'une vie propre. Et partout sur les toiles, des corps humains allongés s'incurvent selon les courbes des tourbillons dans lesquels ils semblent emportés sans retour, levant les bras, étendant les mains comme dans un pressant appel au secours. Dans l'opus 16, numéro 6, le premier plan est occupé par un tissu d'apparence végétale troué d'alvéoles dans lesquelles on aperçoit des oiseaux, qui semblent prisonniers, eux aussi.
C'est donc une très intéressante exposition, issue d'un projet fascinant, que «Quand la musique se fait couleur», présentée par les artistes Françoise Frère et André Fradet. On peut la voir aujourd'hui et demain entre 10 heures et 17 heures, et assister au vernissage concert, avec participation du quatuor Alcan, aujourd'hui de 17 heures à 19 heures.